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《劍橋流行音樂史》@圖博館|PChome 個人新聞臺

互聯網 2021-04-14 12:38:01

讀過那麼多種的《劍橋xx史》,《劍橋大學搖滾與流行樂讀本》(商周)可說是本、每篇章節都值得一讀的佳作,有了這本、其餘的流行音樂書可不用再讀了。

又想以半部《劍橋》看天下啊?再怎麼佳作也不可能取代各種流行音樂的專著吧!

專著只不過是介紹的較為詳實,但觀點評論往往欠缺,比不上本書的一篇專文。

這麼說來本文千字內不可能評完此書了?

別被那些專家學者的權威嚇呆了,乍看之下似乎篇篇都很見解,但仔細反思一下,就會發現它們有個共通點──妥恊又滑頭──以流行音樂具有顛覆性、左批德國的文化工業理論,再以流行音樂的商品性、右批英國的文化批評理論。

經你這麼一說,此書真的有點「油味」,首篇<科技與通俗音樂>就小結道:「科技是通俗音樂創製的先決條件,它必須被視為是一種能動與限制的因素…利用科技來提高、合理化或控制音樂的流通,符合了唱片工業的利益,但樂手(在取樣方面)和消費者(卡帶和MP3)也利用科技來阻斷工業的運作,雖然這情形可能只是暫時的。」(p.31)

旣然是「暫時的」還談什麼「限制的因素」更遑論前評《噪音》所批:科學性的「重覆」成為社會監控的工具。

資本主義下的「抗拒」本就如此,充滿了「中產階級拘謹的魅力」,在<音樂消費>篇不也說:「音樂次文化(指尚未成主流時者比如爵士、搖滾、龐克、嘻哈)的批評者有的主張,相較於次文化成員不斷詆毀主流文化樂迷,這些人不過就是更好、更為熟練、更忠誠的資本主義商品消費者而已。」(p.80)

在<流行樂>篇又說:「流行樂的動力,除了獲利和商業收入之外,沒有其他重大企圖…它本上是保守的。流行樂只是將大眾已知他們想要的事物再一次提供給他們,而不是想要超越現有的技術限制或美學成規。因此流行曲裡的『新』只是一種新鮮感。」「流行樂是一種由上而下的供給模式,而非反之。它並不是『自己幹』的音樂,而是經過專業生產與包裝的音樂。」(p.90)

在<重探搖滾>篇則說:「大眾社會成為批判工業資本主義之劇變的重要藉口…這說法也可以用來激發菁英主義的論點,貶斥民眾多數是一團無知、無人性、無法辨認的爛泥,是被廣告和娛樂所塑造和洗腦的一團無形無狀的東西。」(p.109)「伝統總以為搖滾是一股反對支配性社會價值的基進反叛力量…搖滾在同時強調、調和以及隱藏消費資本主義的矛盾時,事實上,並沒有挑戰消費資本主義。非但沒有,搖滾的對抗性還為一個不同的議題所挪用。」(p.115)「搖滾變成不過是許多主流音樂文化的一支…搖滾破除了大眾文化和頭腦簡單的從眾性之間的象徵性關係…搖滾促進了支配和被支配文化之間的關係重組,造就了一種同時是邊緣和主流、反大眾和大眾、次要和主導的東西。」(p.123)?另參本館《迷幻異域》《毒品》《MTV的意義空間》《劍橋流行音樂史》《陰性終止》《噪音》《音樂社會學概論》《陰性終止》《蕭泰然》???流行音樂?所謂流行音樂,是指那些結構短小、內容通俗、形式活潑、情感真摯,並被廣大群衆所喜愛,廣泛傳唱或欣賞,流行一時的甚至流傳後世的器樂曲和歌曲。這些樂曲和歌曲,植根于大衆生活的豐厚土壤之中。因此,又有"大衆音樂”之稱。 流行音樂起源于美國的爵士音樂。20世紀初,美國出現了一種由多民族文化彙集而成的爵士音樂。這種新興音樂,以它獨特的演奏(演唱)方式,刷新了聽衆的耳目,轟動了全美國,又很快傳遍西歐各國。 在今天,流行音樂所包含的內容極其廣泛。在器樂作品中,它包括豐富多彩的輕音樂、爵士樂、搖擺舞曲、迪斯科舞曲,探戈舞曲,圓舞曲以及各種不同風格的舞曲和各類小型歌劇的配樂等。 流行音樂中器樂作品的特點是:節奏鮮明,輕松活潑或抒情優美,演奏方法多種多樣,音響多變,色彩豐富,織體層次簡明,樂隊規模不大,現代作品多使用電聲樂器。聲樂作品的特點是:生活氣息濃郁、抒情、風趣、音域不寬,手法通俗、曲調順口、易于傳唱;歌詞多用生活語言,淺顯易,易爲聽者接受和傳唱;歌手多是自成一格的流行歌星,發聲方法各有千秋,不受聲樂學派的約束,演唱時感情重于聲音技巧,動和自由不羈,自然親切,易引起聽衆的共鳴;小樂隊的強聲伴奏與歌聲融爲一體。由于流行音樂具備上述特點,所以就能夠和群衆連在一起,無論文化水平的高低,都易于接受。 流行音樂也就是通俗音樂,流行歌曲作爲一種以消遣娛樂爲主的大衆文化現象,流行歌曲的發展和社會發展的脈絡息息相關,儼然已成爲日常生活的一部份,尤其是90年代以後隨著國家的政策開放,使得流行歌曲的內容形式更加的多元化,更加的深入人心,90年代的流行音樂變化較廣,並且與我們的生長背景較爲接近。然而流行歌曲不僅是藝術,也是娛樂、精神寄托,更是反應百姓生活的寫實記錄,甚至是大衆思想、意識型態的指標。 現在我們所聽的歌曲,像是周傑倫、蔡依林、張惠妹等等歌手,他們的歌都屬于流行音樂。 流行音樂與其它大衆媒介的差異主要是流行音樂有三種特性: 1.流行音樂乃是一重複的形式:流行音樂的主題內涵不斷的重複,而具有穿透閱聽人之意識的能力。 2.流行音樂多屬非敘述性的形式:其強調對接收者的身體、生理與感官能力之刺激。 3.流行音樂是一種經驗上的形式:音樂是屬于藝術而非科學的領域,是對某一經驗之體驗。 流行音樂:POP MUSIC流行音樂的發展美國的流行音樂作爲歐洲流行音樂的主體,主要是以歐洲及其它國家的傳統音樂、民間音樂以及黑人音樂爲基礎,融合而發展起來的。隨著逐漸演化和發展,又産生出新的種類形式,如爵士樂、廷潘胡同歌曲、鄉村音樂、拉格泰姆布魯斯、搖滾樂等。流行音樂是與嚴肅音樂相對而言的,它不同于嚴肅音樂,因爲嚴肅音樂常具有較深的思想內涵和一些專門的知識層面,需要聽衆運用自己的知識和修養細細領悟、品味。而流行音樂對于聽衆來說,其形式短小、通俗,唱起來上口,並且對于聽衆不需要更多的專門僅依靠對音樂的心領神會與感性認識就能理解。 美國流行音樂具有更多的自娛性與商業性。其自娛性來自非洲的音樂傳統。影響最大的,如爵士樂、布魯斯、搖滾樂等,都起源于黑人音樂。 早年大部分移民從世界各地來到美國,一般地說是出自于自願,他們基本上是願意把自己的文化同美國文化融合在一起。但只有黑人例外。他們是作爲奴隸被迫來到這個國家的。他們身上“除了鎖鏈以外,一無所有,但他們的頭腦中卻牢記著非洲舞蹈和音樂的豐富傳統。”黑人奴隸們在農場勞動時,不允許說話,但可以唱歌。他們依靠自人聽不懂的勞動號子和歌曲相互傳遞信息,交流感情,通過這種表達方式,把他們郁積在心裏的痛苦與不平喧泄出來,從而逐漸形成了具有黑人特點的黑人音樂。黑人音樂在形成過程中也在不斷地發生著變化,這種變化包括汲取白人音樂成分,産生了布魯斯、爵士樂等形式。而最初的搖滾樂就是黑人音樂“節奏布魯斯”,西方也有人把搖滾樂稱作爲“下層階級反抗當局的一種形式”。 1、爵士樂 爵士樂是19世紀末在新奧爾良首先發展起來的。爵士樂形成的主要來源是布魯斯和拉格泰姆。布魯斯的原意是哀怨、憂郁之意,是從黑人的勞動號子演變而來,大部分的布魯斯的歌詞內容是以反映黑人的生活爲主。每段歌詞采用三句的結構形式,第二句重複第一句。在曲式結構上構成AAB的曲式,常用慢4/4拍。其歌曲的音階形式常使用降三音和降七音,切分節奏也比較多。布魯斯的演唱非常自由,演唱者可以根據演唱內容模仿一些其它日常生活的聲音來表現演唱者的情緒。布魯斯歌曲的伴奏樂器一般有吉它、班卓等,後來逐漸加進了其它多種樂器。布魯斯經曆了農村布魯斯、古典布魯斯和城市布魯斯等不同發展階段。 拉格泰姆音樂形式與布魯斯沒有根本上的區別,其最明顯的區別大致有兩點。一是與純粹的布魯斯相比,拉格泰姆似乎是比較“有修養”。當美國黑人音樂家用管樂隊形式演奏布魯斯或拉格泰姆時,一種新的音樂形式就誕生了,這就是爵士樂。 爵士樂自誕生以來,風格在不斷地發生著變化。既有音樂家們對不同風格本身的探索、融合與創新,也有他們對爵士樂商業化現象的不滿而進行的努力。例如,繼20年代的新奧爾良傳統爵士以後,又出現了30年代的搖擺樂、大型樂隊、冷爵士、自由爵士等等。爵士樂的代表人物有路易斯?阿姆斯特朗,他創作的曲目有《西區布魯斯》、《哭泣的威力》等。其它代表人物還有杜克?埃林頓、戴維斯等。從總體上說,早期的爵士樂比較簡單,逐漸才發展成比較複雜。其原因主要是越來越多的受過專業音樂訓練的音樂家們的參與,使得專業音樂創作技巧與爵士樂的創作相融合。盡管如此,以黑人音樂爲基礎的爵士樂特點依然存在,即連續的切分節奏、特殊的樂器音色以及演奏法和表演上即興性等。 爵士樂從它誕生之日起至今,一直存在著爭議,褒貶不一,但爵士樂的影響力已遠遠超越了流行音樂本身。我們在20世紀西方許多嚴肅音樂家的作品中都能找到爵士樂的痕跡。這些音樂家有德彪西、拉威爾、斯特拉文斯基。而美國作曲家格什文的《蘭色狂想曲》、《一個美國人在巴黎》則是把爵士樂融入到現代嚴肅音樂中的典範。 2、廷潘胡同歌曲 19世紀末在美國紐約市第28街(第5大道與百老彙之間)集中了許多音樂出版公司,各公司都有推銷員整天在那裏彈琴吸引顧客,琴聲就像敲擊洋鐵盤子似的,“廷潘”胡同由此而得名。廷潘胡同在美國一度成了流行音樂的集中地,也形成了流行音樂興盛的一個時代,一種音樂風格的象征。它幾乎是沿續了半個世紀。 廷潘胡同歌曲早期的部分作品是沿襲了美國流行歌曲作曲家福斯特的音樂風格,其音樂具有懷舊、感傷的情緒,但大部分歌曲是歡快、風趣、詼諧的情緒,歌詞內容基本上以愛情主題爲主。廷潘胡同歌曲發展到中後期音樂風格和表現形式更爲多樣化,藝術性也有所加強,並且吸收了黑人音樂的節奏特點,其旋律與和聲也趨于複雜化。廷潘胡同歌曲流傳的範圍基本上是城市裏的白人。 3、鄉村音樂 鄉村音樂最早叫山區音樂,這種音樂形式的形成始于20世紀20年代的美國南方各州農業地區。它是英國移民流傳下來的,自然也就帶有許多英國民歌的風格。後來又受到其他民族音樂的影響而發展起來,直到第二次世界大戰以後才開始流行全美國,被稱作爲鄉村音樂。 鄉村音樂的形成初期,其風格帶有較多的鄉土氣息,歌詞內容涉及家庭、戀愛、流浪、宗教等,其歌曲帶有一定的敘述性和分節歌的形式,音樂伴奏常用小提琴、班卓或吉它。 4、搖滾樂 50年代開始流行音樂呈現一種多元化的趨勢。隨著科學技術的進步,電聲樂器的出現以及大批農村居民湧入城市,給城市的流行音樂注入了豐實的鄉村音樂和一些其它民間音樂的新鮮血液,促進了搖滾樂的發展。當時有部名叫《一堆混亂的黑板》的電影引起了社會人們的廣泛注意。此片中有一首叫《震動、嘎嘎作響的搖滾》的黑人“節奏布魯斯”的主題歌,它的流傳標志著後來風靡世界的搖滾樂的産生。 搖滾樂的主要音樂風格是黑人音樂與南方白人的鄉村音樂的融合。其形式以歌唱爲主,音樂用電吉它、薩克斯、電貝司、鍵盤樂以及爵士鼓伴奏。搖滾樂明顯的特點是持續不斷、向前推進的舞蹈節奏,由爵士鼓奏4/4拍中的第一和第三拍,其它樂器如電吉它等奏第二和第四拍組成。 早期搖滾樂歌手有普雷斯利、貝裏、多米諾、劉弗斯、埃弗利兄弟等。19 6 4年,英國“披頭士”樂隊(也有人譯作“甲殼蟲”樂隊)首次在美國做訪問演出,引起狂熱反應。他們的演唱主要內容是表現愛情,也有反戰、反暴力等內容。正好當時美國國內反越戰、反種族歧視浪潮湧現,搖滾樂在這一浪潮中起了很大的作用,60年代成長起來的美國人,很少有與搖滾樂不發生聯系的。搖滾樂的歌聲影響了現代美國人的藝術趣味。70至80年代在美國形成的著名搖滾樂隊有蓬克、滾石、索爾、重金屬、雷普、波普等。其搖滾樂的著名歌星有邁克爾?傑克遜、珍妮特?傑克遜、休斯頓等。 1.19世紀音樂發展的社會背景。 第一,歐洲資本主義的進一步發展促使文藝格局的面貌發生了變化。19世紀上半期歐洲一些國家如英、法、德意志、意大利、奧地利等國都在不同程度地進行工業革命,大機器生産推動了資本主義的進一步發展,資本主義力量日益壯大。資本主義經濟的發展促使音樂藝術逐漸從封建主義的束縛和教會的壓抑下解放出來,開始走向更廣闊的社會階層,更深刻地表現人性,反映更加豐富的社會生活。 第二,各國面臨不同的社會問題使音樂的發展呈現出多樣性和民族性。19世紀的歐洲經曆了拿破侖戰爭、維也納體系的建立、1848年革命、19世紀六七十年代的資産階級革命和改革等重大事件,這期間由于國情不同各國亟待解決的社會問題也有所不同:法國需要進一步深化和鞏固資産階級革命已取得的成果;德意志、意大利需要完成國家的統一;俄國需要消滅農奴制發展資本主義。而東歐地區許多弱小和落後的國家則要完成反抗外來壓迫反對本國封建統治的民族民主革命的任務。在這種形勢下,具有民主主義思想的音樂家把對現實的不滿和困惑以及自己的追求傾注在音樂的創作中,使音樂的發展呈現出了多樣性和民族性。 2.19世紀的音樂流派與傑作。 第一,歐洲浪漫主義音樂。教材介紹了浪漫主義音樂的興起和發展、主要特點以及代表人物及其作品。 1)興起和發展。浪漫主義音樂是在浪漫主義文學的影響下于19世紀初興起,以奧地利和德意志爲中心。19世紀中期走向鼎盛時期。 2)主要特點。浪漫主義音樂與19世紀以前的古典主義音樂不同。古典主義音樂崇尚理性、重視規範、要求感情的節制和形式,而浪漫主義音樂一則著重感情的抒發和個性化的心理刻畫、注重音樂中的詩情畫意,感情熱烈而奔放。二則在音樂作品中大量弘揚民族特性,形成了各具特色的民族樂派。 3)代表人物及其作品。 浪漫主義音樂家燦若群星,他們給後人留下了許多不朽之作。德意志的貝多芬是維也納古典樂派及向浪漫主義樂派過渡時期的代表,有“樂聖”之稱。其作品題材十分豐富,有鋼琴奏鳴曲、交響樂和室內樂等,如《悲愴》《月光》《田園交響曲》《英雄交響曲》《命運交響曲》等都被列入世界名曲。奧地利的舒伯特不到20歲就開始了自己的音樂創作生涯。一生創作了600多首藝術歌曲,被稱爲“歌曲之王”。《小夜曲》是其代表作品之一。此外還創作了交響樂、室內樂和鋼琴音樂等作品。奧地利的小約翰?施特勞斯不到7歲就寫出了第一首圓舞曲,他創作的《藍色多瑙河》《春之聲》《維也納森林的故事》等圓舞曲聞名于世,有“圓舞曲之王”之稱。法國的柏遼茲是浪漫主義標題交響曲的創立者,代表作品是《幻想交響曲》。這是一部有文學標題的、浪漫主義的和帶有自傳性的作品,它的副標題是“一個藝術家的生活片斷”,五個樂章的情節線索通過比較詳細的文字標題提供給聽衆。《幻想交響曲》受到貝多芬的《田園交響曲》的很大影響,表現出更鮮明的浪漫主義特征。 浪漫主義音樂在歌劇中也取得了輝煌成就。意大利羅西尼的作品旋律優美、技藝精巧。他還是美聲唱法的開創者。威爾第的音樂作品具有崇高的愛國主義思想、富有民族特色,對當時意大利民族意識的覺醒起了巨大作用,人們尊稱他爲“意大利革命的音樂大師”。其代表作品《茶花女》是名揚世界的巨作。普契尼的音樂除直接采用各國民歌外,還善于使用新手法。如《圖蘭朵》中就采用了中國民歌《茉莉花》。代表作品還有《蝴蝶夫人》等。法國的比才的代表作品《卡門》是世界最優秀的歌劇作品之一,淋漓盡致地體現了法國音樂追求精巧形式的特征,具有鮮明的浪漫主義色彩。德意志瓦格納的作品極有獨創性。他用近20年的時間完成的巨作《尼布龍根的指環》具有鮮明的德意志民族特色。 第二,民族樂派:民族樂派出現于19世紀中後期的俄國和東歐地區。民族樂派的作曲家在音樂創作中著重以本民族的民歌、民間舞曲爲素材,采用本民族的英雄史詩、神話傳說和人民解放鬥爭事跡爲題材,並且將民族音樂的鮮明特點和古典主義音樂的優秀傳統以及浪漫主義音樂的藝術風格緊密地結合起來,創作出大量既有獨特藝術個性和民族感情,又有強烈藝術生命力的作品。他們通過自己的音樂創作,熱情地歌頌自己偉大的祖國、民族和人民,反映了他們的愛國主義思想和內心強烈的民族責任感。俄國民族樂派的主要代表人物是“俄羅斯音樂之父”格林卡和“俄羅斯樂聖”柴可夫斯基。格林卡是俄羅斯民族樂派的奠基人。他創作的俄國第一部民族歌劇《伊萬?蘇薩寧》描寫了一位俄國農民把波蘭軍隊引入歧路而光榮犧牲的故事,是一部愛國主義的歌劇。柴可夫斯基的作品著重內心刻畫,旋律和配器富于表現力。《天鵝湖》《胡桃夾子》至今仍煥發著生命力,受到人們的喜愛。 第三,美國音樂的發展:19世紀末,美國經曆了南北戰爭和第二次工業革命,迅速成爲資本主義強國。經濟的發展給人們帶來豐富生活的同時也促使音樂的長足發展。福斯特的歌曲《淡褐色頭發的珍妮》、蘇薩的進行曲《星條旗永不落》等作品,既表現了美國國力不斷上升時的情懷,也體現出美國文化的多元融合特點。 教學建議:19世紀的音樂以浪漫主義音樂爲主。教材介紹了各流派的代表人物及其傑作,它們幾乎都是世界級音樂大師和世界名曲。建議教師在教學中可以選擇播放風格不同的幾個音樂片段,讓學生體會音樂的語言並在鑒賞中比較分析其特色和浪漫主義音樂的共同特點。 第二目“20世紀世界的音樂發展”主要介紹了流行音樂的發展和當代世界音樂的發展方向。 1.20世紀現代主義音樂興起。20世紀世界經濟的迅速增長和第三次科技革命的迅猛發展,不斷改變著人們的生活、心理和思維方式,這些推動了音樂的進一步發展,現代主義音樂興起。在衆多的流派中,流行音樂脫穎而出。 2.流行音樂的發展及評價。 第一,流行音樂發展的三個階段。(1)一戰後至二戰前流行音樂的主流是爵士樂(Jazz)。爵士樂是十九世紀末二十世紀初發源于美國南部新奧爾良的一種流行音樂,是美國黑人從非洲帶來的傳統音樂與歐洲音樂長期融合的産物。爵士樂風格多樣、節奏性強,主要樂器是小號。爵士音樂不僅影響了其他流行音樂的形式,也影響了嚴肅音樂的創作。(2)二戰後的流行音樂中有搖滾樂、藍調和新的爵士樂“比博普”。其中搖滾樂(Rock&Roll)成爲主流,原因有二:一是二戰後音樂中電子技術的發展;二是新時代大衆心理和思維方式的變化,尤其是青少年對突破傳統的渴望。搖滾樂源于美國,是黑人音樂的節奏與白人鄉村音樂和西部音樂的有機結合。搖滾樂強烈的節奏、以愛情爲主題且簡單直白的歌詞以及演奏者身背吉他邊歌邊舞的演唱形式、奇特的裝扮強烈地吸引著戰後的新一代青年。搖滾樂的代表人物是美國的“貓王”普萊斯利。英國的“甲殼蟲”搖滾樂隊也是風格獨特的搖滾樂代表。他們的演奏對以後的搖滾文化産生了巨大影響。當時人們對搖滾樂的評價不一。【學思之窗】提供了不同的說法。教師可以組織學生進行討論。(3)70年代以後,音樂風格更加多樣,表現在具有即興性、強調借助和運用電子手段、注重話筒的操縱技術、商業化傾向日趨明顯。流行音樂的發展日益走向繁榮。 流行音樂起源于歐洲。他包括所有民間音樂種類,發展風格也不受局限性,它是隨著當時社會的發展而不斷産生變化的。 19世紀隨著歐美國家工業文明的興起,大批農業人口進入城市,構成早期的産業工人,城市人口結構發生了變化。産生于勞工階、中下層市民中的新興文化形式,就是早期的流行音樂。在當時,反映懷念故鄉,眷念鄉村生活的音樂題材,正好表達了那些遠離家鄉、親人來到陌生環境求生存人們的心裏狀態和純樸的思想感情。 早期流行音樂來自于黑人音樂。他們以口傳心授及與白人之間的私人交往,逐漸形成了一種特有的音樂形式,這就是當時的流行音樂。 不管是黑人靈歌、靈魂音樂、節奏藍調又“節奏布魯斯”〔就是我們所說的R&B〕、搖滾音樂,甚至是爵士樂本身,它們的根源都可以追溯到由非洲傳來的黑人音樂 布魯斯(又譯勃魯斯、藍調)是一種基于五聲音階的聲樂和樂器音樂,它的另一個特點是其特殊的和聲。布魯斯起源于過去美國黑人奴隸的聖歌、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和頌歌。布魯斯中使用的“藍調之音”和啓應的演唱方式都顯示了它的西非來源。布魯斯對後來美國和西方流行音樂有非常大的影響,拉格泰姆、爵士樂、大樂隊、節奏布魯斯、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲,甚至現代的古典音樂中都含有布魯斯的因素或者是從布魯斯發展出來的。[1]在詩歌裏這個詞常被用來描寫憂郁情緒。 布魯斯(英語:Blues,藍色、藍色的)一詞是與“藍色魔鬼”(Blue devils)一致的意思,意思是情緒低調、憂傷、憂郁。早在1798年喬治?科曼就寫過一部名爲《藍色魔鬼,一幕滑稽戲》的滑稽戲。19世紀裏這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉?克裏斯托弗?漢迪的《孟菲斯布魯斯》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。 hip pop : Hip-Hop的根源是二十世紀七十年代初,美國整體的經濟狀況改善,一貫被歧視的黑人終于初步獲取了自己的社會地位,建立了屬于自己的社區.但是對黑人來說歧視依舊存在,貧窮依然深深地壓迫著他們,他們要想改變自己的生存狀況,必須利用天賦的本錢.黑人有兩大天賦:一是運動,二是音樂.從爵士樂到搖滾,如今是RAP.一個黑人最容易出人頭地的方法就是打籃球,否則就是搞音樂.而Hip-Hop的定義也是由五個部分構成的,它們分別是:音樂,舞蹈,塗鴉,刺青和衣著.它們的出現並不是一天的事情,而是在漫長的發展過程中漸漸成型,並確立門派的. 70年代Hip-Hop開始發展之時,被分爲1. D.J 2. M.C 3. Dancer 4. Graf 四大部份。 在我們提到Hip-Hop的曆史之前,大家要知道這四大部份是Hip-Hop文化裏所不可或缺的,而其中和音樂最有密切關系的便是D.J和M.C。D.J和M.C是一起工作的搭擋,一位好的D.J用兩臺唱機再加上兩張Beat唱片,就可以玩出一些簡單的音樂節奏,而在這時候會有兩種人立即産生一些反應,一個就是M.C,再來就是Dancer了。M.C的嘴巴開始念出他所想到的Rap,內容多爲不滿情緒的抒發或談及一些日常生活的瑣事。而Dancer則開始用身體來表達出他想說的舞。再來就不用說了,就是要解釋Graffti,我想如果你有學習畫畫的話,一定非常想要讓過往的路人欣賞到自己的作品,對吧? Graffti Art ( 亦即使用噴漆在街頭的牆上或火車的車廂.....等地方作畫 ) 就是屬于此種心態的表現。 Hip-Hop 在20世紀70年代末和80年代初創于紐約的窮困工薪階級的黑人民族中。它彙集了非洲音樂、美洲音樂和藝術文化。Hip-Hop是一種由多種元素構成的街頭文化的總稱,它包括音樂、舞蹈、說唱、DJ技術、服飾、塗鴉等。在創始之初,Hip-Hop文化由四大元素組成:DJ、MC、StreetDance、Graffiti。這一時期的Hip-Hop稱之爲Old School Hip-Hop。 當Hip-Hop在90年代大紅大紫之時,許多不同的風格在New School年代萌生出來。Hip-Hop不僅是城市黑人貧民窟中産生的音樂,更成爲代表城市黑人貧民的呼聲。說唱音樂家們開始描述他們或他們身邊人們的艱辛生活。 “Hip-Hop”這個詞是一個新興的音樂流派的類別,它自出現到發展至今,已經不僅僅代表了單一的音樂類別,Hip-Hop在2000年的世紀之交,已經發展成爲一種新興生活方式的代名詞,其中包括:音樂、服裝和行爲方式等。屬稱街頭文化!在整個Hip-Hop的文化中,服裝要算是最出彩的一部分了。典型的著裝包括:寬大的印有誇張Logo的T恤,同樣寬大拖遝的板褲或者是側開拉鏈的運動褲、籃球鞋或板仔鞋、高爾夫球帽或者是棒球網帽、各國風格的包頭巾、頭發染燙成各異或編成小辮子。而相應的配飾則有:紋身、銀質耳環或者是鼻環、墨鏡、MD隨身聽或者是MP3、滑板、背包等。這些零星的服裝湊在一起,就組成了在美國風靡了整整20年的Hip-Hop時尚。Hip-Hop是街頭的文化,是一種生活態度。他與同是街頭文化的滑板、小輪車等極限運動有著親密的關系。 Hip-Hop一族具有共同的行爲方式,即使互不相識,你也能從他的外表準確地判斷。Hip-Hop已經有二十歲了!從八十年代初到公元二千年,從Old school到New school,從沒有人喜歡刮唱片到人人爲街頭音樂而瘋狂,這一種文化帶給這個世界的沖擊,超出了人們的想象。二十年來,Hip-Hop文化在美國植下了根,成功的結合了娛樂、商業、音樂甚至政治。它是一個獨立而有色彩的團體意識,它是堅固而難以取代的文化形式,它不只是我們常常說的“黑人音樂”,也不是只帶著手勢口裏喊著“Check it out”,更不只是流行歌手主打樂風奏藍調。Hip-Hop文化就是Hip-Hop文化,它有著人一樣的性格情緒長像。 簡單地說,Hip-Hop有四個重要的成份。 B-BOY 其實B-Boy(Breaking Poping Locking)的開始早在1983年就已經有了。在那時候,我們稱之爲“霹靂舞”。但,這種于國外的文化,目前在國內還只能稱作爲一種“流行”無法融入真正的生活,所以迄今仍無法將之延續下去,而且當時信息有限,能真正了解此文化的人並不多,正因爲如此,對于這種文無法完善地教授給下一代,所以到了1987年Breaking,就形成了一種沒落的狀態甚至淪爲一種過時的流行話題。“霹靂舞”在國外理所當然是種文化,但到了國內卻沒幾年就變成了曆史。 雖然Breaking停擺了一段時間,但是在八十年代末九十年初卻出現了許多新的舞蹈團體(此時Old School已漸漸形成New School)。其實國內在這個階段的舞蹈類型還沒有分得很清楚,玩地板Breaking的人變少,而是以Locking、Poping爲主,這時信息的來源是日本。在九十年代中的時候New School興旺,Oldschool也大有人在,但真正能持續下去的人並不多,在此時期存在的幾乎都是老面孔。到了九十年代末期,“街舞”的風潮興盛,才有再度引起了媒體的注意。 街舞屬于勁舞,動感十足,動作幅度大,要求舞者體質好。像單手倒立、前滾翻、大風車轉、背旋等動作,屬于難度系數高的表演,街舞少年必須保持足夠的體力支撐,以及擁有堅強的意志和勇氣。 Graffiti 我們經常在黑人電影中常看見車站地鐵甚至火車廂外被畫上一些奇形怪狀的字,那就是噴畫與塗鴉。這些色彩鮮明的圖案,代表了畫家對于自己的立場或是對社會的看法、現象等等。然而利用噴漆瓶並不簡單嗎,真正的噴畫家是把噴漆瓶當作畫筆,在原本不可能出現畫作的牆上、地上等地方作畫。出名的噴畫家更可以跟服裝結合,掀起服飾流行風氣。依照風格、字體及色調的不同,世界各地的噴畫家,各自設立自己的文化及天地,正符合了Hip-Hop獨一無二且無法模仿的精神。 塗鴉少年以噴漆作畫于牆上,用以表達其所想宣告的意念、想法或是幫派用以劃分地盤;從60年代末發源至今,漸漸成爲一種街頭藝術。 塗鴉少年之間相互進行塗鴉競賽,比誰的作品多,誰的名頭響。他們在所有可能的公共場所將自己的名字或筆名“塗”在顯眼的位置,以此表達對成人權威的蔑視。他們手持裝滿顔料的噴槍同警察捉迷藏,這些顔料常常是偷來的。 他們在市區的牆上塗抹帶有神秘色彩的句子,粗魯的骷髏狀的人像、帶有原始面具色彩的面孔、以及孩子遊戲中含有猥褻意味的姿勢。塗鴉作品是可視的說唱樂和爵士樂,是對視覺藝術的原創性貢獻。作爲大衆主義觀念的擴展,塗鴉藝術家大量生産了素描、印刷品、油畫、雕塑、壁畫、T恤、鈕扣和旗幟。 2001年,時尚設計師們不約而同地向Hip-Hop流行文化取經,從衣服、裙、高跟鞋以及手袋上,都能找到黑白或七彩的塗鴉風格作品。 DJ DJ在Hip-Hop領域裏,無庸置疑占了極重要的角色。因爲不管是B-Boy或者是MC,都需要DJ來輔助,否則等于是瞎子一樣。 在美國1967年時,有位從牙買加金斯頓移民到美國紐約布朗士區的傳人物,叫做Kool Herl,當時是他最早把兩個唱盤(turntable)及混音器(mixer)擺在一起,及獨創“刮唱片”(scratch)的動作。所以當時吸引了很多的人在街頭欣賞他表演。然而他在一次的酒吧鬥毆中不幸失去雙手,被譽爲“The founding Father of Hip Hop”的Herl不得不停止表演並退出了樂壇。隨後,更多DJ紛紛成名,如:Afrika Bambaataa、Grand Master Flash等人,他們把自己的DJ想法及先進的技巧,融入音樂制作,産生了當時紅遍街頭巷尾的舞曲,如:Plant Rock、The Message……等。 所以DJ發展至今,已並非是純粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在這幾年的趨勢中,DJ已跨越到音樂制作領域,不少還親自擔綱制作人,如樂隊Pete Rock & C.L. Smooth,Pete Rock即是該樂團的DJ兼制作人,樂隊Gangstarr的DJ Premier也是如此。國內DJ的角色尚未被重視,是因爲國內樂界認爲DJ並無正規的音樂素養,所以做出的作品也是上不了臺面的;但無論如何,DJ本身的想法及先進的技巧,是值得餓肚子也要繼續的“信仰”。 在一般人的印象當中,常見“DJ”常常會把手放在唱盤(turntable)上的黑膠唱片(LP)來回刷動,另一只手在混音器(mixer)上的CROSS FADER(控制左右唱盤的聲音)反複不停地切換。其實這種動作正確名稱叫做“Scratch”。Scratch是一種在節奏中或一首歌曲裏做類似唱歌般的組合,然後增加其變化性。然而不只是單單有“scratch”而已,還有一種用2張一樣或是不一樣的唱片,也是在一定的節奏上,去做變化,而這個技巧稱爲“Battle”。這兩種技巧都是“Hip-Hop DJ”比較常使用的方式,然而在“scratch”和“battle”裏,沒有一定的規範,每一位DJ都有自己的特色(free style)。其實,它們在國外已經風行20余年,自成爲一種特殊的文化了,而且還有舉辦一些大大小小的比賽,其中就有極具公信力的比賽,叫做“DMC”。它源自于八十年代初,當時是由一群熱愛音樂的DJ俱樂部(類似行會的組織)名叫“D.M.C”(DJ Mix Club)。一直到現在,D.M.C在世界各地(美、英、加、澳洲、日本、香港等等)幾乎都有舉辦比賽。然後再由每個地區的冠軍,一起比賽爭取世界冠軍(類似奧林匹克的比賽模式)。在比賽裏每個DJ一直都把自己最好、最新的技巧,在比賽中展現在來。在D.M.C裏也造就了不少知名的DJ,像“Mixmaster Mike”、“Q-Bear”和香港的“DJ Tommy”等等。目前在國內這種類型的DJ一直以來都是存在的,只是他們發展的空間太小了,參與的人相對也就越來越少了。所以不管是哪一種類型的DJ,沒有一個群體的支持,他們是不可能發展下去,最後形成一種新文化的。 MC MC就是最能帶動氣氛的那個人,但這不一定是黑人。“MC”的原義Micphone Controller,也就是“控制麥克風”的人。所以有許多的人饒舌歌手都會給自己的藝名前面加個“MC”什麼什麼的,比如前幾年很出名的MC Hammer。經過多年的傳承,現在的MC需要具備多方面的能力,比如要能帶動氣氛,能主持、能RAP、能即興饒舌(free style)。他不只是表演者,也兼俱了Hip-Hop文化的訊息傳達者的功能,所以從他的表演內容和形式尚可分不同域及派別的表演型態,例如東岸、西岸、非主流等。當然,一個具有鮮明個人色彩的MC,更能進一步的帶動口頭禪、音樂以及服裝的流行,這點也可以由那麼多的黑人歌手代言服飾品牌窺見一二。在國內,當MC是很不容易的,因爲國內尚沒有那麼多的制作人支持這種表演類型,頂多在PARTY上看見表演會覺得新鮮,但是以目前情歌滿天飛的情形看來,要發動RAP的市場比較難。從R&B著手會容易得多。但是目前能在自己的作品中加入一些旋律及唱功的MC,在國內少之又少。其實,大部份的MC還是希望大家能以“玩”的角度出發,才是黑人音樂真正的元素。唯有充滿喜感、快樂。才能在目前“情歌至上”的音樂市場中,求得發揮的空間。 R&B R&B的全名是Rhythm & Blues,一般譯作"節奏怨曲"。廣義上,R&B可視爲“黑人的流行音樂”,它源於黑人的Blues音樂,是現今西行流行來和搖滾來的基礎,Billboard雜志曾介定R&B爲所有黑人音樂,除了Jazz和Blues之外,都可列作R&B,可見R&B的範圍是多麼的廣泛。近年黑人音樂圈大爲盛行的Hip-Hop和RAP都源於 R&B,並且同時保存著不少R&B成分。 RAP 說唱樂的起源可以追溯到黑人音樂根源中吟詠的段落中,到了70年代說唱樂正式確立了自己的風格,其中最主要的功勞要歸根于當時流行的迪斯科舞廳中的DJ們,他們將黑人當時正在風行的FUNK節奏混入流行的迪斯科節奏中,並且在唱片機上反複重複同一張的唱片的內容,做自己的LOOPS,隨著那些在現在廣爲人知和DJ們普遍應用的“打碟”法出現,說唱開始被街頭黑人文化所流傳,並且衍生出相當豐富的分支,諸如西海岸說唱樂(West Coast Rap)、南部說唱樂(Southern Rap)、流行說唱樂(Pop Rap)、老派說唱樂(Old Schold)、中西部說唱樂(Midwest Rap)、拉丁說唱(Latin Rap)、硬核說唱(Hardcore Rap)、黑幫說唱(Gangsta Rap)、外來說唱樂(Foreign Rap)、東海岸說唱樂(East Coast Rap)、過渡說唱樂(Crossover Rap)、喜劇說唱樂(Comedy Rap)、基督教說唱(Christian Rap)、另類說唱樂(Alternative Rap)等等,我們現在所謂的Hip-Hop正是由這些流派綜合了當今流行元素而誕生的新詞彙。盡管早在90年代初期就有人認爲這種絮絮叨叨,滿是髒話粗口,叛逆詞語的音樂會很快消失,而事實上,在90年代末,隨著一批新進的說唱樂手和以白人爲主的說唱搖滾的風行,曾經被黑人拋棄的音樂又重新回到了流行音樂的前端,至少在新世紀的現在,這個風潮還不會消退 RAP是美國黑人音樂中的重要組成部分,是街頭文化的主要基調,是世界流行音樂中的一塊“黑色巧克力”。 鄉村音樂 這個名字是20世紀20年代在美國出現的,它的源流很廣。那時歌曲的內容,除了表現勞動生活之外,厭惡孤寂的流浪生活,向往溫暖、安寧的家園,歌唱甜蜜的愛情以及失戀的痛苦等都有。 在唱法上,起先多用民間本嗓演唱,形式多爲獨唱或小合唱,用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。 鄉村音樂的曲調,一般都很流暢、動聽,曲式結構也比較簡單。多爲歌謠體、二部曲式或三部曲式。 在服飾上也比較隨意,即使是參加大賽及音樂廳重要場合演出,也不必穿演出服,牛仔褲、休閑裝、皮草帽、旅遊鞋都可以。 1925年,美國田納西州納西維爾建立了一家廣播電臺。他們開辦了一個"往昔的歌劇--老鄉音"的專欄節目。邀請了一位名叫傑米?湯普森的81歲的民間歌手演唱,節目受到聽衆們的熱烈歡迎。從此,人們統稱這種音樂爲"鄉村音樂"。鄉村音樂成爲美國勞動人民最喜愛的音樂形式之一。在美國,"藍領"指的是下層人,故這種音樂又稱"藍領音樂"。 納西維爾電臺自開辦"往昔的歌劇--老鄉音"節目之後,延續數十年,成爲該臺傳統名牌節目。而納西維爾市也被公認爲"美國鄉村音樂的白宮",所有鄉村歌手都視之爲"鄉村音樂的聖地"。 五十年代,鄉村音樂來到大的城市,受其它樂隊的影響,加進了鋼琴及其它樂器和電聲擴音,那時人們對這種音樂叫"納什維爾"。由美國國家錄音藝術學院舉辦的"格萊美獎"是其中最高獎項。 鄉村音樂的兩個最重要的組成部分是弦樂伴奏(通常是吉他或是電吉他,還常常加上一把夏威夷吉他和小提琴)及歌手的聲音。鄉村音樂拋開了在流行樂中用得很廣的“電子”聲(效果器)。最重要的是,歌手的嗓音是鄉村音樂的標志(民間本嗓),鄉村音樂的歌手幾乎總有美國南部的口音,至少會有鄉村地區的口音。 然而,與音樂本身同樣重要的是音樂所包含的內容,而在這一點上,鄉村音樂與流行樂、搖滾、說唱樂以及其他流派非常不一樣。鄉村音樂後一般有八大主題:一、愛情;二、失戀;三、牛仔幽默;四、找樂;五、鄉村生活方式;六、地區的驕傲;七、家庭;八、上帝與國家。前兩個主題絕不是鄉村音樂所獨有的,但是後六大主題則把鄉村音樂與其他的美國流行音樂流派區分開來。簡而言之,鄉村的人們有他們自己的幽默感;喜歡牛仔風格的瘋玩;以一種與城市人很不同的方式生活;以自己所在的鄉鎮、州、地區爲榮;極爲重視家庭;不羞于表達宗教情感與愛國情感。這些主題使鄉村音樂有別于諸如小甜甜與N-Sync的音樂。 鄉村音樂所包含的內容往往最吸引美國南部與西部鄉村的白人。作爲群體,鄉村音樂的聽衆往往是農民和藍領,他們通常比美國平均水平窮點兒,在政治與社會問題上也更保守一點。http://baike.baidu.com/view/7752.html?tp=0_11?女神卡卡:女神卡卡(原名:Stefani Joanne Angelina Germanotta);中國大陸作嘎嘎小姐,亦有譯為蕾蒂嘎嘎者。[1][2];1986年3月28日-),美國歌手,作曲家,出生於美國紐約揚克斯。2006年,Gaga在自紐約大學輟學之後,簽約Interscope Records成為作曲人。她初踏入業界是純粹擔任幕後作曲者,曾為布蘭妮、菲姬、小野貓、街頭頑童合唱團 、阿肯等知名歌手作曲。同時,她開始在紐約俱樂部演奏。當阿肯發現Gaga同時具有幕前演唱的實力後,他簽約Gaga到自己的唱片公司Kon Live Distribution旗下,自此她開始籌備首張個人專輯。2008年,Gaga開始和一個名為「Haus of GaGa」的集團合作,同時發佈了自己的首張個人專輯《The Fame》,她自己解釋此專輯為「有關讓所有人都能感覺到如何著名。」這張專輯在英國和加拿大等國家取得巨大成功,同時取得評論界的一致好評。迄今為止這張專輯催生了全球性的第一單曲《Just Dance》(獲得第51屆葛萊美獎的最佳舞曲提名)以及《Poker Face》,兩首歌曲均登上Billboard單曲榜冠軍。在參與街頭頑童合唱團和小野貓演唱會的表演後,Gaga亦展開了自己的《The Fame Ball Tour》。Gaga受到很多時尚的影響,她挑釁意味的時裝風格受到好評,同時亦對很多名流有所影響。音樂上,她受到了大衛·鮑伊和皇后樂團的啟發,同時也受到流行歌手如瑪丹娜和麥可·傑克森的影響。[編輯] 1986年-2005年:早期生涯Lady Gaga生於紐約州揚克斯城的一個義大利家庭。她的父親,Joseph Germanotta,是一位網際網路企業家,她的母親,Cynthia,是一位通訊助理。她是他們的長女。當Gaga11歲時,她原本要被送到曼哈頓的茱利亞音樂學院就學,但後來她進入了天主教學校聖心學校就讀。Gaga在4歲時聽著鋼琴聲學習鋼琴,她在13歲的時候寫了自己的第一首鋼琴敘事曲,並且在14歲時開始在晚間表演。在她17歲時,她獲得紐約大學Tisch School of the Art的提前錄取,她在那裡學習音樂。她透過寫小品散文及分析性質的報告,來使自己的作曲著重於藝術,宗教和社會政治等題材。之後她自紐約大學退學,以專注在音樂事業上。在20歲時,她開始在Interscope Records寫歌,並為Pussycat Dolls等流行歌手寫歌。在她搬出父母的房子後,Lady Gaga開始在城裡表演,在下東區她和Mackin Pulsifer和SGBand同臺演出。寄希望於從典型的搖滾歌手中脫穎而出,她選擇集中自己的注意力於流行音樂。當說到她父親對她吸毒和在脫衣舞表演的反應,「他多個月來對我不理不睬…我當時穿著皮革拖鞋,他覺得很難過——他無法理解。」同時,Gaga愛上一位名叫Luke的重金屬鼓手。在2009年5月的滾石雜誌上,Gaga描述了他們的關係和他們的分手「I was his Sandy, and he was my Danny, and I just broke.」她這樣說。後來他成為她首張專輯的創作靈感之一。音樂製作人Rob Fusari將她的聲音及曲風和英國著名樂團皇后樂團的主唱佛萊迪·摩克瑞相提並論,便以1984年Queen的單曲〈Radio Ga-Ga〉來暱稱其為Gaga。她便以Gaga為其早期的藝名,而後成為Lady Gaga。Fusari也幫助她創作了一些她的早期熱曲,如〈Disco Heaven〉,(Dirty Ice Cream)和〈Beautiful, Ditry, Rich〉。[編輯] 2006年-2007年:事業起步?Gaga曾在早年時於餐廳表演Gaga在19歲時曾簽約Def Jam,那是因為音樂監製L. A. Reid在辦公室聽到她在走廊的歌聲。然而Gaga說Reid從未和她見面。「我常常在他的辦公室外等好幾個小時,希望他和我談談我音樂的事情,但那從未發生過。」,Reid在三個月後捨棄了Gaga。她停步了幾年,直到2008年製作人Vincent Herbert簽她到Interscope。被她敏銳的發現音樂的能力所震撼,很多藝人雇傭她寫歌,包括Akon的Konvict品牌,同時也有菲姬,小野貓,布蘭妮和New Kids on the Block。Gaga在2007年初獲得了Interscope主席Jimmy Iovine的欣賞。他為她通過Streamline/Interscope提供了一個品牌,同時促使她和Akon的合作關係。在Akon聽到他專輯之中一首Gaga所唱的Demo後,他意識到Gaga同時具有演唱的天分。Akon最終和Jimmy達成協定,將她簽約到自己的公司Kon Live Distribution下。在2007年,Gaga和和她名字相似的下東區搖滾DJ,go-go舞蹈家,表演藝術家Lady Starlight合作,她幫助Gaga確立了她在舞臺上的時尚造型。這對組合開始在城裡的酒吧如Mercury Lounge, The Bitter End和Rockwood Music Hall演出,她們現場表演,也有「女神卡卡 and The Starlight Revue」。號稱「The Ultimate Pop Burlesque Rockshow」她們的行為帶有一種低調的向1970年代致敬的味道。在2007年8月女神卡卡 and The Starlight Revue被邀請在美國音樂節Lollapalooza表演,她們狂野的表演使觀眾大為震驚。這場表演廣受好評,她們的表演受到了很多積極評價。最初,專著於前衛,電子舞曲音樂,Gaga發現了自己的音樂風格,她開始將流行音樂的經典旋律和華麗搖滾樂如David Bowie和Queen的音樂混合起來。「David Bowie和Queen是我的主要的靈感來源…直到發現他們之前我都不知道怎樣進展。」Gaga說。「當我在紐約的俱樂部演唱時,很多唱片公司認為我太戲劇化了,但我去面試舞臺劇的時候,製作人又說我太Pop了。」通過她和Akon的關係,她開始和製作人RenOne製作自己的首張專輯。已經有堅實的electro基礎,David Bowie的風格,受Queen所啓發的音樂,Gaga希望用城市的旋律對她的復古舞曲進行混音,雖然是流行歌曲但遊走在搖滾的邊緣。他們製作的第一首音樂是M?tley Crüe的熱門曲〈Girls, Girls, Girls〉和AC/DC的〈T.N.T.〉的混合。[編輯] 2008年-現今:The Fame&The Fame Monster2008年,Lady Gaga來到洛杉磯,和她的唱片公司合作完成她的首張專輯《The Fame》。「《The Fame》是有關讓所有人都能感覺到如何著名。」,她解釋到。「流行文化是一種藝術。痛恨流行文化並不能讓你變酷,於是我擁抱了他,而且你能在《The Fame》中感覺到。但這是一種可分享的名望。我想邀請你們所有的人加入這個派對。我希望人們感覺到他們自己生活方式的一部分。」為了這張專輯,Lady Gaga說自己「嫁給」了不少風格,「從Def Leppard鼓和掌聲到金屬鼓和城市音樂。」Lady Gaga開始和一個名為「Haus of GaGa」的集團合作,他們以她作為時尚,舞臺表演和音樂繆斯。「在這個產業中,你有很多造型師和製作人,但是我有自己的創意團隊,在仿造成Warhol工廠的地方。每個人都不到26歲,我們都一起做所有的事情。」《The Fame》得到了大多數評論人的好評,Metacritic的音樂評論給了一個平均70分的評價。Times Online描述這張專輯為「Bowie風格的奇妙混音,戲劇化的,受Queen激發的Midtempo和追逐名利的富有孩子的舞曲。」這張專輯的首張單曲〈Just Dance〉在2008年4月8日發佈,並且在7國取得了第一。在其中的美國,〈Just Dance〉在10月開始接受廣播播放,並且在2009年達到第一,成為Gaga的第一張美國冠軍單曲,至今全球銷量高達七百九十萬張。第二張單曲〈Poker Face〉在2008年9月29日發佈,並且在20國成為冠軍單曲,幾乎所有世界上的音樂市場都包括在內。在2009年4月的告示牌Hot 100,〈Poker Face〉成為Gaga的第二張連續冠軍單曲,至今全球銷量已達九百二十萬張。而此後的專輯第三波主打Love Game第四波主打Paparazzi也順利擠進Hot 100前十名名單中,以發行單曲全球總銷量至今已突破三千萬張。《The Fame》在奧地利,不列顛,加拿大和愛爾蘭取得第一,在澳洲取得第四。隨後Haus of GaGa開始把注意力轉移到美國市場,Gaga開始她的初次巡演和Interscope的夥伴Pop組合,重組的New Kids on the Block。在2008年10月8日Gaga開始和New Kids on the Block在洛杉磯有少量的合作直到11月末。她作為嘉賓出席在他們的演唱會上,演唱了他們新專輯《The Block》中的〈Big Girl Now〉。在2008年10月末,Gaga在美國發佈了《The Fame》,並且首戰登上告示牌Top 200的17名,首周銷量24000張,迄今美國告示牌Top 200最高已達到第4位。美國銷量至今也已達200萬張,在十大主要國家唱片總銷量統計更是突破610萬張,而《The Fame》全球總銷量估計也以突破800萬張。在2008年12月5日,Gaga被添加到BBCSound of 2009,一個專門介紹新人的列表。Gaga被確認為小野貓從2009年1月到5月,在歐洲和大洋洲的巡演演唱會上的嘉賓。從2009年1月18日,巡演開始於蘇格蘭的鴨巴甸,到2009年5月30日在澳洲的珀斯結束。Gaga的〈Just Dance〉獲得了格萊美獎最佳舞曲的提名,但輸給了Daft Punk的〈Harder, Better, Faster, Stronger〉。在2009年2月18日,Gaga和搖滾樂團The Killers的Brandon Flowers和電子雙人組合Pet Shop Boys在2009BRIT Awards的舞臺上表演。Pet Shop Boys表演了自己的熱門曲,Gaga和Flowers則在後段加入,表演1985年的熱門單曲〈West End Girls〉。?Gaga在2009年MTV音樂錄影帶大獎上領獎在2009年2月20日,據Huliq News報到,Gaga將自己在任何《The Fame Ball Tour》的門票和一個見面和一個問好的所得捐贈給洛杉磯的Odyssey Charter School和小學,為緩解他們資金預算的不足籌款。竟拍在2009年2月17日開始,在eBay上,Gaga被描述為「一生中唯一的一次機會見到為兒童教育問題積極努力的Lady Gaga。」這個拍賣由Giving Engine Auction Management管理,已於2009年2月26日結束。Gaga的首個北美巡演,《The Fame Ball Tour》,於2009年3月12日開始,受到極大好評。事先Gaga對她的支持者承諾從她馬上進行的表演上,他們將感受到高度的戲劇化表演,她說,「我希望我做的更具有Andy Warhol概念:流行表演藝術,多媒體,時尚,科技,視訊,影片。而且他們要一起出現,而且他要成為流動的博物館展覽。」Gaga在Pussycat Dolls5月的巡演演唱會澳洲站的嘉賓表演受到熱烈的好評,但也有評論員指出Gaga用她的表演搶了Pussycat Dolls的風頭。Gaga在2009年5月的滾石雜誌封面半裸出鏡,是僅僅為他們的年度「穿著塑料泡沫Hot List」。在2009年6月,她決定和坎耶·韋斯特一起舉行巡演。2009年11月23日,Lady Gaga正式推出自己的首張專輯改版《The Fame Monster》。《Bad Romance》《Paparazzi》等歌曲持續穩居各大榜首。2009年12月在洛杉磯的諾基亞劇院演出時,並向全球歌迷宣布《The Fame》銷量大破800萬張的好消息。[編輯] 影響和風格Gaga主要受到了時尚的影響。她說她「是很了解時尚的」,而且那對於她是「最重要的」。她說,「當我寫歌的時候,我首先考慮我要在舞臺上穿甚麼樣的衣服。結合在一起是很重要的-表演藝術,流行表演藝術,時尚。對於我,這一切結合在一起成為一個真正吸引人的故事。我希望他很吸引人。我希望圖像可以非常強大以致於Fans會想要嘗試而且喜歡我們的每個部份。」。可能是由於之前的舞女生涯使然,她的裝扮風格較為奇特,而她通常僅穿著泳衣等類似服裝的習慣會使某些觀眾感覺到不適,甚至有人因此稱她為「雷帝嘎嘎」[3]。在Time Online上,她聲明道,她對時尚的熱衷源於她的母親,「一位總是很時髦而且美麗的母親」。Gaga還說她把范思哲作為自己做任何事的引導。在2008年年底,Gaga和美國歌手克里斯蒂娜·阿奎萊拉兩人之間開始被進行比較。她們的風格,髮型和妝容都完全不同。阿奎萊拉隨後聲明她「完全不知道這個人」,甚至說「不知道它(Lady Gaga)是男人還是女人」[4]。不久Gaga發佈了一條聲明,她說她歡迎這樣的比較,因為媒體的關注已經起到一定的宣傳作用。Gaga說,「她是那樣一個巨星,而且如果有可能的話我會給她送花,因為很多美國人甚至不認識我,直到這件事發生。這確實把我放到前臺了」[5][6]。然而她在不久後補充說道,「不想僅僅因為『克里斯蒂娜·阿奎萊拉醜聞』而被記住」而且「沒有任何人能拷貝我,因為我是獨一無二的」。http://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%A5%B3%E7%A5%9E%E5%8D%A1%E5%8D%A1?女神卡卡坦承是陰陽人影片秀出男性生殖器官!(2009/08/03 )?臺一 專業移民團隊免費評估 政策諮詢 為了下一代 移民國外不是夢 請速預約!有人認為卡卡大腿間的只是「異物」,你覺得咧?(圖/取自網路) 特約記者史傑克/綜合報導 驚人ㄟ!女神卡卡真的是陰陽人!也就是男女生殖器官共處一體啦,其實去年就有這種風聲傳出,但大家沒認真看待,結果?這一回?可是真真正正有一拖拉庫人親眼目睹,而且還有影片為證,給全世界瞧見了女神卡卡的另一款性器官:陰莖!!(精采影片&圖片如下) 上週末,女神卡卡去參加英國最大的音樂盛會「Glastonbury Festival」,當演唱專輯裡另一首超好聽的「Money Honey」前,她坐在機車上和歌迷閒話家常,說很感謝大家冒著熱汗、擠在臭臭的人堆中,欣賞她的音樂。 但就在「下車」後,卡卡的超級迷你裙全往上掀了起來,接著,「神奇」的事兒發生了,有歌迷不僅錄影拍到、拍下的照片也清楚看到,卡卡的大腿之間有一個令人意想不到的「凸起」,完完全全就像是男人的陽具!??當場驚到好多人,後來影片在YouTube上傳,才二三天就有將近二十萬的瀏覽人次,也就是世界各地的許多人都親眼目睹了這個「奇觀」,如今再回想去年的傳言,當時有小報報導,卡卡在部落格上坦承自己是陰陽人,還表示,這沒有什麼好丟臉的。 卡卡說自己身上同時擁有男女生殖器官,她並不覺得丟臉,只是沒有大聲嚷嚷而已,而且她一直認為自己是女人,性感火辣,頂多就是有一個小小的東西卡在她的大腿之間而已,沒啥影響,沒什麼大不了。她說自己只是想趁此機會告訴大家,要愛自己身體。 自此之後,便開始有許多人注意到,卡卡超級沙啞的聲音,以及每每穿緊身衣,人家女明星露出來的都是「陰溝」,她卻是「小小」凸起,但大家都太愛她的音樂啦,沒啥理會這些意在言外的報導。??只不過,現在卻是,實實在在用影片「還原」了這個真相,歌迷們真只能用瞪大眼睛形容,而且卡卡也沒出來否認,或者要求YouTube撤掉影片,這下更增加了「陰陽人」的可信度。 好玩的是,有男女歌迷的反應是,那喜歡卡卡的他們,算是同志或蕾絲邊了嗎?另有歌迷則是打死不相信,認為卡卡大腿間的只是「異物」絕非陰莖,至於咱們這款歌迷,則只知道「Money Honey」真的粉好聽。 為了讓大家在欣賞好歌之際,能夠看得更清楚,特別挑了以下具有高畫質的影片,請注意,在1:10?1:16之間,女神卡卡露出了她的「神物」,下車前,她還像男生般,調了調那個東西的位置呢???? http://www.nownews.com/2009/08/03/11532-2486620.htm?麥當娜:維基百科?瑪丹娜(中國大陸和香港譯為「麥當娜」,臺灣譯為「瑪丹娜」,英語:Madonna,全名:Madonna Louise Veronica Ciccone,1958年8月16日-),美國歌手,出生于美國密歇根州的貝城(Bay City)。她是流行歌手、唱片和電影製作、舞者、演員及時裝的象徵,曾得過格萊美獎、美國金球獎。在她在音樂錄影帶演出出色,在她的事業上,她善長利用政治、色情和宗教等題材。在美國唱片業協會(RIAA)的官方公信資料上,她是美國史上銷量第二的女歌手,美國國內唱片銷量達6350萬張。[1] 而在2000年吉尼斯世界紀錄上,瑪丹娜被評為全世界最成功的女藝人,估計全球銷量達2億張。根據2007年吉尼斯世界紀錄和福布斯雜誌的統計,瑪丹娜是最會賺錢的女歌星,[2] 估計她的身價達3.25億美元。瑪丹娜曾得到3次金酸莓獎最差女主角獎及1次最差女配角獎。她並在1999年得到金酸莓獎的「世紀最差女演員獎」。瑪丹娜是迄今得到金酸莓最差女主角獎最多次的女演員,也是得到金酸莓獎項最多次的女演員之一(另一位是芭黎絲·希爾頓)。?[編輯] 生平麥當娜出生在美國密歇根州貝城(Bay City)的天主教家庭,父親Silvio Ciccone是意大利裔美國人,克萊斯勒的工程師,母親 Madonna Fortin 是法國裔加拿大人。麥當娜小時候就與她的5個兄弟姐妹居住在底特律的郊區地帶,從龐蒂亞克到羅切斯特。在麥當娜只有5歲時,30歲的母親就因乳腺癌逝世。而她也時常會提到母親的去世對自己的生活和職業生涯的巨大影響,在母親過世後,父親Silvio僱用了一個保姆Joan Gustafson,後來他們結婚並生有兩個孩子。父親要求自己所有的孩子都接受音樂訓練。麥當娜也上過幾個月的鋼琴課程,之後,在她的央求下父親答應她改上芭蕾課,很快她就證明自己是天生的舞者。?在1976年從 Rochester Adams 高中畢業之後,麥當娜獲得了密歇根大學的舞蹈獎學金並進入學習。在自己的芭蕾老師 Christopher Flynn 的鼓勵下,麥當娜只在學校待了一個學期就去了紐約州追逐自己的舞蹈夢想。在那裏她師從現代舞的傳奇大師瑪莎·葛萊姆以及她的門生 Pearl Lange 。隨後麥當娜參加了幾個現代舞公司的演出,包括阿爾文·艾利(Alvin Ailey)和 Walter Nicks 。1979年,麥當娜作為一名舞者參加了法國迪斯科之星Patrick Hernandez的巡回演唱會,之後便放棄了自己剛剛起步的舞蹈生涯,開始追逐音樂的夢想。她組過好幾個樂隊,包括「早餐俱樂部」(Breakfast Club)和「艾美」(Emmy)。也寫過不少歌並因此在紐約的舞蹈俱樂部圈子中小有名氣,特別是一首叫做《Danceteria》的。1982年麥當娜與閣下唱片公司(Sire Records)簽約。她當時的試音歌曲《Ain't No Big Deal》出自自己經常合作的 Stephen Bray,不過這首歌若干年之後才發行,因為當時史詩唱片公司(Epic Rcords)的團體「梭魚」(Barracuda)剛剛發行了他們演唱的版本。五年後,麥當娜版的〈Ain't No Big Deal〉才在單曲《True Blue》的B面出現,不過從來沒有在她的專輯中收錄。在錄製自己第一張專輯的過程中,麥當娜曾錄製了一首名為《Sidewalk Talk》的歌曲。但是在聽了成品之後,她和自己的製作人都覺得這首歌太過時了。於是用一首聽起來更現代的《Holiday》替代。(這首歌隨後成為了熱門曲目,現在被視作1980年代的舞曲代表。《Sidewalk Talk》隨後作為一首曲的B面歌曲發行。)麥當娜第一首真正的熱門歌曲是由 Mark Kmins 擔任製作的《Everybody》,它在R&B音樂廣播引起了熱烈反響,讓許多人誤以為麥當娜是一位黑人歌手。當《Everybody》作為單曲發行時,麥當娜的照片並沒有出現在唱片套上,因為閣下唱片公司不想冒險宣傳麥當娜是一位白人歌手,而當時麥當娜的核心聽眾是黑人群體。1993年推出的專輯《Erotica(情慾)》令她聲勢大為下滑,但1998年的《Ray Of Light(光芒萬丈)》又令其重回寶座。她被譽為“全球最成功的女歌手”。麥當娜與蓋·里奇的離婚謠言從於2008年初盛行,同年10月15日二人達成離婚協議。[編輯] 首張專輯《Madonna》在1983年麥當娜的首張以自己名字命名的專輯《瑪丹娜 (專輯)》發行了。其中的第一首歌《Holiday》在好幾個國家都大為熱門。《Madonna》中的其它熱門歌曲包括了《Borderline》和《Lucky Star》。這張專輯由 John 'Jellybean' Benitez 擔任製作人,他與麥當娜也有過一段浪漫關系。專輯的最初銷量很有限,幸好有了革命性的有線電視頻道MTV,麥當娜得以展現在全國觀眾面前,而專輯也登上了 Billboard 第8位,並取得了5個白金的銷量。MTV竭力將麥當娜的形象塑造為一個頑皮和性感的龐克音樂(Punk)和流行文化的混合體,並很快經常出現在電視上。她漂白的金髮(保留棕色的底部),性感的花邊手套(Sexy Lace Gloves),外穿的緊身衣,和「Boy Toy」帶扣很快在美國的商場和校園裏變得很常見。在很多方面她都成為了引領了那個時代的流行風潮。迪廳熱門曲目《Burning Up》由著名的DJ Rusty Egan重新混音錄製並在英國發行。Benitez說在麥當娜第一張專輯的成果基礎上,他期盼著繼續擔任她的製作,不過麥當娜有自己的想法。[編輯] 專輯《Like A Virgin》和《The Virgin Tour》巡回演唱會在1984年麥當娜發行了第二張專輯 《Like A Virgin(宛若處女)》。這張專輯由具有傳奇色彩的Nile Rodgers(尼羅·羅傑斯)制作,有一種特別的靈歌與Funk》風味,重重的鼓聲以及大量的低音電吉他,當然也保持了平易近人的流行風格。同名主打歌曲《Like A Virgin〉在美國排行榜上蟬聯六周冠軍,這也是在音樂史上第一次有單詞「Virgin」出現在 Top 40 的名單裏。《Like A Virgin》在Rolling Stone(滾石)雜誌2000年“最偉大的100首流行歌曲”評選中排在4位。麥當娜在1984年舉行的首屆 MTV音樂錄影帶大獎(MTV Video Music Awards)上的表演被認為是她在自己的職業生涯中第一次的爭議性事件。當時她穿著緊身女胸衣和婚紗的混合服裝,其中也包括她的商標「Boy Toy」帶扣。在表演中她在舞臺上打滾,露出自己的花邊長襪和吊帶,表現了大量的性暗示動作。這樣的表演對今天的西方觀眾來說,也許不會讓人們豎起眉毛,但確實震撼了1980年代中期的觀眾。盡管看起來麥當娜是在向保守勢力挑戰,但這不過是為了增加自己的人氣。專輯裏另外有3首歌也十分流行,進入到 Billboard 排行榜的前5位,分別是:《Angel》,《Dress You Up》和成為麥當娜的標誌性歌曲的《Material Girl(物質女郎)》自從這張專輯發行,麥當娜的綽號就成為了“物質女郎”。自從《Like A Virgin》開始,多變的形象就逐漸成為麥當娜的一項職業策略。專輯《Madonna》的總體風格是電子舞曲加街頭頑童式的歌手,而《Like A Virgin》的基調則是肉欲加上麥當娜洛莉塔式的性頹廢。這張專輯的大獲成功還讓麥當娜進入了好萊塢。1985年,她在電影《Vision Quest》 中飾演一個酒吧歌手的小角色,其中演唱的歌曲《Crazy For You》大獲歡迎,並成為了她的第二首冠軍歌曲。《Crazy For You》還使麥當娜獲得了她第一個格萊美獎項,其音樂錄影帶取自麥當娜在電影中的幾個片斷,也在MTV上大熱好幾個月。同一年的晚些時候,因為主演由Susan Seidelman執導的電影《Desperately Seeking Susan》麥當娜同時獲得了商業上的成功和評論界的認可。這一時期麥當娜的事業也可以從"Madonna Wannabe"現象的出現見證。整個美國的年輕女孩都極力的去模仿她們的偶像。穿著Spandex、超短裙、舊T桖,還有花邊胸罩,佩戴黑橡膠手鐲,梳著蝴蝶結的發型。麥當娜曾評論,看到全國的女孩都穿得像她一樣真令人吃驚,因為她的形象基本上是對自己頹廢時期的街頭裝束的加工,用舊襪子把自己的頭發系起來並切碎舊襯衫。在1985年,麥當娜還開始了自己第一次全美巡迴演唱會,稱為《The Virgin Tour(處女首航全美巡迴演唱會)》。[編輯] 《True Blue》與《Like A Prayer》1986年9月,麥當娜發行了第三張專輯《True Blue(至愛)》,製作人為Patrick Leonard。這是一張充分顯示麥當娜音樂才華的專輯,誕生了《La Isla Bonita》、《Papa Don't Preach》、《Live To Tell 》等代表作。在《Open Your Heart》的音樂錄影帶中,麥當娜以豔舞女郎的形象出現,這也是這張專輯唯一以凸顯她性感一面為賣點的作品。其中《Papa Don't Preach》在Rolling Stone(滾石)雜誌2000年“最偉大的100首流行歌曲”評選中排在63位。專輯最終銷量1900萬張,是麥當娜最暢銷的原創專輯。1987年,麥當娜從日本大阪出發,展開了第二次全球巡迴演唱會《Who's That Girl Tour(那個女孩是誰)》。1989年春天,麥當娜發行了專輯《Like A Prayer(宛如祈禱者)》引起了巨大的轟動。在《Like A Prayer》的音樂錄影帶中,瑪丹娜對著燃燒的十字架跳舞,親吻了一個非洲裔的教徒。宗教團體對此十分不滿,認為麥當娜汙蔑、褻瀆了神,百事可樂公司也迫於壓力不得不停播了以《Like A Prayer》為背景音樂的電視廣告,取消了對麥當娜巡演的資金支持,幷於1989年3月2日聲明停止與麥當娜從同年1月剛剛開始的合作。但麥當娜並不為此妥協。專輯中《Express Yourself》的音樂錄影帶耗鉅資拍攝,是當時耗資最大的音樂電視作品,這首歌最終登上排行榜的第2名。可以說這張專輯的引申意義大過了音樂本身,但這張專輯也得到大多數樂評的認同,並表示這是一張不會讓瑪丹娜的歌迷失望的作品,專輯最終銷量1140萬張,在Rolling Stone(滾石)雜誌2003年“最偉大的500張流行音樂專輯”評選中排在237位。1990年4月13日,麥當娜從日本東京千葉城開始,開展了其第三次全球巡迴演唱會《Blond Ambition World Tour(金髮雄心)》,演出中法國時裝設計師Jean Paul Gaultier(聖·保羅·高堤耶)為她設計的錐形胸罩引起了時尚界的轟動,並為人津津樂道至今。麥當娜請導演Alek Keshishian將《Blond Ambition World Tour》演出期間的種種拍成了紀錄片《Madonna: Truth or Dare(真實與大膽、與麥當娜同床)》於1991年05月10日在美國上映。1990年麥當娜還發行了二張專輯,分別為:05月10日發行的電影原聲帶《I'm Breathless(窒息)》,其中的歌曲《Vogue》成為了排行榜大熱門,並在Rolling Stone(滾石)雜誌2000年“最偉大的100首流行歌曲”評選中排在6位。11月13日發行的精選專輯《The Immaculate Collection(無暇精選)》,這張精選專輯直到今天在全球仍在持續熱銷,是歷史上最暢銷的女性歌手精選專輯。並在Rolling Stone(滾石)雜誌2003年“最偉大的500張流行音樂專輯”評選中排在278位,收錄了麥當娜80年代幾乎所有的排行榜大熱門,如《Holiday》、《Like A Virgin》、《Material Girl》等等,但其中新歌《Justify My Love(證明我的愛)》的音樂錄影帶因含有太多性暗示場面而遭到禁播。這也為麥當娜日後發行《Erotica》種下了種子。1991年,麥當娜主唱的電影《Dick Tracy》中的插曲《Sooner Or Later》獲得了奧斯卡(Academy Award)最佳電影歌曲的提名,所以麥當娜獲邀參加3月25日的頒獎典禮。當日她與被譽為“流行音樂之王(The King Of Pop)”的美國歌手Michael Jackson(邁克爾·傑克遜、麥可·傑克森、米高積遜)一同踏上紅地毯,引起轟動。當晚她登臺演唱了歌曲《Sooner Or Later》,並最終獲得了該獎項。[編輯] 驚世駭俗的《SEX》、《Erotica》1992年,麥當娜厭倦了記者對其私生活無休止的報導,聲稱:“會讓人們一次看個夠!”她以此為理由在1992年12月發行了豪華金屬包裝的寫真集《SEX(性)》,裏面還有一首名為《Erotic(情慾)》的單曲。寫真集中圖片內容大膽,全部是麥當娜與當時的名模、名媛、同性戀等人的暴露黑白照片。文字也充滿了性幻想、性變態的內容。雖然飽受道德人士的鞭撻,但限量十萬冊的昂貴寫真還是掀起了搶購熱潮。1993年1月,麥當娜主演的限制級電影《Bodyof Evidence(肉體證據)》上映,評論界一片批評之聲,認為“這不過是電影《本能Basic Instinct》的一部拙劣模仿品。”緊接著,麥當娜又配合計畫推出了新專輯《Erotica(情慾)》,專輯內容黑暗。歌曲《Bad Girl》源自電影《Body Of Evidence》,表達了生存、死亡等晦澀的主題,並不為歌迷接受,創下了麥當娜歌曲的最低排名。《Fever》則翻唱自Peggy Lee的名曲,麥當娜以全新的舞曲曲風進行了演繹。標題曲《Erotica》的音樂錄影帶又因為過於暴露而遭到禁播。其實這張專輯的內涵十分深沉,談到了暴力、性、愛滋病等等話題,但支持之聲寥寥。專輯中的《Deeper And Deeper》則是專輯中最為輕快的舞廳歌曲,也成為了這張專輯中最為歌迷喜愛的歌曲。專輯銷量僅480萬張。同年年底,麥當娜展開了其第四次世界巡迴演唱會《The Girlie Show Tour(女子秀世界巡迴演唱會)》,演唱會又一次獲得成功。但接下來1994年3月25日,麥當娜在參加大衛·萊特曼(David Letterman)的脫口秀節目時的表現再次讓人大吃一驚。整場節目麥當娜詞不達意,並滿口髒話,但卻是該節目開播以來收視率最高的一次。[編輯] 轉型期的《Bedtime Stories》、《Something to remember》再度回到歌迷視線的麥當娜變得深沈內斂。1994年10月,她發行了個人第六張專輯《Bedtime Stories(枕邊故事)》。當紅的製作人Babyface(Kenneth Edmonds)為其製作並合唱了大熱曲目《Take A Bow》,此曲在排行榜冠軍位置上停留了7周之久,讓麥當娜藉以又回到了主流音樂之中,單曲《Secret》藍調節奏強烈,歌迷對麥當娜的變化十分驚訝,此曲最終排行榜排名第2名。而麥當娜也在尋找著藝術與商業間的平衡,除了請到了排行榜上較為熱門的製作人外,標題曲《Bedtime Story》則請來了冰島另類女歌手Bj?rk(比約克、碧玉)擔任製作人。展現了濃厚的電子味道,但並未被大眾完全接受,沒有登上排行榜。由此麥當娜開始嘗試電子音樂的類型,專輯最終銷量640萬張。1995年,她發行了新曲與精選專輯《Something To Remember(情難忘)》。麥當娜在這張專輯裏開始重塑自己。專輯歌曲完全由民謠與抒情慢歌組成,麥當娜與Massive Attack合作了歌曲Trip-Hop曲風的《I Want You》。另一首歌曲《One More Chance》只有簡單的吉他伴奏,也就是在這時麥當娜開始學習吉他演奏。而麥當娜在形象上也拋棄了一味性感的定位,更加偏向於高品位的包裝,並開始與時尚品牌Versace(範思哲)合作。專輯發行於1995年秋天,在美國和英國都獲得了成功,最終銷量770萬張。在此期間她出演了《Blue In The Face》和《Four Rooms》兩部小成本制作的影片,透露了她想在電影表演領域取得一番成就的決心。而與此同時她贏得了令人垂涎的阿根廷國母貝隆夫人的角色。1994年9月,麥當娜認識了健身教練Carlos Leon。1996年10月14日女兒Lourdes Maria Ciccone Leon出生,但兩人沒有結婚,於1997年5月分手。[編輯] 《Evita》中扮演貝隆夫人1996年,麥當娜獲知導演Alan Parker,編劇之一的Oliver Stone在為改編自Weber(韋伯)同名音樂劇的影片《Evita(艾薇塔)》的女主角人選爭執不下,她連忙寫長信給Alan Parker推薦自己,並附上了自己的歌曲《Take A Bow》的音樂錄影帶以證明自己的古典氣質,最後影片如願由她出演。為此麥當娜接受了三個月的聲樂訓練。面對一片反對質疑的聲音,當時已有身孕的她更加努力。而她的努力也獲得了回報,1996年12月影片首映後,大家對麥當娜的表現都很欣賞。評論界更是大方的給予極高的評價。這個角色還為她贏得了1997年度好萊塢對外新聞協會金球獎音樂和喜劇類最佳女主角獎。這時的麥當娜已經證明了自己並不只是一個娛樂明星,也是一個有思想、有內涵的嚴肅女演員。同年,麥當娜還發行了此電影的原聲專輯《Evita: Music From The Motion Picture(艾薇塔:電影原聲帶)》,銷量700萬張。[編輯] 《Ray Of Light》與GRAMMY1998年3月,其音樂事業停滯不前的麥當娜發行了第七張個人專輯《Ray Of Light(光芒萬丈)》,這也是她歌手生涯中最為重要的專輯之一。制作人為William Orbit.專輯曲風前衛,將電子樂與當時最為流行的舞曲曲風相結合,營造出一種飄渺、神秘的氛圍。發行之初麥當娜認為這張專輯並不會有多大反響,但結果卻大相徑庭。歌曲《Drowned World/Substitute For Love》麥當娜親自填寫的歌詞中她寫道:“我曾走遍世界,只為尋找一個家。”在音樂錄影帶中她模仿了戴安娜王妃車禍意外去世的情節。標題曲《Ray Of Light》則是一首電子搖滾曲風的作品,表達了麥當娜對社會飛速發展的看法,曲風健康向上,2001年成為Microsoft(微軟)公司Windows XP的商業宣傳曲。歌曲《Little Star》輕盈感人,是麥當娜送給自己女兒的歌曲。但專輯中的《Frozen》卻被判定為剽竊比利時音樂人Salvatore Acquaviva 1993年的歌曲《Ma Vie Fout L'camp》。專輯最終銷量1500萬張 。這張專輯一改麥當娜之前的形象,以一種全新的溫柔女性形象示人,而公眾也樂於接受。專輯全球銷量達1800萬張,獲得三項GRAMMY(格萊美)獎項的肯定。這張專輯被譽為電子音樂的“開山之作”,也為麥當娜開辟了新的音樂之路,她此後的每一張專輯都會帶有濃厚的電子氣息。本專輯在Rolling Stone(滾石)雜誌2003年“最偉大的500張流行音樂專輯”評選中排在363位同年5月,麥當娜在英國歌手斯汀(Sting)的家中結識英國導演Guy Ritchie(蓋·裏奇、佳·烈治)。至2009年,麥當娜共主要獲得了七次GRAMMY(格萊美),分別是:最佳長篇錄影帶(Blond Ambition Tour 1991)、最佳短篇音樂錄影帶(Ray Of Light,1998)、最佳舞曲專輯(Ray Of Light,1998)、最佳流行專輯(Ray Of Light,1998)、最佳電影歌曲(Beautiful Straner,1999)、最佳電子/舞曲專輯(Confessions On A Dance Floor,2006)、最佳長篇錄影帶(Confessions Tour 2007).[編輯] 《Music》與《American Life》2000年,麥當娜與英國導演Guy Ritchie(蓋·裏奇、佳·烈治)結婚並移居英國。8月11日,他們的兒子Rocco Ritchie出生。12月22日,他們在蘇格蘭(Scotland)舉行了婚禮。12月21日,麥當娜之子Rocco Ritchie的洗禮儀式在英國舉行。9月19日,麥當娜發行了第八張個人專輯《Music(音樂聖堂)》,這張專輯是麥當娜第一次在英國錄制歌曲。其中的《What It Feels Like For A Girl》是Madonna再度寫給女兒的。專輯制作人是法國的音樂人DJ Mirwais,他為麥當娜帶來了更為流行與現代的電子舞曲風格,而在造型上,麥當娜又以摩登牛仔女郎的新形象出現。標題曲《Music》的音樂錄影帶再次請來曾為她拍攝《Ray Of Light》的導演Jonas Akerlund執導,由麥當娜及她好友Debi Mazar和合音Nikki Harris共同出演,歌曲表達了人與人之間沒有隔閡,共同隨著音樂起舞的態度。在歌曲《Don't Tell Me》的音樂錄影帶中,麥當娜穿著加拿大服裝品牌DSquared2的男士牛仔褲及皮衣出鏡,引得歌迷瘋狂模仿,而設計師也順勢宣布推出女裝系列。歌曲《Paradise(Not For Me)》哀怨動人,音樂錄影帶中麥當娜以日本和服的另類造型出現。憑借此張專輯麥當娜第10次登上英國專輯榜的冠軍,並且在Rolling Stone(滾石)雜誌2003年“最偉大的500張流行音樂專輯”評選中排在452位。專輯最終銷量1420萬張。2001年6月9日,麥當娜於西班牙(Spain)的巴塞隆納(Barcelona)開始,展開了其長隔8年之後的第五次全球巡迴演唱會《Drowned World Tour(沉淪世界)》並大獲成功。2003年,美伊戰爭爆發。麥當娜有感於戰爭所帶來的苦難,而發行了主題為“自我反省”的第九張個人專輯《American Life(美國生活、美國夢醒)》,此舉使得伊拉克解除了對麥當娜的禁售令。這張專輯的制作人仍是DJ Mirwais,這次他又將電子音樂與民謠音樂完美的融合在一起,創造出了新的電子民謠曲風。標題曲《American Life》歌詞直白大膽。在音樂錄影帶中出現了麥當娜向外形酷似美國時任總統喬治·沃克·布什扔手雷的鏡頭,而這支錄影帶又遭到了禁播,麥當娜再一次讓世人瞠目結舌。與此主題相近的還有歌曲《Hollywood》,在音樂錄影帶中麥當娜對女明星的私生活進行了嘲諷。而另一些歌曲如:《I'm So Stupid》、《Nobody Knows Me》中,麥當娜則對自己進行了剖析與反思。專輯中還收錄了她為"007"系列電影所演唱的主題曲《Die Another Day》。這張主題沈重的專輯在美國並沒有取得好成績,在世界範圍內也反響一般,銷量400萬張,是麥當娜銷量最低的專輯。同年,在MTV Music Awards表演時,麥當娜與好萊塢女星Britney Spears、Christina Aguilera當衆親吻,引得大眾一片譁然。2002年,麥當娜參與了自己的丈夫Guy Ritchie監製的電影《Swept Away(踩過節)》,但這部影片為她贏得了Razzie Award(金酸梅獎)當年的“最差勁女演員”獎。9月15日,麥當娜出版了她的第一本童話著作《The English Roses(英倫玫瑰)》。11月25日,麥當娜還發行了一張混音、現場專輯《Remixed & Revisited(重裝上陣)》,銷量僅止於10萬張。2004年5月24日,麥當娜於美國洛杉磯市(Los Angeles)展開了第六次全球巡迴演唱會《The Re-Invention Tour(神話再現、重生)》,但現場DVD由於合約問題導致如今還無法推出。[編輯] 復古舞池進入2005年,全球都陷入了對復古美感的追求中。麥當娜敏銳地捕捉到了這一點,並與自己的舞曲天賦相結合發行了第十張個人專輯《Confessions On A Dance Floor(舞池告白)》。制作人是英國音樂人Stuart Price,整張專輯采用了Non-Stop的編制,以“回歸舞池”為大前提,瑪丹娜將專輯的重點放在“Confessions”上。“這並不是一張空洞乏味的泡泡糖舞曲專輯,它有著深刻的內涵。(娜語錄)”。主打歌《Hung Up》是一首復古風格的舞曲,曲調采樣了ABBA組合1979年的名曲《Gimme!Gimme!Gimme!》。音樂錄影帶中麥當娜身著粉色、綠色健美連體裝,打造出上世紀七十年代的Disco(迪斯可)風潮,此曲獲得了全球41個國家或地區的冠軍。歌曲《Sorry》則呈現出一派現代感,此曲為麥當娜獲得了BILLBOARD(告示牌)排行榜的第35個冠軍。專輯最終銷量850萬張。在2006年,瑪丹娜還發行了演唱會現場錄音專輯《I'm Going To Tell You A Secret(瑪丹娜的祕密檔案)》,由她2004年的演唱會《The Re-Invention Tour》而來。借由專輯《Confessions On A Dance Floor》的成功,瑪丹娜在2006年5月21號從美國洛杉磯出發,至9月21日日本東京結束,完成為期四個月共演出60場的《The Confessions Tour(娜語錄)》世界巡迴演唱會。演唱會音樂總監Stuart Price(aka Jacques Lu Cont)將曲目大都成功改頭換面註入了新的舞曲血液。而演出中的場面也令觀眾津津樂道:開場麥當娜的馴馬裝;《Like A Virgin》中在半空中與電動馬的高難度舞蹈;《Jump》時舞蹈演員的極限體操表演;演唱《Live To Tell》時麥當娜被架在十字架上,背後不斷滾動攀升的,非洲因愛滋病而死亡的兒童數字;《Music Inferno》中的白色西裝與舞蹈演員的旱冰表演……等等。雖然演唱《Live To Tell》時十字架的創意又一次遭到了宗教界的鞭撻,但大多數人還是表示了理解,認為那是瑪丹娜在寓意上帝的救贖。演唱會獲得1.9億美元的票房收入,約有120萬人次到場觀看。瑪丹娜繼2004年神話在造演唱會後在一次創造了女性歌手演唱會收入的最高紀錄。[編輯] 熱心慈善與首部導演作品自新世紀,麥當娜開始熱心於慈善事業與人道主義的建設中。她支持同性戀,認為任何人都能自由相愛,而她的歌曲也一直為大部份同性戀人士所青睞,成為“Gay Icon”。麥當娜十分熱衷於環保活動,2007年5月16日,麥當娜發行了只可在互聯網上下載的新單曲《Hey You》。7月7日,她參加活樂地球(Live Earth)在英國的演出時現場演唱了這首公益性質的歌曲,壓軸出場的她獲得了全場觀眾的追捧。但她的演唱會卻被環保人士批評並不夠環保。此外,她曾多次到訪Malawi(馬拉維)慰問,還收養了當地的一名兒童。並有設想資助馬拉維修建設備健全的醫院、學校等等,“但是要確保我知道我的每一分錢花在了什麼地方。”麥當娜曾經說道。但在2009年4月,當她要按計畫收養第二名兒童時遭到了當地法院的駁回,但麥當娜表示不會放棄。2008年2月,麥當娜在柏林國際電影節(Berlin International Film Festival)上放映了她的首部導演作品《Filth And Wisdom(下流與智慧)》,但反響一般。評論界普遍認為:作為一個新手,它剛剛及格。同年麥當娜還製作了一部反映馬拉維貧苦生活的紀錄片《I Am Because We Are》。[編輯] 天命之年的麥當娜2007年10月,麥當娜宣佈即將離開華納唱片(Warner Music),以10年1.2億美元的高額合約加入Live Nation公司,成為了Live Nation公司的第一位錄音室合約歌手。3月10日,麥當娜獲選成為Rock & Roll Hall Of Fame(搖滾名人堂)的新成員,以表彰她在推動搖滾樂發展方面做出的貢獻。4月28日,麥當娜發行了她在華納公司的最後一張錄音室新專輯《Hard Candy(娜·式·糖)》。新專輯由Justin Timberlake、Timbaland、Pharrell Williams、Kanye West等年輕音樂人製作,首隻打榜歌曲是與Justin Timberlake、Timbaland合唱的《4 Minutes》。這張全美式曲風的專輯是麥當娜在歐洲發展多年之後向美國市場的沖擊。《Hard Candy》在37國的專輯銷量排行榜中分別取得了冠軍,並在IFPI(國際唱片業協會)公佈的2008唱片銷量排行榜中獲得了第11位。2008年8月23日,麥當娜又一次展開了她新一輪的全球巡迴演唱會《Sticky & Sweet Tour(有點黏、有點甜)》,演唱會的定義“快樂”。首站定在Wales(威爾士)首都Cardiff(卡迪夫),2008年12月24日,麥當娜在Brazil(巴西)首都Sao Paulo(聖保羅)結束了演出。但隨著觀看人數的不斷攀升,2009年麥當娜決定加開場次。Live Nation公司確認,《Sticky & Sweet Tour》創造了藝人獨立演出的票房最高紀錄,58場演出吸引了235萬人次到場觀看,單是門票收入就高達2.8億美元。2008年10月16日,在巡演期間,麥當娜與丈夫Guy Ritchie(蓋·裏奇、佳·烈治)正式向外界發表聲明,結束八年的婚姻關係。證實了之前的麥當娜離婚傳言。隨後記者拍到了她與巴西男模Jesus Luz約會的照片。2009年9月29日,華納唱片(Warner Music)發行了紀念其踏入藝壇25年的精選專輯《Celebration(歡慶)》,全球銷量突破15萬張,獲得銀唱片。[編輯] 私人生活及其他在麥當娜剛剛出道的1984年,她的一些裸體黑白照片在《閣樓》和《花花公子》雜誌上刊登出來。這些照片是麥當娜於七十年代後期為了謀生在紐約拍攝的。一些人擔心這些照片會毀了麥當娜,她的家鄉也取消了計畫要頒給她的榮譽市民獎項。但不出意料,麥當娜洗脫了醜聞,並且回擊“這又怎麼樣呢?”和“我並不感到羞愧”。麥當娜這句“這又怎麼樣呢?”不久被印在了《Ciccone Youth》的封面上。麥當娜一直深受這些裸體照片的困擾。2009年初,佳士得(Christie's)拍賣公司聲稱將拍賣一批麥當娜在1979年左右由攝影師Lee Friedlander拍下的裸照,這批照片被他在2003年以7170美元賣出。當時麥當娜的酬勞僅僅25美元,並且簽署了放棄所有權利的協議。最後這些照片以3萬7500美元的高價拍出。 2009年,歐洲一家醫藥品生產公司還將她的裸照印在了一款安全套的包裝上面。1985年對於麥當娜在事業上和生活上都是關鍵的一年。一方面《Like A Virgin》唱片和巡回演唱會取得了巨大的成功,麥當娜開始逐步涉足影壇,另一方面,她與演員西恩·潘結識並相愛。1985年8月16日,麥當娜27歲生日那一天,西恩·潘和麥當娜在加利福尼亞Malibu舉行了婚禮。盡管婚禮試圖避開媒體的視線,但狗仔隊的直升機還是靠的很近,直升機發出的噪音甚至蓋過了婚禮宣誓。然而,好景不長,在婚姻期間他買不止一次傳出麥當娜遭受了西恩·潘的家庭暴力。在1987年12月,兩人簽署了離婚協議。1988年兩人正式分居。1989年9月,兩人正式離婚。這是對麥當娜最為重要的一段婚姻,麥當娜其它被媒體曝光的情史還有:1970年代麥當娜樂隊“Breakfast Club”中的成員Dan Gilroy;1985年曾經與美國流行歌手“王子”(Prince)有過短暫的約會;1994年與NBA球星丹尼斯·羅德曼Dennis Rodman,1996年在其的自傳中曾有一章節來描述與麥當娜的情史。自出道至今,麥當娜的廣告代言工作如下:1989年代言百事可樂;分別於1994年、2005代言Versace(範思哲);2007年設計並代言瑞典服裝品牌H&M;2009年代言Louis Vuitton(路易威登)春夏/秋冬系列,2010年即將代言Dolce&Gabbana(杜班嘉納)春夏系列。此外發用產品Sunsilk(夏士蓮)一直都與麥當娜有廣告合作。http://zh.wikipedia.org/wiki/%E9%BA%A5%E7%95%B6%E5%A8%9C???搖滾啟示錄 I'm Not There? (2007) 導演:陶德?海恩斯編劇:陶德?海恩斯演員:克里斯丁貝爾/凱特布蘭琪/李察吉爾/希斯萊傑/大衛克羅素劇情簡介無論你是否聽過他的音樂,巴布狄倫,都是搖滾樂壇無可取代的永恆傳奇! 曾以《絲絨金礦》獲奧斯卡提名的獨立製片導演陶德?海恩斯,脫離了傳統傳記片範疇,大膽起用六個不同年齡、長相、膚色甚至性別的傑出演員,分別演繹呈現巴布狄倫的七段生命歷程與身份轉換,遊走於幻想與寫實邊緣的創新手法。 巴布狄倫(Bob Dylan)是史上第一個獲得普立茲獎肯定的搖滾歌手,在電影中,在凱特布蘭琪、李察吉爾、希斯萊傑與克里斯汀貝爾的詮釋下,他可以是任何人,卻也誰都不是,每一名觀者都可從電影中看見部分的自我。 影片重現了搖滾詩人巴布狄倫一生、不為人所知的故事,還能聽到未曾收錄至任何專輯的單曲。以音速溯往,回憶青春、搖滾、以及那些美好年代,獻給所有搖滾世代長大的孩子。 http://www.atmovies.com.tw/movie/film.cfm?film_id=fien40368794?《搖滾啟示錄》另類角度呈現巴布狄倫?等了差不多一年,去年奧斯卡的重要參賽片之一,《搖滾啟示錄》終於登陸臺灣了。這部片子當初最吸引人注意的,就是凱特布蘭琪〔Cate Blanchett〕女扮男裝,演出巴布狄倫〔Bob Dylan〕,獲得奧斯卡最佳女配角提名。另外如果是看過且喜歡《絲絨金礦》〔Velvet Goldmine〕的人,對《搖滾啟示錄》可能也有很高的期許,因為是同一個導演陶德海恩斯〔Todd Haynes〕再次執導音樂電影,他在《絲絨金礦》的另類手法就已經叫人眼睛為之一亮了(受不了特殊風格的人就是眼睛為之一閉),這回在《搖滾啟示錄》的表現,有過之而無不及。但是也要先警告觀眾一下,像火行者一向是喜歡以「一張白紙」的狀態去看電影,任由導演在白紙上塗鴉,接受度也比較高,但《搖滾啟示錄》這部電影,真的非常不適合這麼做,事前,一定要先了解一下電影及其背景,不然,從135分鐘的第1分鐘到第132分鐘(粗估片尾字幕3分鐘)通通都會霧煞煞,霧大到伸手不見五指的程度。為什麼會有這種狀況呢?不是巴布狄倫的傳記電影嗎?很抱歉,如果你是要一部電影從頭到尾,把一個人身邊發生的事情按步就班好好拍給你看,就不要找陶德海恩斯拍的片子了,這個導演就是與眾不同,他要談巴布狄倫也不是找一個人來演巴布狄倫,而是找了六個完全不同的人(包括黑人小孩、女扮男裝的凱特布蘭琪、等等差異很大的個體)來表現不同時期的巴布狄倫,在片中他們也有自己的名字,所以如果你根本不知道這是一部巴布狄倫的傳記,那麼在一片霧煞煞中,可能還會以為是六個不同的人物呢。這個設計是很有意思的,的確,回首看看自己的過去,是否也覺得是完全不同的人呢?在經歷了不同的事情之後,人都會改變,陶德海恩斯是比較誇張用了外觀的劇變,卻也因此很清楚地呈現出了巴布狄倫在每個時期的特色。然而,這六個人又是同一個人,因為就算我們已經改變了,那個過去的自己,多少還是存在於一個看不見的角落吧,如果把一個特性具體化成為一個人物的話,一個人的確也可以說是許許多多的人所組成的。了解人物是第一關,再來就是時代背景,反戰的時代,女權運動的時代,JFK被刺的時代,對那個年代的美國,你了解多少?臺灣觀眾就算熟知這段美國史,也不會比親身走過的美國人來得有感觸,對於「歌曲是否能夠改變什麼」的問題,對於人們為什麼會把希望寄託到歌手/歌曲上的問題,諸如此類,我們的感受不會那麼深刻。?而陶德海恩斯又不是個會乖乖照時間軸一路拍下來的人,不時會穿插著不同時期的橋段,加上很MTV的一些設計,讓這部片子在視覺上的風格真的是炫,炫到你很難用理智去分析它,每個橋段的意義、順序擺放上的關係,抽象概念的使用…陶德海恩斯的大腦究竟有多複雜?只能用鬼才來形容他了,這部電影,不是一般導演拍得出來的。《搖滾啟示錄》有很大的成份,需要觀眾用感覺的,而不是硬要把它「看懂」,太多虛虛實實了,它絕對不會明白告訴你「因為這件事所以他就變成那樣子」,而是用半紀錄片的方式,從他自己的話以及他人的看法當中,慢慢地把巴布狄倫的輪廓勾勒出來,而且這種勾勒法,並非傳統順序性的,最後都是把全貌繪出來,卻不按照死板的規則,這裡畫一筆,那裡再加一筆,所以在過程中觀眾會感到比較難立刻看出所以然,《搖滾啟示錄》需要一點耐心去體會,漸漸地,你也會發現自己對這個知名人物的認識越來越多。《搖滾啟示錄》真的很特別,像這樣子拍攝手法的電影,要看到還真不容易,卻也因為手法的關係,讓這部電影不是那麼容易打入一般觀眾市場,強烈建議喜歡風格的影迷,先做一點功課(基本上讀完這篇文章就已經是修了一個必修學分了 XD),也做好心理建設,再來看《搖滾啟示錄》。若本身就是巴布狄倫迷,那是最好不過的了,對於他的歌曲熟悉,必定有助於了解電影(包括英文片名也是出自歌曲的)。不過如果是個電影看不多的巴布狄倫迷,一下子要跳級看這樣的電影可能也會有點吃力呢,總之,這篇文章最大的目的,還是希望讓大家知道《搖滾啟示錄》的特色在哪,不要抱著看一般傳記的心態進了戲院然後出來就罵「拍什麼我都看不懂」,這樣就可惜了一位難能的好導演和一群好演員(本文沒特別提及演員,其實他們也都很棒,只是《搖滾啟示錄》最搶眼的人是「導演」而已,不然除了凱特布蘭琪大姐之外,還有克利斯汀貝爾〔Christian Bale〕、希斯萊傑〔Heath Ledger〕、李察基爾〔Richard Gere〕等等)。?觀影最低需求 ?□ 能夠看比較抽象表達的手法 ?□ 能看MTV ?□ 先做過功課,知道這部片是在說巴布狄倫 ?□ 喜歡《絲絨金礦》 ?□ 最好知道一些巴布狄倫的歌曲 ?□ 能接受非直線的敘事 ?□ 能接受不能理性解析的概念藝術設計 ?□ 喜歡 CULT 片http://blog.nownews.com/firewalker/textview.php?file=0000182755?《搖滾啟示錄》:致敬式的傳記電影文:Mimibao?注意:這不是一般型式的傳記電影,建議對此片有興趣者先行了解美國歌手「巴布狄倫」的生平 相信,許多人聽見《搖滾啟示錄》的譯名,就會想到貓王、披頭四、滾石等搖滾巨星,甚至開始期待這是不是另一部講述搖滾明星發跡歷程、節奏高潮迭起的劇情片。其實,這部片名最初在金馬影展時主辦單位想了一個非常別緻的譯名:《巴布狄倫的七段航程》,導演陶德海恩斯大膽地運用多位不同背景、不同膚色的演員,來詮釋美國傳奇民謠歌手巴布狄倫的一生,更有趣的是電影原名為《I'm not there》,開宗明義就表示「我(巴布狄倫)不在這裡面」。明明是拍傳記電影,但是「巴布狄倫」這個角色卻從頭到尾都沒出現,只在電影結束前一分鐘,出 現巴布狄倫本人當年《Never Ending Tour》演唱會的表演錄影,明明是拍攝傳記電影,導演卻不按一般劇情片或紀錄片的規則來,因此沒做一點功課、不對美國音樂文化有點認識,還真的摸不清楚本片想說什麼。這部電影與其說是一部傳記片,不如說是一部「致敬」片,導演用不同的七個角色來詮釋巴布狄倫人生的不同階段。因此去看電影前,如果你不清楚巴布狄倫是誰,最好先了解一下巴布狄倫的豐功偉業,不然容易被陶德海恩斯飛躍的敘事方式弄得頭昏腦脹。巴布狄倫是誰?他是美國藍調民謠歌手、搖滾民謠歌手、著名的抗議歌手、詩人、曾獲諾貝爾文學獎提名、福音歌手、音樂同時也包含了爵士樂風格,此外,他還是第一位獲得普立茲獎的搖滾歌手,亦為上世紀重要的美國民權運動代言人,被時代雜誌選為上世紀最具影響力的100位代表人物之一。對於1941年出生的巴布狄倫而言,才20出頭的他就擁有一般年輕人終身夢寐以求的成就,加上60年代因為越戰民權運動和反種族運動興起,創作內容一向針砭時政的巴布狄倫不但被歸類在左派歌手,更被世人視為美國的良心,種種的讚譽通常也伴隨著壓力,這讓巴布狄 倫開始感到厭煩。終於,1963年甘迺迪總統遇刺後不久,巴布狄倫獲得國家民權委員會般獎的當天,他一身酒氣前往般獎典禮,更表示自己不想再寫抗議和民運的歌曲,種種言論引發爭議。60年代前期,民謠界正大肆批評開始使用電子音樂的搖滾樂,更認為這種搖滾樂是只懂得泡妞做愛、醉生夢死的歌曲,相當不屑一顧,但1965年7月25日的一場民謠音樂節中巴布狄倫故意唱「插了電(Plugged)」的歌曲,這讓聽眾認為巴布狄倫背叛了他們、背叛了民謠、開始墮落腐敗,因此他才唱了三首歌就被觀眾趕下臺。這一刻成為音樂史上的重要轉捩點,因為連抗議出身的巴布狄倫都放棄傳統民謠,開始玩電音搖滾,除了讓人懷疑巴布狄倫是否要放棄繼續為民喉舌的創作外,更懷疑是否傳統民謠已經無法滿足巴布狄倫的創作世界。而這件事情也讓後來巴布狄倫的演唱會變成兩個部份:前半部分使用傳統木吉他演唱、後半部分使用電子吉他(Plugged)演奏。1966年是巴布狄倫人生中的重要轉捩點。這一年他騎摩托車經過Woodstock(就是著名Woodstock音樂節的舉辦地點)附近時發生重大意外,這讓他隱居休養了一段時間,直到1968年才開始復出表演。休養期間巴布狄倫受到田納西州Nashville鄉村音樂的影響,這種曲風大約維持到70年代初期。70年代的巴布狄倫替蒙受不白之冤的黑人拳擊手Rubin "Hurricane" Carter創作了一首名為《Hurricane》的歌曲伸冤。此外,他還和60年代一些原本理念不合的老夥伴重修舊好,再次一起合作演唱,1979年巴布狄倫因重回教會,成為一名再生的基督徒,基督信仰影響他未來幾年的創作風格,使他接下來三張作品都帶著濃濃的宗教風味(因此他又有福音歌手的稱號),直到90年代,巴布狄倫才重拾最初的民謠風格,並翻唱許多不為人知的歌曲。1988年巴布狄倫正式入選搖滾名人堂,成為美國史上最具影響力的民謠歌手。根據巴布狄倫的生平,導演找了六位演員來詮釋不同階段的巴布狄倫(依照不同年代風格的巴布狄倫排列):font color=101099>Marcus Carl Franklin:這位黑人小孩飾演Woody Guthrie,代表幼年時期的巴布狄倫。Marcus Carl Franklin曾在HBO出品的《藍調人生》演出,能歌善演。而片中他飾演的角色故意取名為20世紀初期赫赫有名的民謠歌手Woody Guthrie,因為Woody是巴布狄倫的偶像,更是早期巴布狄倫的模仿對象,1961年當20世紀初期最偉大的民謠歌手臥病在床時,19歲、滿頭捲髮、帶著滿腹理想的巴布狄倫就前往紐澤西Woody的病床前探望,在他病床前抱著木吉他唱著自己為Woody寫的歌,對病榻上的偶像獻上最高敬意。電影裡,Woody的逝世和狄倫的興起,就是由這個黑人小演員帶出。雖然巴布狄倫的名氣和影響力遠遠超過Woody,但是在歷史上,Woody卻是一位社會實踐者,他走過經濟大蕭條、二次大戰、美國反共產主義、麥卡錫主義、冷戰,早在同樣的年紀Woody走過的路、遇過的狀況可比狄倫還多,也因此Woody Guthrie在美國人心中,甚至民謠史上的地位是這麼地不同。Christian Bale:飾演Jack Rollins以及Pastor John,前者為60年代初期的狄倫,後者為受到基督影響、成為再生基督徒的狄倫。Woody Guthrie是真有其人,但Jack Rollins和Pastor John可是導演杜撰的人物了。電影裡,這位Jack可說是Woody和狄倫的綜合體,他為民喉舌、身為抗議歌手,漸漸地被全國人民視為國家的良心,甚至是救世主、苦難人民的發聲者,這種現象讓Jack很苦惱,因為被拱上如此地位的自己就和原本自己歌詞裡所諷刺的對象沒什麼不同。因此,電影裡當大家都對他馬首是瞻時,記者希望Jack發表一些意見,無奈的Jack就隨便扔了一個「太空人」,沒想到記者雖然滿腹疑問,依然源源本本地將這個詞刊出來。爾後,Jack滿身酒氣領取人權獎、發表叛逆又諷刺的得獎詞,以及中年時期重新受洗為基督徒,成為神職人員,全部的轉折都代表著60年代初期和70年代末期的巴布狄倫。Cate Blanchett :反串叛逆男歌手Jude Quinn,代表開始玩Plugged、不再拘泥於傳統民謠以及單純抗議歌手的巴布狄倫。這個階段的巴布狄倫承受極大的壓力,厭惡媒體的騷擾、討厭眾人把他當成救世主,自己想隨便唱點別的、玩點不一樣的也會被各界放大處理,這時候地狄倫因為壓力 開始煩躁、憂鬱,和工作夥伴處不好、抱怨經紀人不體恤自己。這一個階段的巴布狄倫人生最複雜,同時也最精彩,反串男角的Cate Blanchett更將這個階段的巴布狄倫,從表情、小動作、各種舉手投足都刻畫地維妙維肖,幾乎是那個階段的巴布狄倫重現眼前,優異的演技讓整部電影裡 其他飾演巴布狄倫的演員相形失色。當然,這種優秀的演技同時也造成電影重心不平衡,因為平平都是扮演巴布狄倫,但這一段的Cate實在是太出色了!此階段的狄倫還邂逅了一位名為Edie Sedgwick的演員,她是60年代爆紅的女星,故事曾被拍為《搖擺女孩》,電影裡那位短髮風騷、萬人簇擁的Coco就是Edie的縮影,這位女演員因為浮濫的生活,最後死於毒品服用過量,只活了28歲。Heath Ledger:飾演演員Robbie Clark,反映巴布狄倫的情感生活。西斯萊傑飾演的這位虛構人物,在電影裡因為拍攝《Jack Rollins傳記》、飾演Jack Rollins而紅,其人生就如巴布狄倫一樣,特別是情感生活。法國女星Charlotte Gainsbourg 飾演Robbie的妻子Claire,這個女子就是以狄倫的第一位妻子莎菈狄倫為範本。Robbie主要反映的是狄倫的情感生活,狄倫本身就結了兩次婚離了兩次婚,第一次婚姻是和名模Sara Lownds,第二次婚姻是和自己的合音天使卡洛琳。電影裡Robbie原本娶了法籍畫家Claire,但是因為Robbie成名、兩人之間漸行漸遠,加上Robbie桃花不斷,這場婚姻終告破裂。電影裡,Robbie和Claire剛認識時,一聽見Claire是法國人,Robbie就顯示出不一樣的興趣。爾後,兩人成家且有所成就後,在一場宴會裡Robbie的朋友一聽說Claire是法國人,立刻對征服法國美女的Robbie刮目相看,這讓Claire很不舒服,藉著《Village Voice》創辦人Norman Miller的道訪為由離開這場膚淺的談論,由此看來,這場婚姻破裂是遲早的事。除了影射狄倫的情感生活,電影裡最出色的就是真真假假、假假真真,Jack、Robbie、Jude等人都是虛構的,但是這些故事裡卻又貫穿了真實人物(如Nroman Miller),這讓故事的複雜性與空間感更豐富,也讓人更好奇導演究竟想呈現怎麼樣的電影。Richard Gere :飾演隱居山林的Billy the Kid,表示1966年出了車禍,隱居時期的狄倫。比利小子是19世紀新墨西哥很有名的強盜,後來被警長Pat Garrett射殺,Pat Garrett隨後成為英雄人物。電影《比利小子》的音樂就是由巴布狄倫創作,此外他還以比利小子的心情寫了一首《Knocking On Heaven's Door》。電影裡,扮演訪問Jude的主持人和逮捕Billy的警長(警長也刻意取名為Pat Garrett)都是由Bruce Greenwood 飾演,在Jude篇章時,主持人就刻意把Jude的真面目給揪出來、昭告天下Jude的真名、生平,讓Jdue痛苦不已;而這次警長同樣要把隱居的Billy的假面具撕下來,他詢問Billy的名字,Billy故意回答「William」(當年比利小子最愛用的化名),但在惡勢力下Billy還是被捉了,雖然後來經由村人協助Billy逃了出來,而逃亡的順風車上Billy撿到了片頭小黑人Woody的木吉他、琴盒上還寫著「殺死法西斯主義者」。彷彿宣告當年那位抗議歌手,經過一段時間的鄉村治療,終於要復出江湖了。Ben Whishaw:飾演19歲的年輕哲學家Arthur Rimbaud,象徵著初出茅廬要打天下的巴布狄倫。他和小Woody一樣滿腹理想與才華,卻都太生澀、用譏諷和利刺對準這世界,這個角色的戲分很少,也不像前幾位有完整的篇幅交代,但是都刻意剪接在不同角色轉換的切入處,他關心世事,卻又故意用疏離、不在乎的態度和大人說話,甚至還老神在在地給予「隱居者」忠告。算來算去,只有六個人來詮釋巴布狄倫,那為何又翻譯成《巴布狄倫的七段航程》呢?一種說法是Christian Bale飾演了兩個階段的狄倫,另一個說法是電影最後面,出現了Dylan本人在《Never Ending Tour》演唱會上的影片,因此第七段是狄倫本人。但無論如何,陶德海恩斯都開創了一種新的傳記電影拍攝方式,用不同的、真真假假的人物,貫穿巴布狄倫複雜多變的一生,雖然電影裡可能有年代比例較分配不均的狀況,或是年代跳躍性太高,一時晚年、一時早年(如:Billy時期的狄倫就曾出現在片頭一小段,但這應該是在他1969年機車出事後的事了),讓觀眾難以捉摸,但我認為這些都瑕不掩瑜,無法掩蓋這部以「致敬」為出發的傳記電影的光芒。除了六位用來詮釋巴布狄倫不同生命階段的主要演員外,電影裡還有幾位出現在巴布狄倫生命中的重要人士:Julianne Moore:飾演民權歌手Alice Fabian,和電影裡許多虛構角色一樣,這位Alice則是詮釋民謠女歌手Joan Baez的虛構人物。Joan Baez是誰呢?如果說巴布狄倫是民謠男性歌手的權威,那麼能和他相提並論的民謠權威女歌手就是Joan Baez,二人也同樣都是知名的民權運動者。兩人曾因為在事業和理念相同,關係亦師亦友,甚至還譜過一段短短的戀曲,但最後還是因為對於民運活動的意見分歧、加上狄倫的花心而分手。兩人直到1970年狄倫傷後復出,才重修舊好,並且一起巡迴表演。不過,電影裡最好玩的是Alice這個角色不光出現在「偽訪談」的影像裡,連電影中西斯萊傑扮演的Robbie主演的電影「Grain of Sand」(取名自1981年狄倫所創作的福音歌曲《Every Grain of Sand》),裡面的女主角也叫作Alice,這種戲中戲的的方式不但加深了剪不斷、理還亂的人物關係(似乎呼應了年輕時期狄倫的情感世界),也證明了Joan Baez在狄倫生命前期的重要性。Charlotte Gainsbourg:扮演Robbie的法籍畫家妻子Claire,這個電影角色代表狄倫的帝一任妻子莎菈狄倫(Sara Lowndes/Sara Dylan)。Sara 本來是一位模特兒,也是花花公子雜誌的兔女郎,兩人婚後育有四子,最小的兒子Jakob Dylan後來在80年代與朋友組成了樂團《The Wallflowers》,此樂團曾獲葛萊美獎肯定,而Jakob本身低沉略帶沙啞的嗓音,與創作中的細膩情感,讓他被樂評家們稱讚兼具父親巴布狄倫與 「工人皇帝」Bruce Springsteen的特色。狄倫和第一任妻子莎拉在1977年結束長達12年的婚姻。至於飾演這位妻子的,則是法國女星 Charlotte Gainsbourg,她是已故法國音樂大師Serge Gainsbourg和在法國紅透半邊天的英國女星Jane Birkin(看愛馬仕特別為她設計了『柏金包』,就知道這位珍柏金當年有多紅)的掌上明珠,她和母親一樣是影歌雙棲的女星,電影作品有《靈魂的重量》、 《戀愛夢遊中》、《燦爛新人生》。Michelle Williams:飾演女星Coco Rivington,電影裡面這位和歌手Jude愛恨糾纏的女演員,詮釋的角色是60年代紅極一時的女星Edie Sedgwick。如前段所言,Edie當時被紐約前衛電影導演Andy Warhol力捧,成為他工作室(The Factory)裡的一線女星,但是後來Edie愛上狄倫,情感糾紛外Edie又染上毒癮,加上揮霍無度,最後在戒毒所完結緊緊28年的燦爛人生。事實上,Edie在商業電影上並未取得很好的成就,她再進入電影圈前曾做過短暫的模特兒、甚至上過Vogue雜誌,但是因為當時她的八卦幾乎都和毒品斷不了關係,以至於在那個民權、反毒至上的年代,Edie被排除在正式的時尚圈外。儘管如此,Edie仍因為她獨有的時尚品味而成為主流媒體的寵兒,黑色緊身褲、貼身迷你裙、刻意染成金色的短髮、與和她巴掌大娃娃臉不成比例的超大耳環,成為Edie的正字標記。因此,在《巴布狄倫的七段航程》裡,我們看見 Michelle Williams詮釋的Coco頂著金色鮑伯頭、身著黑絲襪和連身超短裙穿梭在Jude出現的所有地方。當年,Edie愛上狄倫,雖然未正式公開戀情,但從訪談與各種資料裡可看出Edie和狄倫關係匪淺,直到狄倫和Sara秘密結婚一事爆發,兩人之間才正式決裂。謠傳Edie曾為狄倫墮胎,但家人只說 Edie的確曾拿過孩子,但是因為她長期吸毒,擔心胎兒發展不健全才下此決定,至於是否是狄倫的孩子,從未得到Edie家人的證實。後來,Andy Warhol的工作室被拍成電影《搖擺女孩》,故事就是以當年這位最紅的Factory女孩Edie為主軸。雖然這種拍片方式並不是導演陶德海恩斯第一次使用,早在電影《Velvet Goldmine》裡他就用這種敘事法講述Glam Rock歌手Brian Slade的故事,但是在《巴布狄倫的七段航程》裡,人物關係更複雜,若不先對美國音樂史和人權運動有些認識,進電影院很可能無法對陶德海恩斯的創意引起共鳴。跳躍式的剪接、不同人物代表不同人生階段的巴布狄倫,為一的共通點就是這些狄倫的眼神或態度也許都帶著冷淡、矛盾或暴躁、憂鬱,但卻又無時無刻地關 注著這個社會,唱出每一個年代的人民心聲。想認識美國音樂文化嗎?《搖滾啟示錄》將是相當棒的途徑,看完後,說不定你會對巴布狄倫、Woody Guthrie等人產生不一樣的興趣,甚至,願意重新發掘、用不一樣的角度聆聽這些民謠與搖滾先鋒的靈魂之聲。http://app.atmovies.com.tw/eweekly/eweekly.cfm?action=edata&vol=192&eid=v192113?巴布狄倫>維基百科?巴布·狄倫(Bob Dylan,1941年5月24日-),原名羅伯特·艾倫·齊默曼(Robert Allen Zimmerman),有重要影響力的美國唱作人,民謠歌手,音樂家,詩人。迪倫成名於1960年代,並被廣泛認為是美國六十年代反叛文化的代言人。他的一些歌曲,例如《答案在風中飄》(Blowing in The Wind)(或譯為《隨風而飄》等),成為在反戰抗議和民權運動中被廣泛傳唱的曲目。直到今天,他仍然是非常有影響力非常受歡迎的藝人之一。他的歌詞包含了政治抗議、社會評論、哲學和詩歌。除了在音樂上形式的探索以外,他也繼承了美國傳統的民謠、搖滾樂、鄉村和藍調音樂,甚至包括爵士和搖擺樂。[編輯] 職業生涯[編輯] 60年代前期迪倫於1941年5月24日出生於明尼蘇達州一個名叫杜魯斯的小鎮,他的祖父母是猶太裔的移民,於十九世紀末從立陶宛和烏克蘭移民到美國。他的童年生活,大部分都在收音機前聽廣播裡的藍調和鄉村歌曲中度過;他在高中的時候就有自己的樂團,最早已知的錄音John Bucklen Tape[2],是他於1958年與高中好友John Bucklen在迪倫家中翻唱Little Richard和Richard Rodgers等人的歌曲。他於1959年高中畢業,並前往明尼蘇達大學就讀。他在大學時代,漸漸對民謠產生興趣,開始在學校附近的民謠圈子演出,並首度以鮑伯?迪倫作藝名。大學第一年沒讀完,他就從學校退學,但依然留在明尼阿波利斯與那裡的民謠圈內演出。在1961年的一次從明尼阿波利斯到芝加哥的途中,迪倫改變主意,前往紐約,探望自己的音樂偶像伍迪?伽瑟裡,並在其面前演出。在一些紐約格林威治村的小俱樂部中的演出中,他逐漸脫穎而出,獲得了以Robert Shelton為首的樂評人的好評,並為哥倫比亞唱片公司的著名製作人約翰?哈蒙德所注意,於當年10月與迪倫簽訂了第一份唱片合約,為期五年,並於1962年推出了第一張名為《鮑伯?迪倫》的同名專輯。這張專輯裡,只有Song To Woody與Talking New York是迪倫自己的創作作,其餘都是他在格林威治村民謠圈子裡,向其他歌手學來的歌曲。他於1963年發行第二張專輯《自由馳騁的鮑伯?迪倫》(The Freewheelin' Bob Dylan),專輯中十三首歌都是迪倫自己的創作,並因其受到伍迪?伽瑟裡和喬?希爾而影響,以演唱抗議歌曲而出名,他這個時期最有代表性的歌曲之一,即《答案在風中飄》(Blowing in The Wind),在其後的反戰和民權運動中被反覆傳唱,而很多人也是透過在電影《阿甘正傳》中瓊?拜亞對這首歌的翻唱而認識迪倫。迪倫許多早期的歌曲,都是因為別人的翻唱才廣為人知,例如被人們稱為民謠女皇的瓊?拜亞與彼得、保羅與瑪麗,不僅翻唱過迪倫的歌曲,更是迪倫的重要支持者和朋友。自1963年起,瓊?拜亞邀請迪倫與她一起巡迴演出;1963年8月28日,兩人曾於著名的「華盛頓大進軍」這場大規模的民權運動遊行中,演唱Only A Pawn In Their Game與Keep Your Eyes On The Prize這兩首歌曲[3]。正是在這次大遊行中,馬丁·路德·金發表了他著名的《我有一個夢》的演講。在這個過程中,迪倫逐漸成為人們心目中民權運動的代言人,但是他本人卻對此開始反感起來。1963年底,在甘迺迪總統被刺殺不久之後,他前往接受國家緊急民權委員會的一個頒獎儀式,他帶著酒氣,質疑了委員會的作用。在此之後,他逐漸遠離民權運動和抗議歌曲。[編輯] 60年代後期他曾經於1963年和1964年,兩次在新港民謠音樂節(Newport Folk Festival)上演出。六零年代的民謠音樂界,對於搖滾樂的出現與盛行普遍感到不滿,迪倫卻在1965年7月25日,於當年的民謠音樂節中,第一次在舞臺表演中使用電吉他,在觀眾的掌聲和噓聲中,他僅僅演唱了三首「插了電(Plugged)」的歌曲,隨即被憤怒的聽眾趕下臺,這被認為是其從民謠轉向搖滾樂的轉折點。關於為什麼迪倫要在1965年的表演中使用電吉他,從而讓許多他原來的民謠聽眾認為他是一個叛徒,一直有著多種不同的解釋。但是,這次表演也被認為是民謠歷史上的一個重要時刻,因為它代表著即使是對迪倫這樣的繼承傳統的音樂家來說,民謠再也無法再滿足迪倫的需求了。1965年迪倫發行了自己的第一張搖滾專輯《重訪六十一號公路》(Highway 61 Revisited),其中的一曲《像一塊滾石》(Like a Rolling Stone)迅速登上美國排行榜第二名、英國排行榜第四名,後來並被Rolling Stone雜誌列為史上最偉大的歌曲。在專輯出版之後,迪倫開始在美國國內巡演,在這個過程中,仍然有歌迷要求他放棄搖滾樂,改回到民謠的原聲吉他中。1965年11月22日,迪倫與薩拉·勞登(Sara Lownds)秘密結婚,並於次年產下一女。他們共生有四個孩子,其中最小的雅戈布·迪倫(Jakob Dylan)也從事了音樂事業,並成為「牆花樂團」(The Wallflower)主唱。兩者於1977年離婚。1966年春,迪倫開始了自己在澳洲和歐洲的巡演。每次表演通常被分成兩個部分,一個部分為他使用木吉他的民謠表演,另一個部分則是用電吉他的搖滾樂表演。在巡演過後他回到紐約,但卻依然面臨著巨大的壓力。當年7月29日,他在紐約的伍德斯托克附近駕駛摩托車中,由於剎車錯誤而摔了下來,脖子受傷,暫時地從公眾視野中消失了一段時間,直到1968年1月20日於伍迪·伽瑟里的紀念音樂會中才再次在公眾面前出現。在六十年代剩下的幾年內,迪倫的音樂則開始向更具思考型發展,並受到了那什維爾鄉村音樂的影響。[編輯] 70和80年代當迪倫與與哥倫比亞的第二張合約期滿之後,雙方無法達成新約定,於是他在1973年與格芬唱片簽了一份發行一張專輯的合約,即Planet Waves;為了推銷這張唱片,迪倫於1974年與長年的老朋友The Band一起進行北美巡迴演出,巡迴演出結束後不久,與妻子的關係開始惡化。1975年,迪倫探望了深處囹圄中,因種族歧視蒙受不白之冤的黑人拳王羅賓?「颶風」?卡特(Rubin "Hurricane" Carter),並創作了一首長達八分多鐘的《颶風》("Hurricane")為他聲冤。同年10月30日,他展開一場名為「Rolling Thunder Revue」的巡迴,與瓊尼·米歇爾、Roger McGuinn、詩人Allen Ginsberg一起演出,甚至瓊·貝茨這位在民權運動後期,因為與迪倫意見不一而分道揚鑣的朋友,也與他重修舊好而加入巡迴。1977年7月29日,迪倫與Sara Lownds正式離婚;1979年,迪倫成為一名再生的基督徒(Born Again Christian),影響到他從1979年到1982年的創作,這段時間的三張專輯,Slow Train Coming、Saved、Shot of Love都帶有濃重的宗教氣息。80年代以後,迪倫的唱片得到的評論和市場的反應比較不一。在1985年,他與自己的伴唱歌手卡洛琳?鄧尼斯結婚,並在此年生下一名女孩。這次婚姻一直持續到90年代早期。1988年他入選了搖滾名人堂。1988年6月7日,迪倫在美國加州的 Concord 展開了一場名為Never Ending Tour的巡迴,此後以每年一百場上下的次數,在全球各地演出,這場巡迴至今已超過一千九百場。[編輯] 90年代至今進入90年代,迪倫出版唱片的速度開始變得緩慢,其中在1992年的As I Been to You、和1993年的World Gone Wrong中,他重新拾起早期的民謠,翻唱許多並不廣為人知的歌曲。1992年10月16日,在麥迪遜花園廣場,舉辦了一場紀念迪倫踏入歌壇三十年的演唱會,其中包括尼爾·楊(Neil Young)、埃里克·克萊普頓(Eric Clapton)、前披頭四吉他手喬治·哈里森(George Harrison)等人均到場表演[4]。1995年,迪倫在MTV音樂臺錄製不插電演唱會;1997年初,由於突然心臟病發作,當年的歐洲巡迴被迫取消,但他很快就康復出院,甚至還於當年9月27日,在教宗若望保祿二世面前表演[5]。1997年9月30日,迪倫發行了由Daniel Lanois製作的Time out of Mind,距離他上一張原創專輯Oh Mercy有八年之久。2001年9月11日,迪倫發行Love and Theft;2004年10月,他出版了名為Chronicles, Vol. 1,的自傳,作為計畫中三部分的自傳的第一部,記述了他的童年生活、在紐約奮鬥的經過、中年陷入創作低潮的心情…等。推出之後,該書停留紐約時報書籍非小說類排行榜長達19周。該書中文簡體版已由江蘇人民出版社和鳳凰出版傳媒集團共同出版,譯名為《像一塊滾石》;繁體中文版亦已由大塊文化出版股份有限公司出版,譯名為《搖滾記》。2005年,曾經導演過《出租車司機》、《憤怒的公牛》等影片的導演馬丁·史柯西斯執導了迪倫的自傳性電影No Direction Home,講述了從出生到摩托車事故之前的迪倫;片中有大量的訪談與實況演出的影像,包括迪倫當時的親密戰友瓊·拜亞、以及1966年5月17日在曼徹斯特那著名的吼聲(Judas!)。2006年8月底,迪倫發行了他第四十八張專輯"Modern Times",隨即登上美國排行榜第一名。他的上一張冠軍專輯,是三十年前的"Desire"。[編輯] 出版唱片1.Bob Dylan (1962)2.The Freewheelin' Bob Dylan (1963)3.The Times They Are a-Changin' (1964)4.Another Side Of Bob Dylan (1964)5.Bringing It All Back Home (1965)6.Highway 61 Revisited (1965)7.Blonde on Blonde (1966)8.John Wesley Harding (1967)9.Nashville Skyline (1969)10.Self Portrait (1970)11.New Morning (1970)12.Pat Garrett & Billy The Kid (1973)13.Dylan (1973)14.Planet Waves (1974)15.Before the Flood (1974)16.Blood on the Tracks (1975)17.Basement tapes (1975)18.Desire (1976)19.Hard Rain (1976)20.Street Legal (1978)21.Budokan (1978)22.Slow Train Coming (1979)23.Saved (1980)24.Shot of Love (1981)25.Infidels (1983)26.Real Live (1984)27.Empire Burlesque (1985)28.Biograph (1985)29.Knocked Out Loaded (1986)30.Down In The Groove (1988)31.Oh Mercy (1989)32.Under The Red Sky (1990)33.Good As I Been To You (1992)34.The Bob Dylan 30th Anniversary Concert Celebration (1993)35.World Gone Wrong (1993)36.Unplugged (1995)37.Time out of Mind (1997)38."Live 1966" (The ? Royal Albert Hall ? concert The Bootleg Series Volume 4) (1998)39.Love and Theft (2001)40."Live 1975" (2002)41."Live 1964" (2004)42.Modern Times (2006)43.Together Through Life (2009)http://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E9%B2%8D%E5%8B%83%C2%B7%E8%BF%AA%E4%BC%A6?披頭四樂團>維基百科?披頭四(英文:The Beatles),英國樂團,於1960年成立於利物浦,1970年解散。成員為約翰·藍儂(節奏吉他、主音、作詞作曲)、保羅·麥卡尼(貝斯、主音、作詞作曲)、喬治·哈里森(主音吉他)及林哥·史塔(鼓手)。經理人為布萊恩·艾普斯坦。披頭四樂團被公認為英國音樂在二十世紀六十年代「入侵」美國的代表人物。其音樂風格源自五十年代的搖滾,之後開拓了各種曲風如迷幻搖滾、流行搖滾、古典音樂的融合等。其音樂性之創新深深影響了之後的歐美樂壇發展,而隨著作品的社會意識日漸加深,他們的影響力也伸延到六十年代的社會及文化革命方面。當1970年樂團解散後,各成員也以成功的個人歌手事業繼續發展。披頭四常被認為是流行樂壇歷史上,在商業上最成功與最偉大的樂團。依RIAA正式統計,其為美國國內生涯銷量最高歌手,總銷超過1億7千萬張。[1] 而全球銷量據信超過10億張。[2] 在英國,他們有15張冠軍專輯,在美國有19張冠軍專輯與20張冠軍單曲,皆為史上最高。?[編輯] 簡歷1962年與EMI百代唱片公司簽約錄製唱片。1963年初,單曲唱片《Please Please Me》登上英國排行榜首位。1964年,披頭四首次前往香港演出。1964年,披頭四首次前往美國演出。1966年在東京的日本武道館舉行了大規模的音樂會。1966年8月29日晚在舊金山舉行最後一場收費現場音樂會。1970年4月10日,保羅·麥卡尼個人專輯中的話被媒體視為宣布樂團解散。1970年12月31日,保羅正式起訴樂團其他三位成員,要求結束樂團合作並指明管理並分配樂團財產的正式人選。[編輯] 建立(1957-1960)[編輯] 19571957年3月,約翰·藍儂建立了一個名為 The Quarrymen(採石工人)的噪音爵士(Skiffle)樂團。麥卡尼在同年6月6日第一次見到藍儂,不久,他同意加入樂團。[編輯] 1958-19601958年2月6日,麥卡尼邀請Harrison來看樂團的表演。1958年的一次排練後,Harrison也加入了The Quarrymen,成為樂團主音吉他手。當時,藍儂 和麥卡尼都負責演奏旋律吉他。1959年,樂團第一任鼓手Colin Hanton離開樂團後,樂團的鼓手人選大量變更。1960年1月,藍儂的朋友Stuart Sutcliffe成了樂團的貝司手。從「The Quarrymen」開始,樂團更換過幾個名字,包括「Jonny And The Moondogs"和「Long John And The Beetles」。Sutcliffe表示,「The Beetles」這個名字是對Buddy Holly 和 The Crickets 的讚頌。1960年,樂團把名字改為「The Beatles」。此時,樂團的非正式經理人Allan Williams安排他們去德國漢堡的一家酒吧演出,沒有鼓手對樂團來說成了一個大問題。[編輯] 在Hamburg,Cavern Club的活動,被Brian Epstein發掘(1960-1962)[編輯] 19601960年8月12日,樂團對Pete Best進行了試聽,隨後Pete便同意加入樂團做鼓手並一起在Hamburg表演。Pete加入後4天,樂團就去了Hamburg。The Beatles 在Bruno Koschmider的Indra Club待了48天,10月時他們轉移到了the Kaiserkeller,但他們不久又答應了在 Top Ten Club的演出,由於這間酒吧是Koschmider的死對頭,他們的合同被解除了。Koschmider很生氣,於是向德國當局報告Harrison謊報年齡的事,導致Harrison在11月21日被驅逐出境。麥卡尼和Best也在另一場演出中被控縱火,隨後也被驅逐。藍儂則在12月中旬回到了利物浦(Liverpool),而此時Sutcliffe卻和他的德國未婚妻Astrid Kirchherr一起留在了Hamburg。12月17日,重聚的樂團在The Casbah Coffee Club進行了一次表演,Chas Newby代替了Sutcliffe。[編輯] 19611961年4月,The Beatles回到Hamburg,再次在the Top Ten Club表演。他們被歌手Tony Sheridan(他當時也在酒吧)雇傭做伴奏樂團,參與由著名樂團指揮 Bert Kaempfert製作的德國Polydor Records唱片公司的一系列錄音。7月22日進行第一次錄音時,Kaempfert與樂團正式簽約,10月31日Polydor唱片公司發行了由Sheridan領唱的"My Bonnie (Mein Herz ist bei dir nur)",這首歌登上了德國榜單。美國Decca Records唱片公司也發行了少量複製碟。當樂團回到利物浦,Sutcliffe與Kirchherr留在了Hamburg,所以只好由麥卡尼勉強擔任貝司手。2月21日星期二,The Beatles在The Cavern Club進行了他們的第一次表演。從1961年到1962年,他們在這家酒吧進行了292次表演,直到1963年4月3日。1961年11月9日,Brian Epstein第一次在酒吧里看到The Beatles的表演,[編輯] 19621962年1月24日,他們就和Epstein簽了一張5年的合約。Kaempfert同意與The Beatles解約,但Decca Records A&R的管理人員Dick Rowe卻對Epstein說「吉它樂團已經過時了,Epstein先生。」Epstein隨後與EMI的市場經理Ron White相接觸,並通過他認識了EMI的製作人Norrie Paramor、Walter Ridley、和 Norman Newell,但他們都拒絕為樂團製作唱片。由於EMI的第四個王牌製作人George Martin正在度假,White無法聯繫到他。從1962年4月13日到5月31日,The Beatles回到了Hamburg在The Star Club進行表演。到達後,他們就聽說了Sutcliffe腦溢血死亡的消息。[編輯] 出道,巨大成功,巡迴演唱(1963-1965)[編輯] 1963Epstein在倫敦牛津街上的HMV音像商店把The Beatles在Decca的錄音室錄製的歌曲轉換為唱片。他隨後向EMI的發行部門執行人員Sid Coleman求助。最後,他見到了Martin,Martin把樂團簽到了EMI旗下的Parlophone唱片公司,為期一年(可續)。與Martin進行了第一次錄音後,Martin向Epstein抱怨鼓手Best的問題,並建議樂團在錄音室啟用臨時鼓手。除了Martin的批評,Epstein也因Best拒絕與樂團在舞臺上統一造型大為光火。當Beatles的個別成員聽說了Martin的意見後他們向Epstein提出要求開除Best,1962年8月16日,Best被解僱了,這時Epstein已經向Ringo Starr提出了加入樂團的邀請。Starr是Rory Storm and the Hurricanes的鼓手,在Humburg時,當Best太虛弱而無法打鼓時,Starr有幾次代替他與Beatles表演。9月4日,Starr參與了Beatles在EMI的第二次錄音,但在9月11日的下一次錄音中,Martin又僱用了臨時鼓手Andy White 。White只參與了兩首發行的作品,Beatles第一張專輯的"Love Me Do"和"P.S. I Love You"。在1962年6月6日的Beatles的第一次EMI錄音中,他們沒有做出任何值得發行的東西,但9月的錄音中他們就製造了一首英國熱門單曲,最高達到17名的"Love Me Do"。1964年5月,這首歌得到了美國單曲榜第一。1962年9月26日,樂團錄製了他們的第一支單曲,"Please Please Me",這首歌拿到了英國榜第2名,NME第一名。3個月後他們錄製了與之同名的第一張專輯。隨後發行的單曲"From Me to You"成了他們第一支冠軍單曲。樂團第一次在電視上表演是在People and Places節目上,這是一場由Granada Television轉播的10月17日在Manchester的表演。隨著The Beatles的名聲越來越大,他們有了第一批狂熱追隨者,這些人被稱為"Beatlemania"。1963年,The Beatles的圖標第一次被印在Starr的大鼓上。1963年初,Beatles開始在英國大受歡迎,但美國的唱片公司卻沒有立刻跟隨英國的成功發行他們的專輯,有一次他們嘗試了發行,但Beatles在美國的商業成功卻由於版權問題和對他們髮型的嘲笑而受阻。1963年12月10日一則5分鐘的關於英國Beatlemania的報導在CBC Evening News上播放。一名少女向當地電臺提出廣播Beatles唱片的要求,這觸發了一系列事件,最終造成了單曲「I Want to Hold Your Hand」在美國的快產速銷與盼望已久的商業突破。"Please Please Me" 在英國的大受歡迎給樂團帶來了一系列的表演機會,Beatlemania風潮在英國迅速傳播。一年後,"I Want To Hold Your Hand"在美國受到歡迎,Beatles風潮席捲全球。1964-66年,The Beatles在美國進行巡演。在巡迴演出的4年中,樂團在美國出現將近60次,在全球表演超過1400次。1963年2月11日,The Beatles的第一次英國巡演開始了。一個月的演出結束後,3月和5月他們各進行了3個星期的表演,1963年11月則進行了長達6個星期的巡演。除了這四場全國性的巡演,The Beatles還在1963年進行了大量單場演出。他們的每次表演都受到歌迷的熱情歡迎。為了控制人群,警察不得不使用高壓水管。Beatles演唱會中警察的安全成了全國關注的問題。在The Beatles演唱會上出現的美國嘉賓有 Tommy Roe, Chris Montez 與 Roy Orbison。這三人在英國都受到廣泛歡迎,但在1963年的巡演中,他們的光芒還是被The Beatles遮掩了。1963年11月4日,The Beatles在一場有英國女王、母后、公主等王室貴賓及觀眾前作現場表演演出,約翰·藍儂在演出中非常幽默又帶點嘲諷的對著舞臺下所有觀眾說: 為了我們最後的表演,我想要你們的幫忙,坐在普通座位票的觀眾們請你們鼓掌,其餘的那些人請嘎嘎響你們的珠寶(For our last number, I'd like to ask your help. The people in the cheaper seats clap your hands. And the rest of you, just rattle your jewelry).[編輯] 19641964年2月7日,4000名歌迷在Heathrow機場歡呼著為即將第一次出發前往美國的樂團送行。在一些早期的發行物失敗後,「I Want to Hold Your Hand」在短短的兩個星期內賣出了260萬張,但The Beatles還是對他們能否在美國獲得廣泛接納感到擔心不已。然而當他們到達John F. Kennedy機場時,他們仍舊受到了3000位歌迷的熱烈歡迎。到達美國兩天後,他們在The Ed Sullivan Show進行了第一次美國電視表演,大約有7400萬觀眾收看了這場表演,這幾乎是當時美國人口的一半。表演後第二天的早上,一家報紙寫道Beatles「無法從大西洋彼岸把完美的旋律帶過來」,但第二天,1964年2月11日,在華盛頓的露天體育場(Washington Coliseum),披頭四便狂潮刮到了美國。The Beatles在美國的成功也造成了「英國入侵」風潮,隨著Beatles的到達,一批英國樂團在美國大受歡迎。1964年中期樂團為了宣傳他們的第一部電影A Hard Day's Night第一次踏足歐洲與北美之外的版圖。他們到達澳洲時,Starr正患扁桃體炎,臨時由來自澳洲Adelaide的鼓手Jimmy Nicol.代替。在Adelaide Town Hall,The Beatles收到了超過30萬人的歡迎。6月21日,當The Beatles到達紐西蘭時,Ringo才回到樂團。[編輯] 19651965年6月,Queen Elizabeth II(伊莉莎白二世)任命Beatles為「帝國勳章獲得者」(MBE)。這是由總理Harold Wilson提議的。在The Beatles之前,得到此勳章的都是退伍老兵或民間領袖。這也使得一些保守的MBE獲得者發表書面聲明要求退回獎章。1965年8月15日,The Beatles在美國的Shea Stadium進行了搖滾史上的第一場大型表演,吸引了55,600人。8月27日,The Beatles在Bel Air大廈與Elvis Presley見面。傳記作者Peter Guralnick堅持說Presley對於他不認識的人一向很冷淡。保羅·麥卡尼後來說:「這是我一生中最美好的會面之一……我只見過他一次,我想我們事業的成功可能有一點點影響到了他,我們覺得很傷心,因為我們都希望可以和他友好相處。」Presley的朋友Marty Lacker回憶道:「Elvis說『坦白地說,如果你們要整晚盯著我,那我寧願去睡覺。我想我們應該聊一聊或做些輕鬆愉快的事。』當他這麼說的時候,The Beatles樂得快發瘋了。」The Beatles與Presley講著有趣的故事,互相打趣,一起聽唱片,還一起即興地表演了一番。「他們一起去彈鋼琴,」Lacker說,「Elvis拿出兩把吉他。他們開始唱Elvis,Chuck Berry和Beatles的歌曲。Elvis彈奏了"I Feel Fine"中Paul的貝司旋律,Paul說『你在貝司上很有前途,Elvis。』」The Beatles的第6張專輯,Rubber Soul在1965年12月上旬發行,被認為是樂團的音樂變得更加成熟與複雜的標誌。[編輯] 爭議,重返錄音室,解散(1966-1970)[編輯] 19661966年7月的一次菲律賓巡演中,The Beatles無意間怠慢了該國第一夫人Imelda Marcos,她希望能夠邀請樂團在總統府共進早餐。受到邀請時,Epstein代表樂團委婉地拒絕了,因為他的策略是從不接受這樣的官方邀請。樂團很快發現Marcos政團不習慣於得到「不」的回答,由此造成的騷動使樂團陷入難以離開該國的危險。就在他們從Philippines回來後,當年3月藍儂的一些言論引發了樂團與一些宗教組織和美國保守人士的衝突。在一篇英國記者Maureen Cleave的採訪中,藍儂說他認為基督教正在衰落,並說The Beatles「現在比耶穌還受歡迎」。美國一本青少年樂迷雜誌轉載了這篇報導後,引起了美國南部「Bible belt」(聖經帶,美國南部部份州份的別名。這些州份的民風非常保守,對宗教非常狂熱)的強烈社會反響。藍儂對此致歉,但直到1971年,美國南部仍禁止出售他們的唱片。Capitol Records發行的Beatles的唱片「Yesterday and Today"造成了一次騷亂,由於封面上The Beatles穿著屠夫的衣服,帶著生肉與斷肢的塑料娃娃。虛假的流言說這是對於唱片公司刪減他們唱片內容的回應。他們更換了另一個唱片封面,而那些未經審查的原版Yesterday and Today唱片現在價值連城,其中一張在2005年12月的一場拍賣會中賣出了$10,500的高價。Presley明確地表示反對The Beatles的反戰活動與藥物濫用,後來還請求Richard Nixon 禁止樂團的四名成員進入美國。Peter Guralnick寫道:「『The Beatles』,Elvis說,『已經成了反美主義的焦點。他們來到美國賺我們的錢,再回到英國煽動反美情緒。』」Guralnick補充:「Presley認為The Beatles 60年代中早期在美國表演時邋遢的外表與有暗示意味的音樂造成了一些年輕人的社會問題。儘管Presley如此評價他們,藍儂對他的評價仍然很高,說:「在Elvis之前什麼都沒有。」麥卡尼後來也說他「感到有一點被辜負了(由於Presley的觀點)...最大的玩笑是他說我們吸食藥物,那看看他幹了什麼吧...這讓人很傷心,但我仍然很喜愛他...」但是Bob Dylan注意到了The Beatles的貢獻,他說:「美國應該為The Beatles樹座雕像。他們幫助美國找回了它的驕傲。」Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band1966年8月,The Beatles在舊金山的Candlestick公園進行了美國巡演的最後一次商演。11月他們開始製作Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band專輯。他們用了將近700次錄音來製作這張專輯,音樂製作複雜精良,並創造了四軌錄音技術,使當時希望超越Beatles的音樂人們大吃一驚。Beach Boys的領導者Brian Wilson在聽過"Strawberry Fields Forever"後覺得深感威脅。1967年6月Sgt. Pepper發行了,同月,樂團在電視上表演了"All You Need Is Love",這是首次使用全球直播的電視節目。8月,The Beatles第一次與Maharishi Mahesh Yogi(印度教超覺靜坐傳播者)見面。[編輯] 1967當The Beatles與Maharishi一同在Bangor進行超覺靜坐靜修時,Epstein的助手Peter Brown打電話告知了Epstein的死訊。驗屍官判定他的死因為意外的過量用藥,但新聞輿論界猜測這在某種程度上可能是自殺,因為傳言在Epstein的房子里發現了自殺遺書。藍儂說Epstein的死代表著樂團尾聲的開始:「我知道我們那時候可能會遇到麻煩...我想我們現在正是這樣。」由於他個人生活的一些問題,Epstein的情緒狀態很不穩定,壓力也來自於他與The Beatles的工作關係,由於他與Beatles的合同在秋天將滿期,他擔心他們不滿他對於商業事務的處理而不與他續簽合同。[編輯] 1968Epstein的死讓樂團對他們的前途感到不知所措而恐懼。他們從成功開始就依靠Epstein,而現在他們只有把Maharishi當作精神領袖。他們計劃與Maharishi在他位於Rishikesh的靜修處一起度過3個月。儘管10個星期後Starr就回到了英國,剩下的成員呆在印度的時候是他們最富有創造力的時光。1968年2-4月,他們創作了很多歌曲,其中17首被收錄在專輯The Beatles中,也就是通常所說的The White Album。被稱為Magic Alex或 "the Greek wizard"的Beatles的電子技術員Yanni Alexis Mardas陪同樂團一起進行了靜修。他表示Maharishi在試圖控制他們。最後他提醒樂團,Maharishi並不是他看起來那麼簡單。藍儂怒火中燒,寫了一首名為"Maharishi"的歌來表達情緒,為了避免法律糾紛,這首歌的名字被改成了"Sexy Sadie"。[編輯] 1969?蘋果唱片公司位於倫敦Savile街3號的原址,屋頂就是Let It Be的演出場所從印度回來的The Beatles建立了蘋果唱片公司中文維基百科未有蘋果唱片公司頁面,可參考英語維基百科的對應頁面,Apple Corps。,這也是Epstein原本計劃要做的。專輯Magical Mystery Tour在美國立刻收到歡迎,並在前三周創下了首發專輯的最高銷量記錄。但是在1967到1968年的冬天,他們的電視電影Magical Mystery Tour受到了禁止複審。他們第一張在蘋果唱片發行的唱片在英美兩國都得到了第一名。但在錄音期間,意見分歧使樂團開始陷入分裂,Starr離開了樂團一段時間,所以在一些歌曲中只好由麥卡尼來打鼓。1969年1月,The Beatles開始製作記錄他們下一張專輯製作過程的電影Get Back。1月30日,他們在錄音期間在倫敦3 Savile街道的蘋果唱片公司的屋頂進行了最後一次現場表演。表演的大部分被錄製下來並收錄於電影Let It Be中。這項工作被撇開了,但很快又重新開始製作並由美國的Phil Spector配樂。1969年夏天,The Beatles錄製了他們全員在一起的最後一張專輯,Abbey Road。1969年8月20日錄製的"I Want You (She's So Heavy)" 是樂團四個人最後一次一起在錄音室里工作。1969年12月20日藍儂向其它成員宣告離開樂團,但他同意直到一些法律糾紛解決前不向公眾宣布。他們最後一首新歌是1970年1月3日錄製的Harrison的"I Me Mine",收錄於Let It Be專輯。錄製當時藍儂正在丹麥,沒有參與。[編輯] 19701970年4月10日,麥卡尼公開宣布他離開The Beatles的消息,一個星期後,他的個人專輯麥卡尼發行。預售版的專輯包括他自己撰寫的他與The Beatles在一起的故事與他對未來的希望。5月8日,Spector製作的Get back被更名為Let it be並在同名紀實電影之後發行。儘管1970年12月31日麥卡尼就已經申請並解散了樂團,但直到1975年The Beatles仍有合作。[編輯] 解散後(1970-2010)[編輯] 1970-1980正式解散之前一小段時間與隨後的幾年,Beatles的四名成員都發行了個人專輯。其中有一些包括與前Beatles成員的合作,Starr的Ringo是唯一一張四個人都有參與的,儘管是在不同的歌曲中。1971年8月Harrison與西塔琴大師Ravi Shankar一起在紐約進行了Concert For Bangladesh(孟加拉國)。除了1974錄製的一段未發行的即興演奏,藍儂和麥卡尼再也沒有合作。1975年,緊隨著The Beatles與美國唱片公司EMI的解約,EMI在離開樂團的控制後迫不及待地將公司手上的大量Beatles版權兌換現金,發行了5張LP:Rock 'n' Roll Music(他們的快歌彙編)、The Beatles at the Hollywood Bowl(包括兩次在Hollywood Bowl現場的未發行曲目)、Love Songs(他們的慢歌彙編)、Rarities(他們未在美國發行或已售罄的單曲彙編)和Reel Music(他們電影里的歌曲彙編)。還有一張名為Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962的非官方EMI唱片,這是樂團早期在漢堡Star Club表演時用一架麥克風錄下來的。所有這些樂團解散後發行的LP中,只有Hollywood Bowl LP是樂團成員所認可的。1986年在美國發行了原版的英國CD後,這些LP停止了發行。[編輯] 1980-19901980年12月8日,藍儂在紐約被槍殺。1981年5月,Harrison發行了一支關於他和The Beatles在一起的時光的迷宮名為"All Those Years Ago"的單曲。這首歌是在藍儂死前一個月錄製的,Starr負責打鼓,後來作為向藍儂致敬的曲目改詞重錄。麥卡尼和他的妻子琳達在這首歌里擔任和聲。1982年4月,麥卡尼發行了Tug of War專輯,其中包含他向藍儂致敬的歌曲"Here Today"。1988年,The Beatles在他們取得資格的第一年進入了搖滾名人堂。當晚,Harrison,Starr,藍儂的遺孀小野洋子及他的兩個兒子朱利安·藍儂和席恩·藍儂當場領獎。麥卡尼沒有出席,他在預錄影像中提到:「20年後,The Beatles之間還是留有一些商業糾紛,我希望它們現在已經解決了。但是很不幸地並沒有,所以我感覺自己像是個偽君子在向他們招手微笑,這只會是一次虛偽的重逢。」接下來的一年,EMI公司解決了持續10年之久的Beatles的版權官司,這使發行一些早期的歌曲成為可能,導致了Live at the BBC專輯與精選的發行。[編輯] 1990-20001994年,麥卡尼、Harrison與Starr為精選集的製作而重聚,這項工作是六十年代末由Neil Aspinall開始策劃的。Aspinall最初是他們巡演時的旅行管理員,後來成了他們的私人助理,1968年他成為蘋果唱片的經理後,他開始為一部紀錄片搜集The Beatles的音樂片段。Aspinall暫時把紀錄片命名為The Long and Winding Road,。這部紀錄片以The Beatles自己的視角來講述他們的故事,其中包含了一些樂團未發行的早期作品,麥卡尼, Harrison與Starr還在七十年代末藍儂錄製的兩首示範作品里加入了一些樂器和和聲。1995到1996年,他們製作了一部有5個部分的電視劇,一套八張碟的錄像帶,三套包含兩張CD的唱片與兩支單曲。唱片由Klaus Voorman繪製封面,The Beatles在漢堡時就認識他,他也是1966年Revolver唱片封面的製作者。唱片獲得了極大的商業成功,全球約有四億人觀看了這部電視劇。[編輯] 2000-20102001年11月29日,Harrison死於肺癌。Martin與他的兒子Giles Martin為Cirque du Soleil的戲劇作品Love配樂重新製作了一些Beatles的歌曲。2006年原聲帶Love發行。2007年麥卡尼與Starr在Larry King Live的一次採訪中重聚並討論了他們對於戲劇的想法。Beatles成員的遺孀Yoko Ono與Olivia Harrison與麥卡尼和Starr一起出席了Love在Las Vegas的周年紀念。2007年,有報導稱麥卡尼希望完成"Now and Then",這是樂團在製作精選集時第三首藍儂的單曲,麥卡尼將在歌曲中加入一些創作,Starr將重新錄製鼓的部分,還會利用一些之前錄音的Harrison的吉他片段。2008年3月21日,The Beatles的律師為銷售據稱是1962年Starr第一次加入樂團表演時的未發行錄音發起訴訟。蘋果唱片與Miami Lakes的Fuego Entertainment Inc.展開了對Beatles在德國漢堡Star Club表演錄音的爭奪。2008年11月,麥卡尼表示希望能夠發行The Beatles的一首長達14分鐘的名為"Carnival of Light"的實驗性質的歌曲,但這需要通過Starr和Beatles成員的寡婦們的批準。2009年3月4日,BBC報導麥卡尼將發起一場慈善演唱會,Starr將作為嘉賓。2009年4月4日這場表演在Radio City Music Hall舉行。4月11日,Tom Petty、Jeff Lynne、Eric Idle、Jim Keltner、 麥卡尼、Joe Walsh與Harrison的妻子Olivia和兒子Dhani一起在Los Angeles參與了Harrison的名人步道頒獎。一款以Beatles為原型的遊戲 The Beatles: Rock Band 在2009年9月9日發行。同日,12張再版專輯(從Please Please Me 到Abbey Road再加上Magical Mystery Tour與Past Masters)以原始單音道版與立體聲版兩種版本發行。[編輯] 遺留影響[編輯] 對於流行文化的影響Beatles對於搖滾樂與流行文化的影響是前所未有的。六十年代末期,他們的髮型與著裝引領起世界範圍的模仿。在錄音室中The Beatles創新地使用高科技,與錄音工程師一起親密地工作,富有實驗精神並精益求精。同時他們堅持尋找方法利用一些偶然的錯誤,比如意外的吉他噪音,一個共鳴的玻璃杯以及錯誤的錄製使聲音倒放,他們把這些錯誤全部混合進他們的音樂中。 The Beatles重新定義了唱片,它不再只是包含幾首熱門單曲而剩下的歌曲僅僅作為填充物。他們還是英國第一個在發行單曲的同時帶有一些視頻片段的藝人。1965年Shea Stadium的North American tour是第一次登上大型體育館的娛樂性質演出。許多藝人表示受到Beatles音樂的影響或者曾經通過翻唱他們的歌曲取得成功。[編輯] 藥物濫用在漢堡時,The Beatles為了娛樂以及在一整晚的表演中維持興奮狀態,曾使用prellies(苯甲嗎啉)。麥卡尼通常只使用一劑,但藍儂卻一次使用四到五劑。在1964年他們去紐約時,Bob dylan給他們介紹大麻,麥卡尼記得他們吸食後都「很興奮」並一直傻笑。在製作電影Help!期間,The Beatles一次偶然在去錄音室的車裡吸食了大麻煙捲,這有時讓他們幾乎失去了底線。1965年4月,他們的熟人牙醫John Riley在藍儂與Harrison不知情的情況下往他們的咖啡里加入了LSD(迷幻藥)。麥卡尼更加反對毒品,但1966年他還是吸食了,他是第一個公開討論這件事的Beatles成員,1967年6月他承認曾吸食4次毒品。1967年7月4日The Beatles的名字被寫入一篇泰晤士報的啟示,內容包括由於持有大麻而入獄的罪犯名單與大麻的藥用功能等。該啟示由一名為Soma(軀體)的組織發起,包括Epstein、Graham Greene、R.D. Laing、15名醫生與兩個英國政府警察在內的65個人在其中籤名。[編輯] 所受影響當樂團還叫做The Quarrymen並剛開始從skiffle音樂過渡時,在他們的搖滾歌曲中混合了艾維斯·普利斯萊與Little Richard的元素,從1957年開始,直到他們在1966年的最後一場演唱會,樂團比其它任何藝人翻唱了更多Chuck Berry的歌曲。1962年4月到5月,The Beatles與Little Richard一起在漢堡的Star Club表演,期間他們建立了友誼, Little Richard還教給了Beatles一些表演技巧。對於Presley,藍儂說:「從來沒有什麼給過我如此大的影響,直到我聽到Elvis。如果沒有他,也不會有Beatles。」貓王去世後,約翰·藍儂說,「貓王雖死,但搖滾不滅,貓王萬歲。」「是Elvis讓我第一次有了想買唱片的衝動。他的早期作品非常棒。Bill Haley的時代僅僅從我身邊掠過。我媽媽經常收聽廣播中播放的他的音樂,但我沒有受到任何影響。是Elvis讓我開始追隨音樂。」其他早期影響他們的人有Buddy Holly、Eddie Cochran、Carl Perkins及Roy Orbison。在The Beatles獲得成功後,他們仍然從同時代的藝人中得到新的靈感,包括Bob Dylan、Frank Zappa、the Byrds及the Beach Boys,他們的專輯Pet Sounds是McCarney的最愛。Beatles的製作人Matin曾說「沒有Pet Sounds就不會有 Sgt. Pepper,Pepper是一次希望超越或與Pet Sounds等同的嘗試。」[編輯] 音樂性Beatles對於在每首歌中都能有所創新的堅持,再加上Martin卓越的管理才能,以及EMI專業的錄音工程師如Norman Smith、Ken Townsend及Geoff Emerick,這些都是組成Rubber Soul(1965)、Revolver(1966)及Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band(1967)這些優秀專輯的要素。除了一些錄音技巧,比如音響效果,特別的麥克風位置,雙軌與變速錄音,The Beatles還使用了一些在當時的傳統搖滾樂中不會使用的樂器,如弦樂,銅管,"Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" 中的印度樂器西塔琴以及"Strawberry Fields Forever"中的swarmandel(印度豎琴)。他們還使用了一些早期的電子樂器,比如麥卡尼在"Strawberry Fields Forever"的開頭利用一種電子琴模擬了長笛的聲音,以及"Baby You're a Rich Man"中類似雙簧管的聲音也是另一種電子琴模擬的。1965年他們在Yesterday中使用了弦樂四件套,The Beatles就此開創了藝術歌曲的先河,為使用兩組弦樂四人組的"Eleanor Rigby" (1966)與"She's Leaving Home" 做出了示範。一場名為Bach's Brandenburg Concerto No. 2的電視表演直接讚賞了麥卡尼在 "Penny Lane"使用高音小號的做法。The Beatles 1966年的"Rain" 與"Tomorrow Never Knows"、1967年的"Lucy in the Sky with Diamonds"、 "Strawberry Fields Forever"與"I Am the Walrus" 則開創了迷幻搖滾。[編輯] 電影The Beatles參演了五部電影,這些電影全部發行了原聲帶。在Richard Lester執導的兩部電影A Hard Day's Night (1964)與Help! 中,The Beatles就演他們自己。樂團導演,製作並主演了時長一小時的電視電影Magical Mystery Tour (1967)。帶有迷幻色彩的動畫電影Yellow Submarine(1968)講述了樂團成員們的一次卡通冒險,但其中沒有使用他們的聲音,成員們只是在影片最後簡短的實景拍攝中出現。他們的最後一部電影,紀實片Let It Be在1970年上映,獲得了1971年的奧斯卡最佳配樂獎。從1965到1969年,The Beatles在他們自己的電視節目Saturday morning cartoon series中擔任角色,這是一部像A Hard Day's Night一樣的滑稽劇。每半個小時的節目中就有兩首由其中對應的卡通人物跟著原版錄音表演的Beatles的歌曲。卡通角色們的聲音是由配音演員Paul Frees與Lance Percival錄製的。[編輯] 世界及地方紀錄[編輯] 英國專輯榜冠軍最多(15張)單曲榜冠軍最多之團體(17張)單曲榜在榜最久之團體(456周)單曲榜據冠軍最久之團體(69周)單曲榜TOP 10最多之團體(28張)專輯榜據冠軍最久(174周)[編輯] 美國唱片銷售最高(170白金)單曲榜冠軍最多(20張)專輯榜冠軍最多(19張)專輯榜據冠軍最久(132周)單曲榜在榜最久之團體(609周)單曲榜據冠軍最久之團體(59周)1964年4月4日之單曲榜,披頭四佔據了前5名。同樣現象至今仍未出現第二次。[編輯] 其他國家德國單曲榜冠軍最多(12張)澳洲單曲榜冠軍最多(23張)荷蘭單曲榜冠軍最多(21張)瑞典單曲榜冠軍最多(18張)加拿大單曲榜冠軍最多(22張)挪威單曲榜冠軍最多(21張)[編輯] 音樂作品主條目:披頭四作品列表[編輯] 英語專輯?大碟Abbey Road英國 《Please Please Me》(1963年3月22日)《With The Beatles》(1963年11月22日)《A Hard Day's Night》(1964年7月10日)《Beatles For Sale》(1964年12月4日)《Help!》(1965年8月6日)《Rubber Soul》(1965年12月3日)《Revolver》(1966年8月5日)《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》(1967年6月1日)《The Beatles》(1968年11月22日)《Yellow Submarine》(1969年1月17日)《Abbey Road》(1969年9月26日)《Let It Be》(1970年5月8日)美國 《Introducing... The Beatles》(1964年1月10日)《Meet The Beatles!》(1964年1月20日)《The Beatles' Second Album》(1964年4月10日)《A Hard Day's Night》(1964年6月26日)《Something New》(1964年7月20日)《Beatles '65》(1964年12月15日)《Beatles VI》(1965年6月14日)《Help!》(1965年8月13日)《Rubber Soul》(1965年12月6日)《Yesterday and Today》(1966年6月15日)《Revolver》(1966年8月8日)《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》(1967年6月1日)《Magical Mystery Tour》(1967年11月27日)《The Beatles》(1968年11月22日)《Yellow Submarine》(1969年1月13日)《Abbey Road》(1969年10月1日)《Let It Be》(1970年5月8日)加拿大 《Beatlemania! With The Beatles》(1963年11月25日)《Twist and Shout》(1964年2月3日)《The Beatles' Long Tall Sally》(1964年5月11日)http://zh.wikipedia.org/wiki/The_Beatles?艾維斯·普利斯萊>維基百科?艾維斯·普利斯萊艾維斯·普利斯萊(英語:Elvis Presley,1935年1月8日-1977年8月16日),暱稱貓王(The Hillbilly Cat and King of the Western Bop),知名美國搖滾樂歌手與演員。普萊斯里出生於密西西比州圖珀洛(Tupelo, MS),曾經在德國美軍基地服役,與他同期的搖滾歌手還有Dean Martin、Bill Haley、Chuck Berry、Buddy Holly、Jerry Lee和Little Richard等。美國南方歌迷為他取的暱稱「The Hillbilly Cat」,意為「來自南方的小貓」。?[編輯] 歌壇?1957年艾維斯·艾倫·普里斯利於1月8日誕生於密西西比州塔佩洛鎮,他有一個雙胞胎兄弟傑西蓋倫,但出生時已早夭。母親葛萊蒂絲很寵他,父親佛農曾因詐騙入獄多年。1944年5月5日,9歲的貓王首次登臺表演,他在密西西比州的亞拉巴馬博覽會上演唱了鄉村歌曲《老牧師》(Old Shep),不久搬到田納西州的孟菲斯,開始和一些職業樂手接觸,參加「黑森林兄弟」(Black Wood Brothers)的演出。高中畢業,隔天便立即到「皇冠電子公司」擔任卡車司機的工作,同年在聖菲利浦公司的曼菲斯錄音部門錄下兩首歌,《My Happiness》和《That's When Your Heartaches Begin》。1954年7月7日,貓王發行生平第一張單曲唱片,《That's All Right, Mama》,他舞臺上獨特的扭臀動作,加上將黑人的節奏藍調(rhythm & blues)和白人的鄉村歌曲融為一體,讓聽眾如癡如醉,結果聽眾瘋狂打到電臺要求重播。他在演唱時雙腳會不住的抖動,美國一位紅衣主教認為他帶壞美國青少年。當時的電視臺鏡頭只敢在他上半身打轉。1955年11月,Sun Records老闆Sam Phillips以35000美元把貓王的合約轉讓予RCA的分公司Victor,上校湯姆帕克(Colonel Tom Parker,真名安德列馮凱克)成為他的經理人。湯姆帕克是一位精明的生意人,他成功塑造了貓王的形象。是年3月貓王推出加盟RCA首張專輯《Elvis Presley》,蟬連了Billboard專輯榜10周冠軍。同年單曲《Love Me Tender》就佔據了全美4項排行冠軍。1956年9月,RCA公司將貓王的7首單曲同時發行,至12月皆排行榜首。1957年出版了專輯《艾維斯的聖誕集錦》(Elvis' Christmas Album)。[編輯] 英語專輯《Elvis Presley》(1956年3月23日)《Elvis》(1956年10月19日)《Elvis' Christmas Album》(1957年10月15日)《Elvis Is Back!》(1960年4月8日)《His Hand in Mine》(1960年12月)《Something for Everybody》(1961年6月17日)《Pot Luck》(1962年6月5日)《How Great Thou Art》(1967年2月20日)《From Elvis in Memphis》(1969年6月17日)《Back in Memphis》(1970年11月)《Almost in Love》(1970年11月)《Elvis' Christmas Album》(1970年)《Elvis Country》(1971年1月2日)《Love Letters from Elvis》(1971年6月16日)《Elvis Sings the Wonderful World of Christmas》(1971年10月20日)《Elvis Now》(1972年2月20日)《He Touched Me》(1972年4月)《Elvis》(1973年7月)《Raised on Rock》(1973年10月1日)《Good Times》(1974年3月20日)《Promised Land》(1975年1月8日)《Today》(1975年5月7日)《From Elvis Presley Boulevard Memphis Tennessee》(1976年5月)《Moody Blue》(1977年7月19日)[編輯] 英語精選輯《Elvis' Golden Records》(1958年5月21日)《50,000,000 Elvis Fans Can't Be Wrong:Elvis' Gold Records - Volume 2》(1959年11月13日)《Elvis' Golden Records Volume 3》(1963年8月11日)《Elvis' Gold Records Volume 4》(1968年1月2日)《Elvis: A Legendary Performer Volume 1》(1974年1月2日)《Pure Gold》(1975年)《Elvis: A Legendary Performer Volume 2》(1976年1月8日)[編輯] 演唱會專輯《On Stage》(1970年6月)《Elvis in Person at the International Hotel》(1970年11月)《As Recorded at Madison Square Garden》(1972年6月18日)《Aloha from Hawaii: Via Satellite》(1973年2月4日)《As Recorded Live on Stage in Memphis》(1974年7月7日)《Having Fun with Elvis on Stage》(1974年10月)《Elvis in Concert》(1977年10月3日)[編輯] 英語合輯《For LP Fans Only》(1959年2月6日)《A Date with Elvis》(1959年7月24日)《Elvis for Everyone》(1965年8月10日)《Elvis Sings Flaming Star》(1969年4月)《Let's Be Friends》(1970年4月)《Worldwide 50 Gold Award Hits Vol. 1》(1970年8月)《You'll Never Walk Alone》(1971年3月22日)《C'mon Everybody 》(1971年7月)《The Other Sides - Elvis Worldwide Gold Award Hits Vol. 2》(1971年8月)《I Got Lucky》(1971年10月)《Elvis Sings Hits from His Movies, Volume 1》(1972年6月)《Burning Love and Hits from His Movies, Volume 2》(1972年11月1日)《Separate Ways》(1973年1月)《Double Dynamite》(1975年12月)《The Sun Sessions》(1976年3月22日)《Welcome to My World》(1977年3月)[編輯] 電影1956年貓王進軍影壇,拍下首部電影《Love Me Tender》」,1957年拍攝自傳電影《Loving You》,1960年,貓王開拍退伍後的首部電影《G.I. Blues從軍樂》,1961年2月25日田納西州州長宣布此日為「貓王日」。1961年十一月,貓王的第8部電影《藍色夏威夷》和原聲帶專輯同時推出,歌曲包括了《Blue Hawaii》、《No More》、《Moonlight Swim》和《Can't Help Falling in Love》。專輯榜首停留了20週。1961年到1968年之間主演了21部電影,這些好萊塢影片大多粗製濫造,貓王忙著拍電影,歌曲也都是為電影而唱,成績平平。[編輯] 電影原聲帶《Loving You》(1957年7月1日)《King Creole》(1958年9月19日)《G.I. Blues》(1960年10月1日)《Blue Hawaii》(1961年10月1日)《Girls! Girls! Girls!》(1962年11月9日)《It Happened at the World's Fair》(1963年4月10日)《Fun in Acapulco》(1963年11月1日)《Kissin' Cousins》(1964年4月2日)《Roustabout》(1964年11月)《Girl Happy》(1965年3月1日)《Harum Scarum》(1965年11月3日)《Frankie and Johnny》(1966年3月1日)《Paradise, Hawaiian Style》(1966年6月10日)《Spinout》(1966年10月31日)《Double Trouble》(1967年6月1日)《Clambake》(1967年10月10日)《Speedway》(1968年5月1日)《Elvis》(1968年11月22日)《That's the Way It Is》(1970年11月11日)《Frankie and Johnny》(1976年11月)[編輯] 入伍1957年12月21日,美國國防部爭取貓王入伍,貓王以平民身份接受徵召,召集令上通知他在隔年1月25日入伍。當時他正在拍一部新片,派拉蒙公司為他辦理緩召,先把電影拍完。1958年3月24日,貓王應召入伍,前往位在德州Killeen郊區的第二裝甲師營區報到,剪短了頭髮,兵籍號碼是US-53310761,月薪78美元。一些唱片評論家都說他不久就會被青少年遺忘。該年母親葛萊蒂絲過世,貓王相當傷心。1958年10月1日至1960年3月2日派往德國服兵役。1960年3月5日,貓王退伍。在德州服役期間,每星期至少收到一萬封歌迷的來信。同時他與空軍上尉Joseph Beaulieu十四歲的女兒普莉西拉·普萊斯里(Priscilla Beaulieu Presley)戀愛,Priscilla搬進Graceland與貓王同居,兩人於1966年結婚,隔年1967在拉斯維加斯的Aladdin飯店結婚。1972年兩人宣布分手,並於隔年離婚,法院判定Priscilla擁有女兒Lisa Marie Presley的監護權。[編輯] 私生活雖然貓王生平曾與不少知名女性相戀,據悉與他有過性關係的女性超過3,000人,當中包括性感女神瑪麗蓮·夢露[1],但卻只曾與普莉西拉·普萊斯里結婚,生有一女麗莎瑪莉·普萊斯里(en:Lisa Marie Presley)貓王擁有很多凱迪拉克車,他也喜歡贈送給親人朋友,他曾經購買過超過100輛的凱迪拉克各式轎車。[編輯] 下滑?1970年尼克森總統在白宮辦公室接見貓王1960年以後貓王突出的作品非常少,很明顯在走下坡。1967年,艾維斯發表了一張福音歌曲專輯《How Great Thou Art》,佳評如潮,奪得唯一的一座葛萊美獎。這時英國的披頭四征服了歐美流行音樂市場,使貓王的地位備受威脅。1968年,他以「U.S. Male」證明其無可動搖的地位。貓王的生活充滿了壓力,喜歡吃垃圾食物,尤喜歡吃烤得焦熟的食物,如果侍者遞出來的食物不夠熟,他就會說:「我可沒有點寵物一客」,暴飲暴食的結果,使得步入中年的貓王體態發胖,貓王常擔心自己是否失去往日風采,同時患有焦慮、失眠等疾病,開始吃藥治療,甚至酗酒、服食麻醉劑、興奮劑。美國總統尼克森的幕僚打電話給湯姆.派克上校,邀請他去白宮為總統安排一場表演[2]。1970年2月,尼克森在白宮接見貓王。1971年6月,Graceland前方的南51號高速公路更名為「貓王大道」(Elvis Presley Boulevard)。?1970年的貓王1970年代以後健康、經濟、藝術方面都遇到了嚴重的問題,整日處在昏睡狀態,醫生說他的身體狀況比八十歲的老人還糟。到1977年他去世之前的4年中,有5次被送進醫院急救的記錄。1973年10月貓王因肺炎以及肝炎住院,醫生建議他多休息,湯姆帕克向貓王謊稱出現財務危機,為了解決經濟問題,貓王疲於奔命的巡迴演唱,1976年整年都在巡迴演唱。貓王生平記憶力驚人,小時候能從收音機裡記下所有的歌詞,讓雙親感到吃驚,1977年6月,貓王最後一次在拉皮德城舉行演唱會時,連《溫柔地愛我》(Love Me Tender)歌詞都記不起來了。[編輯] 逝世?艾維斯之墓1977年8月16日被發現在浴室昏倒,經緊急送往醫院急救後,因心律嚴重失常導致心臟病突發過世,享年僅42歲。田納西州檢調則推測為藥物濫用[3],也有傳聞可能是吸毒或酗酒過量。當晚所有電視網路播出數千人穿著黑衣聚集在格雷斯蘭大樓悼念貓王。1977年的8月18日,貓王被葬於森林山公墓,他母親的墓旁。不久竟有三名歹徒意圖盜走艾維斯的遺體。又在貓王之父的決定下,母子遷葬到「雅園」(Graceland)內。[編輯] 影響普萊斯里經常被認為是搖滾樂歷史上影響力最大的歌手,發行過77張唱片和101支單曲,曾經在一日之內同時發行7張唱片,多達149歌曲進入美國Bill Board唱片排行榜前100名,40首進入前10名,全球總發行量超過10億張,因此又有搖滾樂之王(The King of Rock 'n' Roll)的譽稱。從1969年至1977年貓王共舉行1,100場演唱會。共演出31部電影。樂團披頭四成員約翰·藍儂說,「貓王雖死,但搖滾不滅,貓王萬歲。」自貓王以後,具有鮮明的思想性和強烈的現實批判性的搖滾樂迅速流傳。也因為他的魅力,搖滾樂成為美國的全民運動。貓王開闢了搖滾樂艱難的前進道路,之後搖滾開始成為對美國社會影響最深遠的文化之一。[編輯] 文化1993年美國發行的貓王紀念郵票,共計發行1.24億張,面值29美分,總值3600萬美元。1974年貓王首次穿著「孔雀服」參加洛杉磯的一個公開活動,並且穿著拍攝大碟《Promised Land》的封面,貓王相信孔雀能為他帶來好運,2008年8月11日在紐約拍賣出30萬美元,刷新了「貓王」遺物拍賣的最高紀錄。[編輯] 注釋1.^ 名人淫媒拜倫·拉菲爾(Byron Raphael)在接受《花花公子》雜誌、《紐約郵報》等媒體採訪時曾大揭貓王私生活秘史。2.^ 《如何是好》(How to Be Good),P.663.^ 田納西州檢調當局透露,由貓王之體內檢出十種以上之管制藥品,推測可能是因濫用藥物過量致死。由於龐大的工作壓力,使得貓王不斷需要鎮定劑,貓王的私人醫生常開立大量第二級管制藥品予貓王。[編輯] 外部連結艾維斯·皮禮士利網上紀念館http://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E5%9F%83%E7%88%BE%E7%B6%AD%E6%96%AF%C2%B7%E7%9A%AE%E7%A6%AE%E5%A3%AB%E5%88%A9?麥可·傑克森>維基百科?麥可·約瑟夫·傑克森(英語:Michael Joseph Jackson,1958年8月29日-2009年6月25日),是一名在世界各地極具影響力的流行音樂歌手、作曲家、作詞家、舞蹈家、演員、導演、唱片製作人、慈善家、時尚引領者,被譽為流行音樂之王(King of Pop)。據稱他也是世界上擁有最多歌迷的歌唱藝人。?[編輯] 生平簡介1969年,他以積遜五人組樂團(初期稱為 Jackson 5)主唱身份初出道,而於1971年開始了個人獨唱生涯。至今,他已在全世界銷售了約7.5億張唱片,他的《顫慄》(Thriller)專輯至今仍是人類音樂史上銷量最高的唱片,全球銷量超過1.04億張。[1]傑克森一般被與貓王、披頭四並列為流行樂史上最偉大的歌手。30歲時,好友伊麗莎白·泰勒給了他「流行音樂之王」(King of Pop)這個頭銜,流傳甚廣至今。麥可傑克森獲得16座葛萊美獎,並在美國有13張冠軍單曲,曾兩次得到諾貝爾和平獎提名,並是極少數被迎入搖滾名人堂兩次的藝人之一。單曲《Thriller》的音樂錄影帶為全球第一支MV,被譽為全世界「最偉大的音樂錄影帶」,並在音樂錄影帶的藝術性上「前進了一大步」。傑克森被廣泛的認為是續貓王,披頭四後對西方流行文化最具影響的流行音樂歌手,他個人長期保持多個國家和地區的唱片銷量記錄,並發起多個慈善活動和基金會,曾多次受到西方大國政府首領的召見,亦被認為是美國乃至西方國家1980年代至1990年代流行文化的象徵人物。[2]個人生活方面,傑克森長年投入慈善事業,固定資助39個慈善機構,已知之捐款超過四億美元,是金氏世界紀錄的「全球捐助慈善事業金額最高藝人」。[3][4]然而這些正面事蹟並未受到傳媒重視,反被忽略。傳媒著重於報導其他方面,包括他的外貌、行為等負面新聞,引起許多爭議。之後他更受到兩次猥褻男童的指控,雖然在經過調查後,兩案因毫無第三方公正的證據皆被法院正式裁定無罪,但此事在一定程度上造成麥可之後的事業日益黯淡,並對其形象造成永久而巨大的誤解與傷害。傑克森於美國太平洋時間2009年6月25日心跳停止陷入深度昏迷送醫,下午搶救無效,被宣告死亡,終年50歲[5]。生前原定於同年7月13日[6]開始的復出演唱會,最初預計10場演唱會門票在數小時內銷售一空,隨後加演到50場,總共115萬張票,其他四十場門票都在開放售票的四小時內全部售罄,但演唱會隨麥可·傑克遜的逝去未能如期開唱。[編輯] 經歷[編輯] 家庭背景主條目:傑克森家族麥可傑克森,1958年8月29日的深夜出生於美國中部印第安納州的工業小城加里市的一個黑人家庭中[7],其父親傑瑟夫·傑克森(Joseph Jackson)和母親凱薩琳·傑克森(Katherine Jackson)有九個孩子,麥可排行第七。麥可的曾祖母是黑奴的後代,他的另一個遠祖是印第安人。傑克森家族起初住在一間很簡陋的兩房屋裡,麥可的父親在鑄造廠和鋼鐵工廠工作並住在工廠裡,母親凱薩琳則是擔任收銀員,家中經濟非常拮據。加里市的治安非常混亂,為了避免孩子誤入歧途,父親的管教相當嚴厲。麥可和他的兄弟姐妹們都說他們的父親對孩子非常嚴格,而且經常打罵他們,在家庭暴力的陰影中成長。在一次電視採訪中被問到這個情況時,麥可竟情緒失控哭泣起來。[8]麥可和他的兄弟姐妹某次因弄壞父親吉他的弦,被要求演奏一段音樂,結果一鳴驚為天人,這使得他們父親產生了「造星」的念頭,希望他們能在音樂界有所造詣。[編輯] 傑克森五人組主條目:傑克森五人組[編輯] 傑克森五人組樂團和摩城唱片公司1960年代中期,麥可和四個哥哥在父親的組織下成立了演唱藍調音樂的《The Jackson 5》﹝傑克森五人組﹞,這個組合以麥可為主唱。父親喬傑克森每到週末就會開車送孩子們去參加俱樂部和酒吧的演唱,漸漸的在美國中西部地區迅速崛起,甚至在紐約哈萊姆的阿波羅劇院舉行的業餘歌唱比賽中也獲得了成功。(據說如果他們如果演出失敗就會遭到父親的打罵。[7])1967年,傑克森5人組與本地的鋼城唱片公司(Steeltown Records)簽訂了第一張唱片合約,並且有了一支地區上榜歌曲《Big Boy》。傑克森5人組在1968年被發掘,並把他們帶進摩城唱片(Motown Records)[7][9]。1969年,唱片公司總裁:貝瑞·高蒂﹝Berry Gordy﹞將他們從鋼城唱片公司買出,樂團正式簽約摩城唱片公司。高蒂隨即把傑克森家庭遷到洛杉磯,並開始了他的造星計劃。1969年秋,傑克森5人組由黛安娜·羅絲﹝Diana Ross﹞引薦給大眾,並在摩城的大型娛樂節目中首次表演。樂團的前4支單曲,先後成為冠軍單曲[10]。傑克森5人組的歌曲動用了眾多的歌曲作者和唱片製作人。在摩城唱片公司,傑克森5人組發行了14張專輯。並且讓麥可作為獨唱歌手發行了4張個人專輯。與此同時,傑克森一家的經濟狀況已經大為改善,也搬進了高級住宅區中的雙層別墅,父親喬還蓋了私家錄音室給孩子們練唱使用。1972年11月,傑克森5人組開始了國際性巡迴演出,包括倫敦、西德、義大利、法國、印度、日本以及澳洲、非洲等地。[編輯] 麥可在摩城時期的個人專輯麥可在摩城唱片,共發行了4張個人專輯。1972/01/24:Got to Be There1972/08/04:Ben1973/05/13:Music & Me1975/01/16:Forever, Michael麥可在摩城唱片的個人專輯中,上榜歌曲包括Got to Be There(1971年,首張個人專輯)、Rockin' Robin、I wanna Be Where You Are及冠軍歌曲Ben(均在1972年發行)。1975年1月,麥可發行第四張專輯《Forever, Michael》。此時麥可已經漸漸開始接掌自己的音樂事業,與摩城唱片總裁私下會談。[編輯] 傑克森樂團和Epic唱片公司1976年,傑克森五兄弟與哥倫比亞唱片公司簽訂了協議[7],先加入費城國際部,後來又轉到該唱片公司旗下的Epic唱片公司(Epic Records)[11]。與哥倫比亞廣播電臺的所簽的新協議,給他們提供了更具創造性的自由空間和更多的版稅收入,這是摩城唱片公司所不能比擬的。然而離開摩城唱片公司,他們便失去了使用「傑克森5人組」的名字以及標誌的權利[12],再加上麥可的三哥傑曼·傑克森娶了貝瑞·高蒂的女兒黑茲爾·高蒂後,他選擇了留在摩城公司做獨唱歌手。傑克森五兄弟樂團被迫改名「傑克森樂團」(The Jacksons),並且讓麥可的弟弟藍迪·傑克森頂替了傑曼在樂團中的位置[13]。傑克森兄弟繼續了他們的輝煌,在1976年到1984年間,他們不斷參加巡迴演出併發行了6張專輯。這段時期的打榜歌曲包括Enjoy Yourself、Show You The Way To Go(1976年)、Find Me A Girl (1977年)、Blame It On The Boogie(1978年)、Shake Your Body (Down To The Ground)(1979年)、Can You Feel It?、Heartbreak Hotel[14](1980年)、Torture和State of Shock(1984年)。[編輯] 輝煌的獨唱生涯自此,麥可傑克森開始了他傳奇的音樂之旅 ── 前所未有、難得一見的「流行音樂之王」。麥可也可以稱作「音樂錄影帶之王」。20世紀80年代,麥可製作發表了一系列的製作精良的音樂錄影帶。恰巧遇上MTV開臺,音樂錄影帶開始發展。在這段音樂錄影帶的「早創時期」裡,麥可傑克森無疑是時代洪流中唯一的領航者,他的音樂錄影帶實際上就是一部精巧無比的電影短片,高成本大製作,有設計完整的故事情節,令人難忘的特效以及他獨有的舞步編排,完全抓住世人讚嘆的目光與情緒。他的一部部作品,屢獲觀眾與音樂大獎的肯定,甚至被譽為「最偉大的音樂錄影帶」,為世界流行文化帶來新的潮流。[編輯] 專輯 Off The Wall 《牆外》主條目:Off the Wall1979年8月10日,麥可發行專輯《牆外》(Off The Wall,或譯:瘋狂)。此為麥可加盟新力唱片後的首張個人專輯; 《牆外》一發行即大受歡迎。單曲《Rock With You》和《Don't Stop 'Til You Get Enough》及其錄影帶更是屢登冠軍單曲寶座[10]。另一首抒情歌曲《She's Out Of My Life》在1980年也殺進排行榜前十名。該專輯發行一年內全球銷量超過1000萬張,在美國專輯榜中停留了84周之久[15],成為麥可音樂生涯中的重要轉折。[編輯] 專輯 Thriller 《顫慄》主條目:Thriller?麥可在白宮麥可的《顫慄》(en:Thriller),專輯發行於1982年11月30日。全球已經售出超過1.04億張,成為音樂史上最暢銷的唱片。這張專輯佔據美國音樂排行榜冠軍位置37周,並在專輯榜內停留長達122周之久,更是歷史上唯一連續兩年拿下年度冠軍的唱片。如今在美國,它被鑒定為27白金唱片[16];在英國也獲得11白金認證[17]。1983年3月25日,當在參加「摩城唱片25周年:昨天,今天,永遠」的電視特別節目演出時,麥可第一次在公眾面前表演了「月球漫步」舞步(後來他的標誌性的舞步動作),震驚全場[18]。這也使得麥可傑克森的專輯瘋狂大賣。1984年1月,麥可獲得全美音樂獎的9項提名並創記錄性的贏得8項獎項(這個記錄一直到1994年才被惠特尼·休斯頓《保鏢》原聲帶專輯打破)。在2月舉行的葛萊美獎中,麥可獲得12項提名並創造了8個獎項的紀錄(1999年被卡洛斯·桑塔納的專輯《超自然》追平),其中7項授予《顫慄》專輯,一項授予他的自述《ET外星人故事書》。5月,《顫慄》專輯被《金氏世界紀錄大全》認定為空前的最佳銷量流行音樂唱片。同年,麥可還獲得了「有色人種民權促進協會」頒發的自由勳章;在白宮接受美國總統雷根頒發的特殊成就獎;11月,在好萊塢的星光大道上留下他的手印。[編輯] 單曲 We Are The World 《四海一家》主條目:We Are The World1985年,麥可參與組織並與萊昂納爾·里奇共同創作了單曲We Are The World(四海一家)。"We Are The World"旨在聲援向非洲饑民捐款的大型慈善活動「美國援非」,由45位歌手所共同演唱。這張單曲在美國狂銷700萬張,成為空前最佳銷量單曲(直到1997年才被艾爾頓·約翰的《風中之燭》所超過)。[編輯] 專輯 Bad 《飆》主條目:Bad?傑克森的「飆」夾克衫1987年8月31日,麥可發行了唱片《飆》(Bad,又譯:壞、真棒)。同時開始了第一次全球巡演。次年,麥可發行影片Moonwalker(月球漫步)以及一系列的同名自傳。《飆》專輯是麥可的又一次巨大成功。它的歌曲和音樂電視"I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man In The Mirror", "Dirty Diana", "Another Part Of Me", "Smooth Criminal" 和 "Leave Me Alone" 再一次全面流行。專輯中唯一一首不流行的歌曲是 "Liberian Girl",到現在為止是他的最不常見的單曲。無論如何,麥可創造了一張專輯產生6首冠軍單曲的歷史奇蹟。在美國發行的7支單曲中,前5首均榮登「Billboard TOP 100」榜的冠軍寶座,"Another Part Of Me" 曾排名第11位(Billboard 藍調歌曲榜冠軍),"Smooth Criminal" 獲得第7名。這張專輯在美國共售出800萬張,全球銷量達2900萬張。1989年,MTV頻道授予麥可「十年先鋒音樂錄影帶藝人獎」;1990年,麥可被哥倫比亞唱片公司評為「當代最偉大的藝人」;同年4月,布希總統在白宮為麥可頒發「十年最佳藝人獎」。[編輯] 專輯 Dangerous 《危險之旅》主條目:Dangerous1991年11月31日,麥可發行了新專輯《危險之旅》(Dangerous)。麥可創記錄性的與新力唱片公司簽訂了高達8億9千萬美元的天價合約。在「危險之旅」世界巡演中,麥可宣布成立他的「治癒世界基金」成立。《危險之旅》專輯包括 "Who Is It", "Give In To Me", "Gone Too Soon"(為年輕的愛滋病受害者瑞安·懷特所作),和隨後成為電影《威鯨闖天關》主題曲的 "Will You Be There" 等單曲及其音樂電視。不過專輯中最為成功和流行的單曲為 "Jam", "Remember The Time", "Black Or White", "In The Closet", 以及 "Heal The World"。由於已經成為麥可的一種標準,專輯中歌曲的錄影帶在當時是最富有創意和製作最為昂貴的音樂電視作品。 "Give In To Me" 中邀請槍與玫瑰樂團的 Slash 參加演出;"Heal The World" 則是為了配合麥可自己的同名慈善組織所作;"Will You Be There" 中麥可以電影《威鯨闖天關》為背景演唱。其它的許多音樂電視作品有很強的故事性和令人眼花繚亂的舞步,以及明星的參與。在 "Jam" 的音樂電視中,麥可和籃球巨星麥可·喬丹一起打籃球和跳舞;在 "Remember The Time" 中喜劇明星艾迪·墨菲則飾演一位埃及國王,名模伊曼扮演王后,籃球明星魔術強森扮演國王的侍衛;麥可與納奧米·坎貝爾則在 "In The Closet" 中排演一對情侶。麥可對這張專輯抱有很大的期望,希望能在全球售出1億張。但是在金曲榜中出現過一段時間後,專輯便跌出前十名,在美國只售出700萬張,全球售出2900萬張。雖然這使得《危險之旅》專輯僅超過上一張專輯《BAD》的成績成為他的銷量第二佳的唱片,但是距離售出1億張唱片的目標卻很遙遠。1993年,麥可先後獲美國音樂獎「國際藝人大獎」、「葛萊美傳奇獎」、「年度人道主義獎」及世界音樂大獎頒發的3項大獎。[編輯] 單曲 Black Or White主條目:Black or White[編輯] 專輯 HIStory 《歷史之旅》主條目:HIStory: Past, Present and Future, Book I?在荷蘭埃因霍溫的傑克森巨型塑像《歷史之旅》(HIStory,又譯:他的故事)雙碟專輯發行於1995年6月16日。第一碟的15首歌是他過去熱門歌曲的精選,第二碟包括15首新歌。新專輯在美國產生了2首新的冠軍單曲和音樂錄影帶:與他的妹妹珍娜·傑克森合唱的「Scream」,該單曲的帶有未來科幻色彩的音樂錄影帶花費了近700萬美元,成為造價最高的音樂錄影帶。另一支單曲「You Are Not Alone」,剛發行便登上Billboard榜的榜首,在音樂錄影帶中麥可當時的妻子麗莎·瑪莉·普里斯萊也參與演出。專輯中的其它歌曲:「Childhood」、「Earth Song」、「Stranger In Moscow」和「They Don't Really Care About Us」在美國反響平平,卻在歐洲大受歡迎。"Earth Song" 是關於保護環境的,"Childhood" 則是電影《威鯨闖天關2》的主題曲,"They Don't Care About Us" 的監獄版MV發行的時候曾被禁播,因為因為畫面有敏感的政治鏡頭,黑人被虐待的鏡頭和警察打人的鏡頭。還有戰爭的畫面。而且歌詞有明顯的關於民族和宗教的內容(敏感的猶太的話題)。還有反對暴力,牽涉了太多的政治因素,所以被禁播,流傳的主要是MJ在巴西拍的版本。當時不僅MV禁播,單曲也差點被封掉。由於在歌詞中有"Jew me"(說我是猶太人)、"Kike me"(說我是猶太人),而被誤解為歧視猶太人,因此該曲在美國所有電臺遭到禁播。"They Don't Care About Us"本身則比它在排行榜上的表現要優秀得多,短促緊湊的歌詞演唱,使聽眾過耳難忘。這首歌曲與"Black Or White"不同,Michael在歌中毫無掩飾地宣洩著自己的憤怒、控訴著社會的黑暗。由於Michael自己是這場不平等社會的受害者,所以使此曲尤為真切。在歌詞當中,他甚至對於美國政府、警察暴力、種族隔離等等都直言不諱,他對現實深深不解,對未來希望渺茫,期望羅斯福和馬丁·路德·金這樣的人物再次出現。不斷地重複著"All I wanna say is that / They don't really care about us"(我只是想說/他們從來不在乎我們),這首最大膽的作品,顯然得不到吹捧,但Michael Jackson還是用他無與倫比的創作才華將此曲的節奏發揮得淋漓盡致,在事實上成為了他的又一首經典之作。這首遭遇到極大爭議的歌曲,在美國榜上僅僅落到第30位,而在英國它還算是打進了前5。專輯中除 "Scream" 單曲外,其它的歌曲似乎在美國不是很流行。這在麥可看來整張專輯是失敗的,儘管在2004年這張專輯賣了1800萬張。本來麥可希望它能整個夏天都停留在榜首位置的,但它僅打榜2周就悄然無聲了。不過,這張專輯在英國卻大受歡迎,"Earth Song" 打榜6周並賣出超過100萬張。[編輯] 專輯 Blood On The Dance Floor 《赤色風暴》主條目:Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix1997年5月11日,麥可發行了混音專輯《赤色風暴》(Blood On The Dance Floor)。此專輯為麥可銷量最好的混音專輯。這張專輯共13首歌;前面5首歌是全新單曲;後面8首歌,是上張專輯《歷史之旅》中的歌曲的重新混音版本。專輯中僅一首單曲有音樂錄影帶,即主打歌"Blood On The Dance Floor",在美國依然不如在歐洲受歡迎。後來,麥可又製作了 "Ghosts" 錄影帶,長達40分鐘,包括 "Ghosts" 、 "2 Bad"(Too Bad) 以及 "Is It Scary" 三首歌。此外,錄影帶還有一支長達1小時的版本,作為 MTV 和 VH1 臺的萬聖節商業影片播出。2001年,麥可被引薦進美國搖滾名人堂。[編輯] 專輯 Invincible 《萬夫莫敵》主條目:Invincible2001年10月30日,專輯《萬夫莫敵》(Invincible)發行。這是麥可傑克森,生前最後一張創作專輯。也是麥可歷年來製作成本最昂貴的專輯。影星克里斯·塔克(en:Chris Tucker),不僅在歌曲中與麥可對話也現身在"You Rock My World"的音樂影片中。專輯剛發行便榮登Billboard TOP200 榜榜首,在美國賣出了200萬張,全球1200萬張。雖然數字很驚人,但與麥可以前的專輯相比,似乎不盡人意。以前的專輯中,麥可發行6支單曲,大部分在全世界都廣受歡迎。《萬夫莫敵》專輯在美國推出 "You Rock My World" 和 "Butterflies" 單曲,第三支單曲 "Cry" 在歐洲發行。"You Rock My World" 進入美國流行音樂榜前十名,僅停留了一周的時間,全長12:26的音樂影片[19]僅在 MTV, VH1, MTV2, 和 BET 幾個電視臺播出,並且通常只播出5分鐘長度的版本。"Butterflies" 在美國打榜前20名,在 R&B 榜上排名第二,但並沒有進入流行音樂榜前十名。2002年末,《萬夫莫敵》專輯的銷量不盡人意,據悉唱片公司的總裁Tommy Mottola,因為知道麥可不會與公司續約,故意不撥資金宣傳這張專輯,麥可曾說他是「種族主義者」,形容他為「魔鬼」。[20] [21] [22]2002年6月,麥可入主創作名人堂。2002年11月,麥可在德國柏林獲得「2002年德國千年Bambi獎」,以承認他世界「最偉大的流行歌手」的地位。這個獎項是德國最具權威的獎項之一,表彰包括從經濟到影視,從政治到體育等不同領域的傑出人物。[編輯] 單曲 "One More Chance"2003年11月21日,麥可發行了一首新歌「One More Chance」,這是他的精選集《獨一無二》(Number Ones)中的唯一的一首新歌。這首歌曾登上Billboard榜的藍調單曲銷售榜冠軍寶座3周。這首歌的錄影帶也是使用了電影蒙太奇拍攝手法,並準備在CBS電視臺的特別節目「獨一無二的麥可·傑克森」中播出,但因為案件而取消。[編輯] 最後的演譯 "This Is It"主條目:This Is It (麥可·傑克遜演唱會)2009年3月6日,麥可傑克森宣布將於7月在倫敦舉行一系列復出演唱會,這將是他超過10年來首次舉行大型演出。他證實,將自7月8日起在倫敦宏偉的O2體育場(O2 Arena)公演50場。據報導,這次演唱會75萬張門票在開售後4個半小時內給搶購一空,已經締造了流行音樂史上最高的紀錄。也證明他的人氣絲毫未減。據報導,麥可傑克森再決定復出時接受的非常詳細妥善的全身健康檢查,最後是以極高分過關的。顯示麥可的身體依舊硬朗。對於復出開唱的目的眾說紛紜,媒體曾大肆報導傑克森因為破產、欠債被迫開唱。但據資深歌迷透露,傑克森私下向他們表示開唱的目的:「趁這個世界還沒被摧毀之前,我們現在還來的及(藉由演唱會)拯救她。」但隨著演唱會主角於2009年6月25日去世,原定於2009年7月13日的演唱會宣告取消。目前由之前綵排畫面剪輯而成的同名電影《This Is It》已於2009年10月28日全球上映(古巴、朝鮮除外)。[編輯] 電影生涯[編輯] The Wiz 《新綠野仙蹤》主條目:The Wiz1978年,麥可與黛安娜·羅絲一起出演電影The Wiz(新綠野仙蹤),並且結識了電影的音樂製作人昆西·瓊斯,他後來製作了麥可的三張經典的個人專輯:《牆外》(Off the Wall),《戰慄》(Thriller)和《飆》(BAD)。發行於1979年的《牆外》專輯,產生了4首Top10歌曲並在美國賣出了1000多萬張。[編輯] Captain EO 《伊奧船長》主條目:Captain EO1986年,麥可參與演出了喬治·盧卡斯和弗朗西斯·福特·科波拉執導的3D影片Captain EO(伊奧船長),這部影片在迪士尼主題公園中一直播放到1998年。在當時,它是製作費用最為昂貴的影片,耗資達1700萬美元。這部影片中的兩首歌曲分別為 "We Are Here To Change The World" 和 "Another Part Of Me",後者被收錄到專輯《飆》中。[編輯] 個人生活[編輯] 外型主條目:麥可·傑克森的健康與外貌傑克森的外型與膚色變化長久以來引起許多關注,許多人認為他酷愛整形並持續漂白皮膚,但據傑克森眾多友人及身邊同事指出,媒體所說的情況與事實有所出入。外型方面,傑克森本人聲明做過4次手術:2次整鼻手術。第一次是1979年為了修整跳舞時受傷的鼻子,該次手術不太成功,麥可抱怨呼吸困難可能會影響他職業生涯。於是轉診給Dr. Steven Hoefflin進行第二次整鼻及後續手術。1984年1月27日,在拍攝百事可樂廣告時,爆炸特效出了差錯,麥可頭髮起火,造成頭皮二度灼傷。在意外事件後不久進行了他第三次的整鼻手術,也進行治療以隱藏頭皮上的疤痕。在自傳太空步中,他也承認在下巴有做了個凹槽膚色方面,傑克森在Thriller發行期間,皮膚的顏色開始不協調,在1986年被診斷患有兩種使膚色變化的疾病:白癜風(Vitiligo,白斑癥)和紅斑性狼瘡,故多年以來只得持續化妝來掩蓋色澤黑白不一的臉龐。[23]。其中,紅斑性狼瘡更是可能導致死亡的嚴重病癥,傑克森的病情雖得到控制,但受到紫外線照射會加速惡化,故傑克森極力避免受陽光曝曬,外出時則不得不隨時戴墨鏡、口罩,撐傘遮陽。[編輯] 種族認同傑克森曾多次表示深深以黑人為傲、以身為黑人為榮。他也是個反對種族主義的人,他對種族歧視深痛惡絕,並且認為人人應該平等。傑克森經常在演說、歌詞或訪談中提及美國黑人民權領袖馬丁路德金博士的平等運動。[編輯] 法律指控傑克森在1993年和2003年分別兩次受到兒童性侵害案件的指控。1993年一案,在經過重重調查後,因原告提出證據不足,全案不起訴並和解落幕。而2003年一案,傑克森受到四項指控,最終在2005年6月13日,法院宣判傑克森所有罪名均不成立。此兩案對傑克森的形象與事業造成巨大負面影響。另外,有媒體報導稱93年一案當事兒童喬迪·錢德勒承認自己受父親埃文·錢德勒指使誣告傑克森,但並未被證實。傑克森去世4個月後,埃文·錢德勒也於美國當地時間2009年11月5日自殺身亡,但目前也無證據證明自殺是否與傑克森有關[24]。麥可傑克森身邊的朋友們、以及性侵孩童案期間前來評估的臨床心理醫生Stan Katz都認為,他是一個心理年齡滯留在12歲的大男孩(12歲,恰巧就是麥可第一次獲得排行榜冠軍、開始大紅大紫的年齡)他把孩童視為同儕,而不是成人教育小孩的關係。傑克森作品《Childhood》歌詞:「在你斷定我之前,請努力嘗試欣賞我、客觀看待我,看著自己的內心,然後問問:你是否瞭解我的童年?我喜歡孩子,我總是在試著尋找、未曾擁有過的童年。因為我從不知道那是什麼...」[編輯] 慈善貢獻主條目:麥可·傑克森的貢獻傑克森是金氏世界紀錄的「全球捐助慈善事業金額最高藝人」,已知之捐款超過三億美元。他設立許多慈善機構,包括規模最大的「治癒世界基金會(Heal the World Foundation)(1992年成立)」,與「拯救兒童基金會(2001年成立)」,「麥可·傑克遜燒傷中心(1984年成立)」,「麥可·傑克遜愛滋病救助中心(1986年成立)」,「麥可·傑克遜有色人種教育基金會(1987年成立)」,「麥可·傑克遜兒童醫院(1993年於華沙成立)」,「麥可·傑克遜兒童醫院(1995年於巴黎成立)」,「麥可·傑克遜糖尿病患者基金會(1999年成立,VS伊莉莎白泰勒)」等,而固定資助之慈善機構約三十九個。其中最大的一次資助活動,即是他1992年6月至1993年11月,長達一年半的大型巡迴演唱會:危險之旅世界巡迴演唱會 (Dangerous World Tour)。該演唱共計六十九場,觀眾超過三百五十萬。總收入達到一億兩千萬美元,而傑克森將之全部投入剛成立的「治癒世界基金會」(其實這就是他展開此一巡迴的原因)。[25] 另外,1985年由傑克森和萊昂納爾·里奇共同譜寫,由美國45位歌星聯合演唱救助非洲饑民的慈善單曲《We Are The World》,在美國國內銷售達七百萬張,募款達到六千三百萬美元。捐款以外,他也進行了無數次廣告、演唱等募捐呼籲。因在慈善事業的種種貢獻,在1998年和2003年兩度被諾貝爾和平獎提名。[編輯] 夢幻莊園主條目:夢幻樂園 (聖巴巴拉縣)傑克森於1988年開始住在位於加利福尼亞州聖巴巴拉郡的夢幻莊園(Neverland Valley Ranch)裡,這是依據童話《小飛俠》中的神奇王國命名的樂園,方圓2600英畝。2003年12月,他說在被警察搜查後,那裡已沒有了家的感覺,後來只不時回去看看。他後來住在加州貝弗利山莊一座月租7萬美元的房子裡。2005年他回到了夢幻莊園出庭應訊[26]。2005年6月被證無罪後,他輾轉中東諸國,從巴林到阿曼[27]到阿聯[28],最後於2006年6月開始在愛爾蘭[29]的一個城堡生活並錄製新歌。2006年底回到美國,一直住在拉斯維加斯[30]。傑克森喜歡兒童和動物,和包括從殘疾兒童到童星的許多小孩保持著友好的關係,他認為他們不像成年人那麼複雜,不會經常對他作出負面判斷。他曾邀請許多兒童到他的莊園玩耍,也曾為孩子們舉辦了很多有趣的活動,也包括許多慈善捐款。傑克森最愛的消遣娛樂是看卡通、和兒童玩耍,例如用灌水氣球和水槍打水仗,一同駕駛高爾夫球車(孩子們還常被允許親自駕駛),蒸汽小火車和其他莊園中的大型遊樂機具,以及和小朋友長時間的聊天、說故事。但是2005年時傑克森稱他認為自己的行為,在公眾眼中可能被視為不合社會規範,會造成他性侵的嫌疑並成為攻擊對象,因此他將不再這樣做。傑克森在夢幻莊園撫養了一隻黑猩猩,名叫巴伯斯(或譯泡泡),他對其珍愛有加,與其說是把它當成寵物不如說是作為一個家人。巴伯斯發育成熟後被移居出莊園,理由是因為成年黑猩猩強壯而具有危險性。傑克森喜歡爬樹,據稱他在夢幻莊園中一棵最愛的樹上創作了多首樂曲,他把樹稱為「給予之樹」,因為他認為此樹能給他帶來靈感。[編輯] 明星朋友傑克森的名人朋友包括:昆西·瓊斯、黛安娜·羅絲、瑞克·詹姆斯、亞瑟小子、馬龍·白蘭度、X JAPAN的團長YOSHIKI[31]、喜劇明星史蒂夫·哈維、克里斯·塔克、女演員伊莉莎白·泰勒及曾經的童星埃曼紐·劉易斯和麥考利·克金。泰勒和麥考利克金還是傑克森的孩子普里茲·麥可和帕里斯的教母教父。他的朋友還包括魔術師烏力·傑勒、及與他共同成立「治癒世界」和「救治兒童」基金會的慈善活動家、猶太教教士波迪治。麥可也是萊諾李奇繼女尼科爾·李奇的教父。[編輯] 婚姻生活1994年,傑克森和貓王的女兒:麗莎·瑪莉·普里斯萊(Lisa Marie Presley)結婚。這段婚姻持續了不到兩年,最終以離婚告終。1996年,他與戴比·蘿威(Deborah Jeanne Rowe)結婚,這時他已經有了兒子:王子(Prince Michael Jackson)和女兒:芭莉絲(Paris Michael Katherine Jackson)。最後他們在1999年離婚。蘿威後來說,她把孩子當作「禮物」送給了傑克森。她放棄了撫養權,但2005年又要求法庭給予探視的權利。2002年左右,傑克森有了第二個兒子:王子二世(Prince Michael Jackson II),又叫Blanket(毯子),孩子母親是代孕者,身份尚未透露。2002年底,傑克森在德國柏林響應歌迷的要求,在陽臺上抱著「毯子」與歌迷打招呼,卻沒有留意到手臂已經越過圍欄,引起了巨大的爭議。傑克森為此發表聲明道歉[32]。孩子們的臉總是帶著面具或包著紗巾,傑克森說那是為防止綁架而採取的安全措施。在2003年10月傑克森的父母許諾:如果傑克森遠離他的兒子,他們將會照看這3個孩子。2004年3月,作為在調停時的一個把柄,傑克森和戴比·蘿威的未婚同居關係被證實。2004年,新聞又說傑克森已經是經過人工受精而來的四胞胎之一的父親。這個母親則被人認為是一個「痛苦的演員」 但是,傑克森強有力的否定了這些斷言。2006年7月3日,前妻戴比·蘿威向洛杉磯高等法院起訴傑克森,指控他2003年10月起停止向她支付離婚時答應支付的費用。[33]2006年9月,雙方達成和解。[34][編輯] 其他傑克森擁有新力唱片ATV[35]的50%的音樂版權,包括披頭四樂團、利特爾·理察、貓王等歌手。2005年5月,他被牽連到此類版權問題的官司中。同時,傑克森還擁有Mijac唱片公司,並擁有他自己所有歌曲的版權。傑克森曾錄製了一支慈善單曲《What More Can I Give》,邀請了超過35位藝人一起演唱,目的是為九一一恐怖襲擊事件籌集捐款。但由於傑克森與新力音樂之間產生爭執,這首歌從來沒有發行過。新力方面宣稱原因是該曲的執行製作人馬克·斯查菲爾(Marc Schaffel)曾經是同性戀色情電影導演,因此他們不願在公眾眼中將他與傑克森聯繫起來。2002年10月,美洲銀行證實其在該行的貸款金額高達2.725億美元。同月,演唱會籌辦商馬塞爾·埃夫拉姆於加州聖瑪麗亞地區法院起訴傑克森,說他食言沒有參加多場演唱會,包括1999年12月31日晚到2000年1月1日的跨國際日期變更線舉辦的千禧年演唱會。傑克森敗訴。2003年4月,影片《麥可·傑克遜的私人家庭電影》播出,片中表現出傑克森與孩子們的天真無瑕的關係。[36]傑克森還與他的前金融顧問——韓國聯合金融與投資公司有瓜葛,聲稱傑克森由於面臨破產問題而拖欠公司1200萬的工資和開支。傑克森的衣服右臂常有個臂環,據本人表示是為了紀念世界各地的孩童。傑克森曾於1987年造訪香港,並在TVB攝影棚會見當時無線電視多名藝人,並穿上龍袍、將軍服飾留影[37][38]。麥可傑克森曾三度訪問臺灣,第一次來到臺灣,是1993年8月21日晚間,為了和曼谷媒體記者捉迷藏,提前一天悄悄搭乘華航CI003班機過境桃園中正機場轉機。後兩次是1993年9月4日、6日的「危險之旅」亞洲第三站的臺北演唱會,以及1996年10月18、20、22日舉辦的「歷史之旅」臺北、高雄演唱會。在高雄期間曾赴「無障礙之家」探視,親手贈送一百五十份玩具給在場的智障、殘障兒童。[39]1987年,傑克森在香港度假期間,以一名普通人身份前往中國旅遊,來到廣東中山市,並與當地小朋友合影,成為他人生中唯一一次的中國大陸行。[40]喬傑克森日(Joe Jackson Day)是慶祝麥可爸爸的生日。在莊園中,麥可常被小孩子推下水,多半是被推到一半後,自己下去。[編輯] 身體狀況美聯社在2009年10月1號獲得麥可驗屍報告的副本,麥可並沒有如媒體所說的骨瘦如柴,相反的,他的身體是相當的健康的,以下是驗屍報告的大概內容他身高5英尺九英寸。體重136磅。並非麥可經紀人所說的160磅,也非化妝師所說的108磅。他紋了眼線和眉毛,嘴唇周圍紋了粉紅色。頭皮前部有暗色的紋身。他正在禿頂,而且有白癜風,這種疾病會減少黑色素並且在皮膚上留下白斑。在低位脊椎和一些手指上有可見的關節炎。他身體上有許多疤痕,包括耳後,一邊肩膀,脖子下部,和肚臍附近。他的心臟很強勁,可是肺部有炎癥。其他器官正常。在麥可體內發現了異丙酚和四種其他的鎮定劑、止痛藥利卡多因還有一種復甦藥物。在他的胃裡並沒有可識別出的藥片。並未發現非法藥物或者酒精。死亡原因的基調被定為他殺,異丙酚在沒有任何必須的醫療設施的非醫院的狀況下被使用。麥可在胸部有瘀傷,而且他的胸骨和一些肋骨折斷了,這是心肺復甦急救遺留下來的。[編輯] 去世主條目:麥可·傑克森的去世2009年6月25日下午12:22(美西太平洋時間)美國洛杉磯消防隊911接獲通報,麥可傑克森在加州洛杉磯荷爾貝山租賃的住處陷入昏迷沒有呼吸。在通報消防隊前,傑克森的私人醫生康拉德.墨瑞(Conrad Murray)於傑克森家中,曾試圖急救但沒有成功[41]。消防隊急救人員於三分鐘後抵達,隨後給予心肺復甦術(CPR),並緊急送往洛杉磯加州大學(UCLA)附屬醫療中心急救,於下午1:14送抵醫院。院方在下午2:26宣告麥可傑克森死亡[5],終年50歲。?傑克森去世後,各大搜索引擎由於歌迷搜索量劇增,谷歌近乎癱瘓,圖為2009年6月25日谷歌美國的「Michael Jackson」搜索量統計洛杉磯警方對此事件高度重視,此案已移交給洛杉磯的法醫單位,因此沒有醫生簽屬死亡證明[41]。傑克森的屍體已經由直升機運送到洛杉磯博伊爾高地的驗屍官檢查所。 在傑克森死亡之前,他已安排好50場演唱會,演唱會宣傳期間,傑克森會做出退休聲明[42]。麥可的私人醫生莫瑞,很有可能遭到美國當地警方以「過失殺人罪」起訴,據《太陽報》的消息麥可至少吞9種危險性藥物導致意外,其中還包括Propofol、Lorazepam、Midazolam。[編輯] 追思會主條目:麥可·傑克森的追思會美國時間7月7日上午10時,傑克森的悼念儀式:「In Loving Memory of Michael Jackson King of Pop 1958-2009」追思會在洛杉磯斯臺普斯中心舉行,當天有大量演藝明星及超過2萬名觀眾參加,全球觀賞人數共超過31億[43][44]。這場告別式號稱是暨洛杉磯奧運會後洛杉磯市舉辦最大的公眾活動。[編輯] 他殺2009年8月25日,法醫判定麥可之死為他殺。警方取得墨瑞的手機通話紀錄,發現他從11時18分左右開始講電話,3通電話共花了47分鐘,而麥可的保鑣足足等到82分鐘後,才打電話向911求救,這關鍵的1個多小時,正是麥可急救的黃金時刻。而法醫根據資料,判定麥可死於他殺,莫瑞恐怕難逃過失殺人的罪嫌。[45] [46] [47][編輯] 葬禮麥可傑克森葬禮本於2009年8月29日其五十一嵗冥壽舉行,不過該喪禮日期後來改爲將於是年9月3日。[編輯] 成就[編輯] 《金氏世界紀錄》世界史上最暢銷的音樂專輯 — 《Thriller》(據《金氏世界記錄》的認證書上稱:該專輯已在全球賣出了超過1.04億張;排名第二的AC/DC《Back in Black》約為它的一半)第一個在美國以外的地區賣出一億張專輯的藝人。歷史上第一位在一年內賺進上億美金的藝術家,同時也是歷史上報酬最高的藝術家(在1989年僅僅從單曲和專輯的銷售上就淨賺了1.25億美元)奪得美國單曲榜冠軍的最年輕的歌手(11歲,傑克森五人組樂團的主唱)首位單曲第一周發行即奪得美國音樂榜冠軍的歌手(「You Are Not Alone」)在美國排行榜上佔冠軍寶座時間最長的專輯(《Thriller》,37周)最成功的音樂錄影帶(《Thriller》,銷量100萬套)世界上慈善捐款金額累計最高的藝人(至2006年,個人的慈善公益捐款已經高達三億美元)世界歷史上最成功的藝術家(《金氏世界記錄》特別為麥可歷年無數的偉大成就所頒發的金氏世界記錄認證)[編輯] 各種榮譽普遍被認為與貓王、披頭四並列為流行樂史上最偉大的歌手。25歲起就開始打破了全球樂壇所有的音樂銷售和獲獎記錄。30歲就獲得了「流行音樂之王」(King of Pop)這個偉大的頭銜。在美國「告示牌Billboard雜誌」榜史上有13張冠軍單曲。曾獲得16座「葛萊美獎」。曾兩次得到諾貝爾和平獎提名。西方國家1980年代至1990年代流行文化的象徵人物。長年投入慈善事業,固定資助39個慈善機構(收錄在2000年出版的《金氏世界紀錄官方資料書》中),並被《星期日時報》稱為「慈善之王」。美國音樂史上唯一一位連續4張錄音室專輯都在首周奪冠的藝人。歷史上第一位也是唯一在美國「告示牌Billboard雜誌」榜上橫跨四個時代的冠軍藝人: 1961-1970, 1971-1980, 1981-1990,1991-2000,每個時代麥可都有冠軍曲。第一個同時包攬「NARM音樂聖禮獎」的「最暢銷專輯獎」(《Thriller》)和「最暢銷單曲獎」(《Billie Jean》)的藝人。第一位兩次留名「星光大道」的巨星(一次以Jackson 5樂團成員的身份,一次則以個人的名義)。「MTV音樂頻道」和「滾石雜誌Rolling Stone」將他的四首歌曲:《Billie Jean》、傑克森5人組的《I Want You Back》、《Beat It》及《Rock with You》選入「有史以來最受歡迎的100首流行歌曲」。罕見的兩度被引薦進入「搖滾名人堂」,也是搖滾名人堂最年輕的一位,第一次為39歲,第二次為43歲。流行音樂史上最成功的非洲裔美國籍黑人歌手,也是世界上最成功的流行音樂歌手之一。演唱會中昏倒的觀眾數量是史上最多的,平均每3分28秒就有1人昏倒。個人創立數個大規模的慈善醫療機構,目前已曝光的有「治癒世界基金會」、「拯救兒童基金會」、「麥可傑克森燒傷中心」、「麥可傑克森愛滋病救助中心」、「麥可傑克森有色人種教育基金會」、「麥可傑克森華沙兒童醫院」、「麥可傑克森巴黎兒童醫院」、「麥可傑克森糖尿病患者基金會」。估計全球已有數千萬名孩童及青少年因麥可的善行及影響力,直接或間接的改善生活。他的全球唱片銷售量、高難度的舞蹈動作、成功風靡全球的獨特造型、琳瑯滿目的獲獎紀錄、聲勢驚人的演唱會陣仗、慈善捐款的龐大金額、代表人類文化的傳奇性、稱霸全世界的超級巨星地位、以及他在救援世界兒童及反戰上的努力,都是地球上所有音樂人無法超越的里程碑。「顫慄」《Thriller》音樂錄影帶,在2009年獲美國國會圖書館列入國家級館藏影片,成為最受矚目的音樂影片作品。[編輯] 歷年成就[編輯] 1970年代1970年,年僅11歲,以一曲《I Want You Back》奪得了美國排行榜冠軍。1972年,美國國會 U.S. Congress頒予「特殊貢獻楷模」。1972年,「告示牌Billboard雜誌」最佳單曲、最佳單曲男藝人,成為其創榜以來最年輕的獲獎者。1978年,首次發行個人專輯《Off the Wall》,一年內全球銷量超過1000萬張(目前銷量約2000萬張),在美國「告示牌Billboard雜誌」專輯榜中停留了184周之久,並產生了4首冠軍單曲。「滾石雜誌Rolling Stone」在樂評中稱讚這張專輯是現代音樂經典之作。1979年,「告示牌Billboard雜誌」最佳黑色藝人、最佳黑人專輯。1979年,「錢櫃雜誌Cashbox」最佳靈魂專輯。[編輯] 1980年代1980年,「第22屆葛萊美獎」最佳節奏藍調男歌手獎。1980年,「第7屆全美音樂獎」最受歡迎靈魂/節奏藍調男藝人獎、最受歡迎專輯獎、最受歡迎單曲獎。1981年,「第8屆全美音樂獎」最受歡迎靈魂/節奏藍調男藝人獎、最受歡迎專輯獎。1982年,專輯《Thriller》發行(目前銷量約1億900萬張),產生了4首冠軍單曲,佔據美國音樂排行榜冠軍位置37周,並在專輯榜內停留長達122周之久,更是歷史上唯一連續兩年拿下年度冠軍的唱片。同時是史上第一張在英國和美國榜上同時奪冠的專輯,在「告示牌Billboard雜誌」榜上是有史以來第一位在流行、舞曲及黑人榜拿下專輯與單曲榜冠軍。此張專輯並獲得「滾石雜誌Rolling Stone」五顆星評價。1982年,單曲《Billie Jean》的音樂錄影帶成為了首部在「MTV音樂頻道」播放的黑人歌手節目。1983年,「滾石雜誌Rolling Stone」讀者與樂評票選年度藝人、年度錄影帶、年度靈魂藝人;讀者票選年度製作人;樂評票選年度男歌手。1983年,「告示牌Billboard雜誌」榜上第一位同時間擁有14首十名內排行單曲的藝人,同時還破天荒的一次獲得了年度流行藝人、年度黑人藝人、年度流行專輯、年度流行專輯藝人、年度流行單曲藝人、年度流行男藝人專輯、年度流行男藝人單曲、年度黑人專輯藝人、年度黑人單曲藝人、年度黑人專輯、最佳舞曲藝人、最受歡迎單曲、最受歡迎專輯;並且在搖滾專輯榜、搖滾單曲榜、靈魂/節奏藍調專輯榜、靈魂/節奏藍調單曲榜、舞曲榜上同時奪冠。1983年,單曲《Thriller》的音樂錄影帶在「MTV音樂頻道」放映時,創下超過1000萬戶收視率,為日後MTV主導流行音樂市場奠下基礎。1983年,單曲《Thriller》的音樂錄影帶被譽為全世界「最偉大的音樂錄影帶」之一,並在音樂錄影帶的藝術性上「前進了一大步」。1983年,專輯《Thriller》在美國被鑒定為27白金唱片;在英國也獲得11白金認證。1984年,《健力氏世界記錄》世界史上最暢銷的專輯——《Thriller》。1984年,《Victory World Tour》在堪撒斯城箭頭體育場舉行,3場演出共吸引了13.5萬人到場。1984年,成為當時擁有鉆石專輯(1000萬銷量)的最年輕藝人(25歲)。1984年,在白宮接受美國總統雷根頒發了「特殊成就獎」、「人道主義總統獎」(因《Beat It》一曲用在防治酒駕宣導影片上成效卓越)。1984年,「第1屆MTV音樂錄影帶獎」歷年最佳錄影帶獎、最佳舞蹈設計獎、最佳人氣獎。1984年,「第2屆全美音樂錄影帶獎」最佳長篇錄影帶獎、最佳家庭錄影帶獎。1984年,「第3屆全英音樂獎」最佳英國專輯獎、最佳國際藝人獎。1984年,「第11屆全美音樂獎」特殊貢獻獎、最受歡迎流行/搖滾男歌手獎、最受歡迎流行/搖滾專輯獎、最受歡迎流行/搖滾單曲獎、最受歡迎流行/搖滾音樂錄影帶獎、最受歡迎靈魂/節奏藍調男藝人獎、最受歡迎靈魂/節奏藍調音樂錄影帶獎。1984年,「第26屆葛萊美獎」最佳搖滾男歌手獎、最佳藍調男歌手獎、最佳藍調歌曲獎、最佳製作人獎、最佳流行男歌手獎、最佳年度專輯獎、最佳年度唱片獎、最佳兒童音樂專輯獎。今晚的頒獎晚會被稱為「Michael Jackson之夜」,共計有超過6500萬人收看,創下了「葛萊美獎」現場直播的最高收視率。1984年,「有色人種民權促進協會」(NAACP Image Awards H. Claude Hodson)克勞德哈德森自由勳章。1985年,「第27屆葛萊美獎」最佳音樂錄影帶獎。1985年,單曲《四海一家》(We Are the World),召集了45位著名歌手所共同演唱。在美國成為史上銷售最快的單曲(3天內賣出80萬)最後狂銷700萬張,也成為史上第二最佳銷量單曲,並募款達到六千三百萬美金。1986年,「第28屆葛萊美獎」年度歌曲獎、年度唱片獎、最佳流行二重唱或團體獎、最佳短篇音樂錄影帶獎。1987年,專輯《BAD》發行(目前銷量約3000萬張),產生了5首冠軍單曲,同時也創下「告示牌Billboard雜誌」榜上「擁有最多冠軍曲的單張專輯」的記錄,並且又破紀錄的在全球在25個國家內登上了排行榜冠軍寶座。1987年,開始為期16個月的《Bad World Tour》。在全球4大洲的15個國家舉行共123場演唱會,吸引了約440萬人到場觀看。使其成為史上最大規模的巡演,它也是史上獲利最豐的巡演,共收入1.25億美元。1988年,「音樂錄影帶先鋒獎」音樂錄影帶傑出貢獻獎。1988年,《Bad World Tour》是英國史上最大規模的巡演,吸引了超過80萬人到場觀看,創下收入高達1300多萬英鎊的紀錄。1988年,由倫敦溫布利大體育場頒發特別榮譽,表彰麥可在此創下的新記錄,7場售票演出共吸引了504,000人觀看。1988年,在利物浦Aintree賽馬場的演唱會共吸引了125,000人前來觀看,創下了該體育場最多觀眾人數記錄。1988年,有色人種聯合大學基金會授與「Fisk大學人道文學博士榮譽學位」、「Frederick D. Patterson獎」。1988年,「第15屆全美音樂獎」最受歡迎靈魂/節奏藍調單曲獎。1988年,「第7屆全英音樂獎」最佳國際藝人獎。1988年,「第2屆靈魂列車音樂獎」年度最佳節奏藍調專輯獎、年度最佳男藝人單曲獎。1988年,「告示牌Billboard雜誌」最佳黑人藝人。1989年,「MTV音樂頻道」十年先鋒音樂錄影帶藝人獎。1989年,「第16屆全美音樂獎」特殊成就獎。1989年,「第6屆MTV音樂錄影帶獎」錄影帶先鋒獎-世界史上最偉大的錄影帶。1989年,「滾石雜誌Rolling Stone」十年來最佳錄影帶。1989年,「世界音樂獎」名人殿堂、錄影帶終生成就獎、最受歡迎錄影帶獎。1989年,「第21屆有色人種民權促進協會」最佳男藝人獎、年度最佳專輯獎、李奧納多.卡特人道主義獎。1989年,「第8屆全英音樂獎」最佳國際藝人獎、最佳音樂錄影帶獎、最佳國際男藝人獎。1989年,「告示牌Billboard雜誌」年度冠軍黑人藝人、年度流行/節奏藍調冠軍專輯。[編輯] 1990年代1990年,「第32屆葛萊美獎」最佳短篇音樂錄影帶獎。1990年,「全美影業基金會」十年最佳藝人。1990年,「第4屆靈魂列車音樂獎」十年最佳藝人獎。1990年,「哥倫比亞唱片公司」評為當代最偉大的藝人。1990年,美國總統老布希在白宮頒發「十年最佳藝人獎」。1991年,專輯《Dangerous》發行(目前銷量約3000萬張),成為英美史上銷售速度最快的專輯:在美國公開發售後的37天內便賣出了1400萬張,同時在英國3天內就賣出了超過20萬張。1991年,單曲《Black Or White》是迄今為止被播放次數最多的音樂錄影帶,耗資超過400萬美元,首次廣泛的運用電腦特效製作出人臉變形技術。1991年,與SONY唱片簽約,擁有其50%的音樂版權(包括披頭四樂團、貓王等歌手),合約價值9.1億美金,每製作一張專輯資助2300萬美金,專為他成立一個「傑克森娛樂中心」,做為統合他一切音樂、電影、電視的指揮總部,外加年薪1000萬美金。麥可此時身價已高達30億美金。1991年,《Dangerous》專輯成為史上銷售最快的專輯:公開發售37天內便賣出了1400萬張。1992年,「NABOB」終生成就獎。1992年,《Dangerous World Tour》羅馬尼亞布加勒斯特演唱會在全球61個國家的電臺和電視上現場直播,共吸引了全球大約2.5億的觀眾收看。1992年,《Dangerous World Tour》羅馬尼亞布加勒斯特演唱會的現場直播節目,獲得「Cable Ace Awards」的大獎。1992年,HBO支付給《Dangerous World Tour》羅馬尼亞布加勒斯特演唱會的全球直播費達2000萬,創下有線電視網路電視轉播費用的最高價。1992年,《Dangerous World Tour》全球演唱會共計六十九場,觀眾超過三百五十萬。總收入達到一億美金,麥可將之全部投入慈善事業。1992年,專輯《Dangerous》累計賣出2200萬張,成為當年全球最暢銷的唱片,專輯中另外發表的9首單曲也達到了1700萬張的銷量。1993年,《金氏世界紀錄》終生成就獎。1993年,「第6屆世界音樂獎」本世紀全球最暢銷藝人、全球最暢銷流行藝人、全美最暢銷藝人。1993年,「第20屆全美音樂獎」最受歡迎流行/搖滾專輯、最受歡迎靈魂/節奏藍調單曲、特殊國際藝人獎。1993年,「第7屆靈魂列車音樂獎」年度人道主義獎、最佳節奏藍調專輯、最佳節奏藍調單曲。1993年,「有色人種民權促進協會」年度人道主義獎、傑出音樂錄影帶獎、25週年紀念年度藝人獎。1993年,在「27屆美式足球超級盃橄欖球聯賽」開幕式進行個人表演(由NBC直播),聯合發起「拯救洛杉磯」慈善運動,共吸引了1.334億美國觀眾收視,在全球80個國家吸引了15億觀眾收視。1993年,《Dangerous World Tour》成為墨西哥歷史上最大規模的巡演,5場演出共吸引了50萬人觀看,共收入1200萬美元。1993年,「第35屆葛萊美獎」當代傳奇獎。1995年,專輯《HIStory》發行(目前銷量約1800萬張),產生了2首冠軍單曲。1995年,在好萊塢Tower唱片行頂樓豎立高達9.1公尺的麥可雕像。1995年,「第12屆MTV錄影帶獎」最佳舞曲音樂錄影帶獎、最佳舞蹈獎、最佳美術指導獎。1996年,「第38屆葛萊美獎」最佳短篇音樂錄影帶獎。1996年,「第8屆世界音樂獎」歷年最暢銷專輯、最佳流行男歌手、最佳節奏藍調藝人、最佳唱片男歌手、最佳美國男歌手,從而成為該獎項歷史上單年度獲獎最多的藝人。1996年,網路上與麥可有關的網站高達6000個,比第二名美國柯林頓總統還多500個。1997年,在芬蘭赫爾辛基,5萬張票在5個小時內售完,創下芬蘭歷史記錄。1997年,《HIStory World Tour》成為德國歷史上規模最大的巡演,共有超過65萬的觀眾到場觀看。1998年,在「告示牌Billboard雜誌」慶祝創榜40周年的選舉中奪得「擁有最多熱門曲目的男性藝人」的桂冠。[編輯] 21世紀2002年,在柏林獲得「2002年德國千年Bambi獎」,以承認他是世界「最偉大的流行歌手」的地位。2003年,「告示牌Billboard雜誌」TOP 10單曲總數(包括Jackson 5時期)已累積達48支。2009年,麥可傑克森宣布將舉辦50場《This Is It》告別公演。100萬張門票在開售後4個半小時內就搶購一空,創下流行音樂史上最高紀錄。2009年3月12日,倫敦謝幕演出正式開始預售五個小時後,《The Essential Michael Jackson》(世紀典藏)精選輯的銷量增加了2377%,從8001位直接跳升至323位。《Thriller 25th Annivrsary Edition》(顫慄25周年紀念專輯)則銷量猛漲了411%,排名第171。《Number Ones》(獨一無二)精選輯增漲了384%,而《Off the Wall》(牆外)專輯增漲了260%。[編輯] 作品[編輯] 音樂作品主條目:麥可·傑克遜專輯列表和麥可·傑克遜單曲列表[編輯] 原創專輯1972/01/24:Got to Be There1972/08/04:Ben1973/05/13:Music & Me1975/01/16:Forever, Michael1979/08/10:Off the Wall1982/11/30:Thriller1987/08/31:Bad1991/11/30:Dangerous1995/06/16:HIStory: Past, Present and Future, Book I1997/05/11:Blood on the Dance Floor: History in the Mix2001/10/30:Invincible[編輯] 精選輯2001年11月:Michael Jackson Greatest Hits HIStory Volume I2004年11月:Michael Jackson: The Ultimate Collection2005年6月:Essential Michael Jackson2008年2月:Michael Jackson 25th Anniversary of Thriller2008年8月26日:King of Pop[編輯] 演唱會傑克森在日本的演唱會為亞洲最多場次的國家,分別於1973年(5場)、1987年(14場)、1988年(9場)、1992年(8場)、1993年(2場)、1996年(6場)。並分別於2006年2007年兩度造訪日本。2007年3月3日造訪領取日本MTV大賞為生涯最後一次亞洲之旅。Bad Tour1987年9月12日~1989年1月27日亞洲第一站是9月12日的東京開始。總計共有15國123場,440萬聽眾參與。Dangerous Tour第一階段[1992年6月27日—1992年12月31日] 第二階段[1993年8月24日—1993年11月11日]全球總計共69場次,350萬聽眾。參與演唱會的人數則有235人,80臺攝影機全程錄影。本巡迴超過一億美金的總收入全捐予慈善機構「治癒世界基金會」。 在羅馬尼亞布加勒斯特的演出則為HBO創下有線電視史上最高收視紀錄,麥可因此獲得有線電視傑出獎。 Dangerous Tour最後階段因惡意指控,造成麥可必須服用止痛藥來紓解壓力,使他進入康復中心來戒除藥癮。「危險之旅」臺北演唱會1993年9月4日、9月6日為1993年的第3站。HIStory Tour1996年9月7日~1997年10月15日總計共35國58個都市82場次,450萬聽眾。動用整架包機抵達世界各地。造訪臺灣臺北市期間,包下欣欣百貨公司-玩具反斗城賣場,盛況空前。[編輯] 參與電影1978年:The Wiz 《新綠野仙蹤》扮演稻草人。1986年:Captain EO 《EO船長》扮演EO船長。迪士尼樂園3D電影。1988年:Moonwalker 《月球漫步》扮演自己。1997年:Ghosts 《鬼怪》/《鬼府神宮》分飾以下角色:莊園主人/市長/鬼怪市長/鬼王/骷髏。2002年:Men in Black II 《MIB星際戰警2》扮演特工M。2004年:Miss Cast Away and the Island Girls 《漂流女孩與荒島姑娘》扮演自己。2009年:Michael Jackson's This Is It 《麥可·傑克遜:就是這樣》演唱會電影;臺譯未來的未來。[48][編輯] 參與電玩外星戰將 街機、世嘉Mega Drive遊戲太空頻道5 Dreamcast遊戲太空頻道5 2代 為Dreamcast和PlayStation 2設計的跳舞遊戲冠軍爭霸賽 第2回合 Ready 2 Rumble Boxing, Round 2 是為世嘉第七代128位元Dreamcast家庭機和PlayStation 2設計的格鬥遊戲,傑克森在其中作為隱藏角色出現。未命名的遊戲 這個遊戲將發行在PlayStation 3、PlayStation 2上。這個電子遊戲將配有 Michael Jackson 的音樂、舞蹈和音樂錄影,可以讓全家人一起來玩。將於2009年聖誕節前推出。 New Michael Jackson game coming Wiki[編輯] 個人專利?美國專利號5255452, 由傑克森申請,在《Smooth Criminal》中使用。45度前傾專利:傑克遜於1993年10月26號獲得此動作的專利權,專利名為「製作反重力錯覺的方法和手段」(Method and means for creating anti-gravity illusion),詳細分析、專利頁面(en)。[編輯] 為其他歌手或組合提供之歌曲[編輯] 日本[編輯] J-FRIENDS1.Children's Holiday (1998年1月21日發售) 擔任此歌的製作人,由日本作詞家松井五郎翻譯成日文版本。2.People Of the World (1999年1月13日發售) 擔任此歌的製作人,由日本作詞家秋元康翻譯成日文版本。[編輯] 美國[編輯] Sa-Fire (Wilma Cosme)1.I Never Heard (1990年發售) 與Paul Anka共同擔任此歌的作詞http://zh.wikipedia.org/wiki/%E8%BF%88%E5%85%8B%E5%B0%94%C2%B7%E6%9D%B0%E5%85%8B%E9%80%8A

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